Partitions de Symétrie

Par GIRARD ANTHONY. La poésie d’Heather Dohollau (1925-2013) s’aventure toujours à la limite des mots et du silence. Native du pays de Galles, mais ayant vécu en France dès 1950, Heather Dohollau avait trouvé, par confrontation avec les mots d’une autre langue, le chemin de l’indicible. L’idée était ici de juxtaposer quelques poèmes en français extraits du recueil Le Dit des couleurs, avec leur traduction en anglais par Heather Dohollau elle-même. L’âme est touchée par cette poésie immatérielle qui joue avec le temps : temps de l’instant immobile, temps de l’éternité toujours présente, temps de la mémoire des lieux oubliés, des « lieux où ne nous sommes pas allés ». Cette poésie tire aussi sa délicatesse d’une pleine attention aux émotions de la nature ; cette douceur contemplative n’exclut pas des moments d’élan et de vigueur. Les « chemins couleur du temps » nous conduisent alors dans un espace sans limite, avec l’énergie de la joie. Composée en 2010 pour double chœur à voix égales, harpe et quatuor à cordes, cette œuvre s’inscrit dans la continuité de deux autres compositions sur des poèmes d’Heather Dohollau : Pour l’oiseau (2000), pour mezzo-soprano et ensemble instrumental (Symétrie, 2014), et Tout un monde ardent (2007), pour chœur à voix égales et harpe (Symétrie, 2009). Anthony Girard / Date parution : 2014-09-15/ Répertoire / Double Chœur À Deux Voix Égales, Harpe Et Quatuor

Par GIRARD ANTHONY. La poésie d’Heather Dohollau (1925-2013) s’aventure toujours à la limite des mots et du silence. Native du pays de Galles, mais ayant vécu en France dès 1950, Heather Dohollau avait trouvé, par confrontation avec les mots d’une autre langue, le chemin de l’indicible. L’idée était ici de juxtaposer quelques poèmes en français extraits du recueil Le Dit des couleurs, avec leur traduction en anglais par Heather Dohollau elle-même. L’âme est touchée par cette poésie immatérielle qui joue avec le temps : temps de l’instant immobile, temps de l’éternité toujours présente, temps de la mémoire des lieux oubliés, des « lieux où ne nous sommes pas allés ». Cette poésie tire aussi sa délicatesse d’une pleine attention aux émotions de la nature ; cette douceur contemplative n’exclut pas des moments d’élan et de vigueur. Les « chemins couleur du temps » nous conduisent alors dans un espace sans limite, avec l’énergie de la joie. Composée en 2010 pour double chœur à voix égales, harpe et quatuor à cordes, cette œuvre s’inscrit dans la continuité de deux autres compositions sur des poèmes d’Heather Dohollau : Pour l’oiseau (2000), pour mezzo-soprano et ensemble instrumental (Symétrie, 2014), et Tout un monde ardent (2007), pour chœur à voix égales et harpe (Symétrie, 2009). Anthony Girard / Date parution : 2014-10-01/ Répertoire / Double Chœur À Deux Voix Égales, Harpe Et Quatuor

Par SACRE GUY. Dans la préface à mes Trois Poèmes de Supervielle, récemment parus chez Symétrie, je qualifiais sa poésie de « quotidienne, paisible et rassurante », et je la jugeais « fidèle à tous les paliers de notre vie ». Mais de ce vécu je ne précisais pas l’étoffe, ni le contour. Tout poète crée un univers, auquel nous sommes conviés : à combien nous est-il loisible d’adhérer, de nous joindre au point de ne plus sentir la suture ? Pour celui-ci, aucun doute. Les arbres, les rivières, les animaux qui le peuplent – et l’enveloppent de naïve tendresse – peuvent devenir, non par magie mais par sympathie intime, autant d’amis inconnus. « Il vous naît un poisson… » « Il vous naît un oiseau… » « Il vous naît une étoile… » Et pareillement ces flamants de l’aube et du crépuscule, ce sapin dérivant sur un lac : il suffit de les rencontrer, au hasard des mots et des rimes, pour non seulement les percevoir, mais les reconnaître, au plus aigu du souvenir. Quotidiens, assurément, comme les plus durables de nos rêves. Supervielle disait, plus joliment, « mes légendes ». Le lac endormi / Date parution : 2024-06-12/ Répertoire / Voix Moyenne et Piano

anatomie et technique vocale. Par PHILIPPIN VALERIE. Conçu par une chanteuse et pédagogue, ce livre propose à tous les praticiens de la voix une approche détaillée du fonctionnement anatomique permettant de mieux connaître l’instrument corps-voix et d’aborder le geste vocal du point de vue de l’instrument : corps-instrument, respiration, phonation et amplification, phonétique et prononciation, audition. Riche en illustrations et en exercices pratiques, il permet de développer une technique fondamentale ouverte sur tout type de chant et usage de la voix. Son ambition : donner aux chanteurs des outils vers l’autonomie et une plus grande liberté d’expression. Les chapitres de cet ouvrage, revus et corrigés, constituent la première partie du livre La Voix soliste contemporaine, paru en 2017 chez Symétrie. / Date parution : 2024-05-29/ Livre / Chant

Par WANG PATRICIO / PINTO D’AGUIAR FELIPE / GONZALEZ A. L’insertion de la guitare dans le domaine de la musique savante n’a pas été chose facile. La trajectoire parcourue depuis la période où elle jouait le rôle d’un instrument de salon jusqu’à son installation dans les salles de concert constitue une aventure fascinante, maintes fois narrée, voire mythifiée. Les grands héros de la guitare de la première moitié du xxe siècle étaient surtout des romantiques tardifs, les approches esthétiques de Segovia ou Barrios en font figure d’exemples. Beaucoup de rendez-vous manqués sont à déplorer dans la rencontre entre les grands compositeurs proches des premières avant-gardes du xxe siècle et la guitare. Ni Bartók ni Varèse ne se sont intéressés à l’instrument, mais il a été utilisé par Schoenberg et Webern dans quelques rares pièces originales de musique de chambre, ainsi que par Stravinsky (Quatre chants, Ebony Concerto…). Ce n’est que durant la seconde moitié du siècle qu’une véritable courroie de transmission s’établit entre la guitare et les esthétiques nouvelles. La guitare a ainsi eu l’honneur de figurer dans une œuvre phare de la période de l’après-guerre, telle que Le Marteau sans maître de Boulez. Apparaît alors progressivement la nécessité d’une pédagogie spécifique des techniques contemporaines. Sans vouloir en dresser le catalogue, nous pouvons mentionner quelques ouvrages marquants parmi les publications pédagogiques de la seconde moitié du xxe siècle. Citons, entre autres, le Guitarcosmos de Reginald Smith-Brindle, les célèbres Études simples de Brouwer, le recueil de Rafael Andia intitulé Panorama de la musique contemporaine réunissant divers compositeurs, la collection dirigée par Francis Verba ou encore le singulier traité Sonorités nouvelles pour guitares de Jean-Luc Mas, adressé autant aux compositeurs qu’aux guitaristes… Il suffit de parcourir une bonne partothèque guitaristique pour apercevoir dans sa juste mesure l’ampleur des efforts éditoriaux allant dans cette direction à cette époque-là. Bien que devenu un instrument de concert enseigné dans les conservatoires du monde entier et d’une présence toujours croissante sur la scène internationale, un certain essoufflement de l’élan évoqué plus haut semble s’installer durant ces dernières décennies. Il n’est pas dans notre objectif d’élucider ici ce phénomène que seule une sociologie du monde de la guitare permettrait de saisir dans toute sa complexité. Un répertoire pédagogique initial marqué par une coloration jazz ou faisant référence aux musiques traditionnelles revisitées semble désormais l’emporter nettement parmi les publications didactiques les plus usitées en conservatoire. Nous ne pouvons que nous réjouir de ces ouvertures multiples, car la guitare a toujours joué un rôle éminent en tant qu’instrument vecteur de tous les croisements esthétiques. Néanmoins, pourquoi ne pas réserver aussi une place plus grande à la musique dite contemporaine dans cette belle diversité ? C’est en partant de ce constat que, au sortir d’une thèse de doctorat de musicologie et commençant à enseigner la guitare dans un conservatoire de la région parisienne en 2019, j’ai eu l’idée de commander à quatre compositeurs chiliens des pièces pédagogiques pour mes élèves. Quelques consignes accompagnaient cette demande : une nécessaire concision formelle, une approche éminemment pédagogique adaptée au programme par cycles des conservatoires français, une totale liberté étant laissée à l’expression de l’esthétique personnelle de chaque compositeur. Les réponses n’ont pas tardé : Patricio Wang, Gabriel Matthey, Andrés González et Felipe Pinto d’Aguiar s’embarquaient sans hésiter et avec enthousiasme dans cette aventure. Ce recueil, issu de ce projet collaboratif, constitue une approche à la fois expérimentale, ludique et exigeante de la guitare, où chaque micropièce ou étude est conçue comme une miniature ayant le potentiel de s’intégrer dans un programme de concert. Il s’agit d’un matériel d’appui qui permettra de se familiariser progressivement à des nouvelles techniques d’exécution ainsi qu’avec diverses formes de notation, préparant le guitariste – par la riche palette des gestes instrumentaux qu’il propose – à l’exécution des grandes œuvres de la guitare contemporaine. Le niveau des pièces s’étend du premier cycle jusqu’au troisième cycle spécialisé (voire au-delà) et l’enseignant ou le guitariste travaillant en autonomie trouveront de brefs commentaires et conseils d’exécution avant chaque morceau. C’est avec la volonté d’ouvrir une fenêtre vers d’autres esthétiques que cet ouvrage a été conçu. Espérons aussi qu’il constituera un pont durable jeté vers la création musicale d’un pays encore peu représenté dans le paysage éditorial international. / Date parution : 2025-10-21/ Etude / Guitare

Par TETRAZZINI LUISA / CARUSO ENRICO. Dans ce numéro, vous ne trouverez ni approche scientifique de la voix – graphiques à l’appui – ou séries de vocalises à effectuer quotidiennement, mais un discours fondé sur l’héritage de la technique du bel canto, l’expérience de carrières menées sur les plus grandes scènes lyriques et la fréquentation assidue des grands rôles du répertoire d’opéra. Ces deux grands artistes transmettent ici leur vécu et leur pratique par de simples conseils que le jeune chanteur ou le chanteur confirmé (re)découvriront avec plaisir et intérêt car ils sont frappés au coin du bon sens et reviennent régulièrement aux principes de base du chant et de la construction d’une carrière de chanteur lyrique : le souffle, la diction, l’expression, l’hygiène de vie, le travail et l’étude constante pour s’améliorer, mais encore et surtout… le dévouement ­complet à son Art. Comme le dit Luisa Tetrazzini : « Il n’y a qu’une seule façon de chanter correctement, c’est de chanter naturellement, facilement, confortablement »… et avec cœur. / Date parution : 2025-11-12/ Livre / Chant

Par NARBONI FRANCOIS. Trio Lydie est écrit en hommage à Lydie Inserra-Seguela qui, suite à un accident cardiaque survenu en 2015, a vécu dans un coma profond jusqu’au début de 2024 où elle nous a définitivement quittés à l’âge de 50 ans. C’est une œuvre de facture classique en trois mouvements, deux mouvements vifs encadrant un mouvement lent. Le premier mouvement fait entendre un unique thème s’éclairant peu à peu au cours du morceau mais sans arriver jamais à sortir de lui-même, comme une conscience prisonnière d’un corps sans vie. Le deuxième mouvement est le centre émotionnel de l’œuvre, avec un thème principalement dévolu au violoncelle, en forme de mélopée autour d’une seule note. Le milieu de ce mouvement est fantomatique, le pianiste semble s’exercer en faisant des gammes (allusion au compagnon de Lydie, mon ami le pianiste Laurent Inserra), le temps est complètement arrêté et la musique aussi. C’est une expérience singulière d’a-musique où le matériau sonore est à tel point neutralisé qu’il en confine à la surexpression. Le troisième mouvement semble reprendre là où le premier s’est arrêté avec un thème parvenant enfin à se libérer en une explosion jubilatoire finale. Trio Lydie est dédié à Lydie, Laurent et leurs enfants Héloïse et Tristan. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Flûte, Violoncelle et Piano

Par MOZART WOLFGANG AMADEUS / BERNIER BASTIEN (Arr.). 20 ex. min. Le Requiem en ré mineur (KV 626) de Wolfgang Amadeus Mozart, œuvre emblématique du répertoire sacré, demeure l’une des compositions les plus connues de l’histoire de la musique classique. Achevé après la mort prématurée de Mozart, ce chef-d’œuvre allie puissance dramatique, profondeur spirituelle et beauté mélodique. Cet arrangement du Requiem pour chœur de femmes et piano est né de la volonté de rendre accessible cette œuvre incontournable à des formations vocales féminines. La beauté du Requiem réside dans sa capacité à évoquer des émotions puissantes et cet arrangement vise à en préserver l’intégrité musicale et émotionnelle tout en explorant la richesse des timbres féminins. Plus qu’une simple octaviation des parties de ténors et basses, l’objectif était de créer une texture harmonique riche et cohérente qui souligne les qualités uniques des voix féminines. Les passages fugués et contrapuntiques ont été minutieusement réécrits pour mettre en valeur les magnifiques mélodies de Mozart dans une nouvelle configuration adaptée à un chœur à voix égales. Chaque voix a été soigneusement pensée pour permettre aux choristes de s’exprimer pleinement, tout en préservant l’essence de l’œuvre originale. Le piano, lui, soutient et enrichit les voix, remplaçant l’orchestre en respectant l’intensité et l’équilibre harmonique de la pièce. Cette version du Requiem offre aux ensembles vocaux féminins et leurs choristes une occasion unique de se familiariser avec une œuvre majeure du répertoire classique, se l’approprier et partager avec leur public sous un angle nouveau toute la profondeur spirituelle et émotionnelle de cette musique. Adaptée pour chœur à voix égales et piano, elle ouvre également la porte à de nouvelles expériences auditives pour le public et lui offre une nouvelle perspective sur le Requiem, révélant, dans une interprétation plus intimiste, des nuances et des subtilités qui peuvent échapper dans sa version traditionnelle. Je suis ravi de voir cet arrangement édité et j’espère qu’il inspirera de nombreuses interprétations et de beaux moments de communion musicale pour les ensembles féminins à travers le monde. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Choeur de Femmes et Piano

Par FORGET PHILIPPE. Tous publics Hibiscus est une jolie fleur qui cherche désespérément Pol-Érable son fiancé, lequel s’est égaré au cœur d’un domaine bien mystérieux. C’est le domaine du Sire Palissandre, un inquiétant personnage dont les mœurs environnementales sont pour le moins peu développées. Une seule question dès lors ? Comment s’en échapper ? / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / 3 Voix et Violoncelle

Par LEGUAY JEAN-PIERRE. La première version, pour ondes Martenot, piano, et percussions (un exécutant) date de 1977-1978. L’engouement pour les ondes Martenot ayant sensiblement diminué depuis, j’ai réalisé une seconde version en 2020, révisant l’ensemble, et remplaçant les ondes par un saxophone alto lui aussi souple et agile. En 2021, souhaitant cependant bénéficier des spécificités des ondes (très large étendue, glissés, réverbérations graduées…), j’ai retravaillé leur participation initiale en l’adaptant au piano et aux percussions de 2020. Deux versions donc, deux climats, deux présences. Quelques informations sonores volontairement simples et aisément identifiables ont ici pour fonction de théâtraliser l’écoulement du temps. Ainsi : tout au début, les claquements secs fortissimo du wood-block progressivement resserrés puis espacés ; immédiatement après, les vibrations étagées des trois cymbales et, plus loin à l’entrée des ondes ou du saxophone, celles des cymbales et du tam-tam réunis. En plusieurs endroits, le motif du wood-block réapparaît assorti de variantes rythmiques et dynamiques, ou transfiguré soit par l’ajout de groupes d’appoggiatures, soit par les accords répétés du piano (clairs dans l’aigu, baignés de leurs propres résonances dans leur registre médian, profonds dans l’extrême grave…). De nombreux épisodes de dialogues, d’interrogations, d’affirmations du timbre de chaque instrument, de mimétismes aussi entourent le noyau central de l’œuvre alors projeté dans une coulée qu’enflamme l’éclat du xylophone ici présent pour la première et unique fois. Dans la dernière partie de la pièce, le propos s’ajoure, tend au silence, se résout finalement dans l’éblouissement du tam-tam qui, seul alors, vibre longuement, se retirant peu à peu. Le titre de l’œuvre emprunté à Rabindranath Tagore, exprime une aspiration profonde, non le résumé d’un programme qui serait illustré. Ce que la musique est susceptible de suggérer est strictement du ressort, du domaine de la libre interprétation. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Saxophone Alto, Piano et Percussions (un Exécutant

Par LEGUAY JEAN-PIERRE. La première version, pour ondes Martenot, piano, et percussions (un exécutant) date de 1977-1978. L’engouement pour les ondes Martenot ayant sensiblement diminué depuis, j’ai réalisé une seconde version en 2020, révisant l’ensemble, et remplaçant les ondes par un saxophone alto lui aussi souple et agile. En 2021, souhaitant cependant bénéficier des spécificités des ondes (très large étendue, glissés, réverbérations graduées…), j’ai retravaillé leur participation initiale en l’adaptant au piano et aux percussions de 2020. Deux versions donc, deux climats, deux présences. Quelques informations sonores volontairement simples et aisément identifiables ont ici pour fonction de théâtraliser l’écoulement du temps. Ainsi : tout au début, les claquements secs fortissimo du wood-block progressivement resserrés puis espacés ; immédiatement après, les vibrations étagées des trois cymbales et, plus loin à l’entrée des ondes ou du saxophone, celles des cymbales et du tam-tam réunis. En plusieurs endroits, le motif du wood-block réapparaît assorti de variantes rythmiques et dynamiques, ou transfiguré soit par l’ajout de groupes d’appoggiatures, soit par les accords répétés du piano (clairs dans l’aigu, baignés de leurs propres résonances dans leur registre médian, profonds dans l’extrême grave…). De nombreux épisodes de dialogues, d’interrogations, d’affirmations du timbre de chaque instrument, de mimétismes aussi entourent le noyau central de l’œuvre alors projeté dans une coulée qu’enflamme l’éclat du xylophone ici présent pour la première et unique fois. Dans la dernière partie de la pièce, le propos s’ajoure, tend au silence, se résout finalement dans l’éblouissement du tam-tam qui, seul alors, vibre longuement, se retirant peu à peu. Le titre de l’œuvre emprunté à Rabindranath Tagore, exprime une aspiration profonde, non le résumé d’un programme qui serait illustré. Ce que la musique est susceptible de suggérer est strictement du ressort, du domaine de la libre interprétation. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Saxophone Alto, Piano et Percussions (un Exécutant

Par MOZART WOLFGANG AMADEUS / BERNIER BASTIEN (Arr.). Le Requiem en ré mineur (KV 626) de Wolfgang Amadeus Mozart, œuvre emblématique du répertoire sacré, demeure l’une des compositions les plus connues de l’histoire de la musique classique. Achevé après la mort prématurée de Mozart, ce chef-d’œuvre allie puissance dramatique, profondeur spirituelle et beauté mélodique. Cet arrangement du Requiem pour chœur de femmes et piano est né de la volonté de rendre accessible cette œuvre incontournable à des formations vocales féminines. La beauté du Requiem réside dans sa capacité à évoquer des émotions puissantes et cet arrangement vise à en préserver l’intégrité musicale et émotionnelle tout en explorant la richesse des timbres féminins. Plus qu’une simple octaviation des parties de ténors et basses, l’objectif était de créer une texture harmonique riche et cohérente qui souligne les qualités uniques des voix féminines. Les passages fugués et contrapuntiques ont été minutieusement réécrits pour mettre en valeur les magnifiques mélodies de Mozart dans une nouvelle configuration adaptée à un chœur à voix égales. Chaque voix a été soigneusement pensée pour permettre aux choristes de s’exprimer pleinement, tout en préservant l’essence de l’œuvre originale. Le piano, lui, soutient et enrichit les voix, remplaçant l’orchestre en respectant l’intensité et l’équilibre harmonique de la pièce. Cette version du Requiem offre aux ensembles vocaux féminins et leurs choristes une occasion unique de se familiariser avec une œuvre majeure du répertoire classique, se l’approprier et partager avec leur public sous un angle nouveau toute la profondeur spirituelle et émotionnelle de cette musique. Adaptée pour chœur à voix égales et piano, elle ouvre également la porte à de nouvelles expériences auditives pour le public et lui offre une nouvelle perspective sur le Requiem, révélant, dans une interprétation plus intimiste, des nuances et des subtilités qui peuvent échapper dans sa version traditionnelle. Je suis ravi de voir cet arrangement édité et j’espère qu’il inspirera de nombreuses interprétations et de beaux moments de communion musicale pour les ensembles féminins à travers le monde. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Choeur de Femmes et Piano

Par VILLARD FRANCK. Affronter la nuit est probablement le premier ­vertige initiatique d’un enfant. Les contours familiers de la chambre se dissipent dans les ténèbres, la figure rassu­rante de la mère disparaît derrière la porte et se retire aux confins du couloir. L’espace et le temps se brouillent, se dilatent, propices aux métamorphoses. La nuit devient le théâtre où les valeurs positives du jour s’inversent, où le sentiment de sécurité fait place à la crainte de l’abandon, où les forces de destruction s’incarnent. La nuit semble ne jamais devoir finir. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Solistes, Chœur D'Enfants Et Orchestre

Par LEMAITRE DOMINIQUE. Création le 21 mars 2025 à Sainte-Hélène-Bondeville (Centre culturel) par Nathalie Dumesnil et Bénédicte Prédali dans le cadre de la Journée Mondiale de la Poésie. Cette brève pièce utilise les derniers vers de l’ouvrage L’apocalypse arabe de la poétesse et artiste visuelle franco-américano-libanaise Etel Adnan. Dominique Lemaître avait déjà mis en musique en 2022 un poème d’Etel Adnan extrait de L’apocalypse arabe dans l’œuvre Un soleil jaune pour mezzo-soprano et dix instruments commandée par le festival Terres de paroles. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / 2 Sopranos jouant du Tom Basse

Par CHOLLEY PIERRE. Tout le monde n’a pas la chance de naître breton. Comme beaucoup, sans doute, je fais partie de ceux pour qui la Bretagne est une terre lointaine, plus rêvée que réelle. Pour moi, point d’océan qui gronde, de marées d’équinoxes ; ma Bretagne est intérieure, dans les deux sens du terme. C’est une terre secrète, âpre, rétive aux errements touristiques qui ne se gagne plus qu’elle ne se donne ; c’est un rêve ballotté par les vents « sur la lande infinie », une terre mystique de chemins encaissés où « tout un petit peuple » de créatures mystérieuses danse joyeusement sur « les petits cailloux » du sentier. Une terre rythmée par la succession têtue des calvaires, tel « le chemin de Callac à Plumelec », sur laquelle au silence imposant des pierres levées répond le doux murmure d’une « berceuse » oubliée. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Flûte et Orgue

Par LEMAITRE DOMINIQUE. Création le 16 mai 1987 à Fécamp (Centre culturel) par Jacques Cotard et Bernard Heulin. Après une longue période de silence l’œuvre est reprise en 2021 par François Veilhan et Derlis Duarte Nunez (le 20/6 au Manoir d’Etainnemare à Etoutteville) puis par Jean-Pierre Moisseron et François Moreau (le 5/9 au château d’Yville-sur-Seine). Quatre sections enchaînées se développent à partir d’un ostinato de tambour de bois. Polyvalent, le matériau électroacoustique peut aussi bien servir à donner du relief (nappes, résonances, échos) qu’à insérer une nouvelle voix au milieu des instruments, transformant ainsi l’écriture de cette pièce en un véritable trio. Considéré dans les civilisations premières comme une théophanie, une manifestation et un message du ciel, l’aérolithe est comme une étincelle du feu céleste ou une graine de divinité. Selon les croyances primitives, les astres étaient en effet des divinités ; les parcelles qui s’en détachaient étaient comme des semences. L’aérolithe remplit une mission analogue à celle de l’ange : mettre en communication le ciel et la terre. L’aérolithe est le symbole d’une vie supérieure, qui se rappelle à l’homme ou qui communique avec lui. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Flûte amplifiée, Percussion et Sons fixés

Par CRITON PASCALE. Pour ensemble instrumental et captations (2007-2017) d’une durée de 16 minutes environ, il s’agit d’une commande de l’état. L’œuvre comprend cinq mouvements et l’ensemble instrumental se distribue spatialement en deux groupes couplés. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / ensemble instrumental et captations

Par HAHN REYNALDO. Découvert récemment, le cycle Sagesse de Reynaldo Hahn, inspiré par le recueil de Verlaine, s’inscrit parmi les œuvres composées durant sa relation amoureuse avec Marcel Proust, entre 1894 et 1896. Il en amorce la conception au printemps 1895, alors qu’il s’enfonce dans un épisode mélancolique dont nous ignorons la cause. Proust n’y est apparemment pour rien, puisque Hahn – qui séjourne en juillet à Saint-Germain-en-Laye, où il est venu « noyer dans l’air vivifiant et pur de gros ennuis moraux » – écrit à son ami le pianiste Édouard Risler  : « Les seules distractions ici sont les fréquentes visites de ce cher garçon, dont la douceur et l’intelligence sont vraiment réparatrices. » Le compositeur tâche cependant de faire avancer les partitions en cours et travaille à la fois à des images musicales pour orchestre, inspirées par le roman de Maurice Barrès Le Jardin de Bérénice, ainsi qu’à des « Monodies tirées du recueil de Verlaine ». Ces dernières sont alors envisagées comme « une très longue série de mélodies sur Sagesse », un ensemble de vaste proportion où « le livre […] aurait en somme été contenu tout entier ». De cet ouvrage – dans lequel le poète affirme sa repentance et son retour à la foi catholique à la suite de sa dramatique altercation avec Rimbaud –, seuls quatre poèmes seront finalement mis en musique. Pourquoi ces poèmes vocaux, qu’il a conservés soigneusement et même retravaillés, ont-ils été laissés en l’état  ? Probablement parce qu’ils étaient trop associés à Marcel Proust, trop évocateurs d’un ancien amour et d’un temps disparu qu’il souhaitait maintenir à distance. Il en fut de même d’ailleurs de toutes les partitions en cours d’élaboration au moment de sa séparation avec l’écrivain, en août 1896 : Le Jardin de Bérénice et le Trio pour violon, violoncelle et piano. Ces pages furent oubliées, qui dans Sagesse faisaient entendre un Verlaine sombre et étaient fort éloignées du style enveloppant des Chansons grises ou de nombre de mélodies du Premier recueil. Le ton se voulait ici plus grave, plus discordant, à la mesure des textes retenus. La première « monodie » du cycle, « … Sagesse humaine… », utilise les quatre dernières strophes de « Qu’en dis-tu, voyageur, des pays et des gares », où le poète fait le constat du « mal » qu’il a fait et espère « la grâce de Dieu ». Il s’agit d’un « récit mesuré » en fa majeur, de caractère religieux, épousant le recto tono ou une ligne vocale conjointe et une harmonie apaisée ; cette méditation étant percée par le grand intervalle vocal par lequel s’engage le vers « Bien de n’être pas dupe en ce monde d’une heure », suivi d’un assombris­sement tonal. La seconde, « Les chères mains qui furent miennes… », sur de courts octosyllabes, épouse la morphologie d’une danse à trois temps, avec une diction rapide à la voix accompagnée d’accords brefs à l’harmonie mobile. Les mains, tout autant instruments du péché que médiatrices de la figure de la croix dans la bénédiction, y apparaissent dans leur versatilité. C’est au contraire une immobilité toute marmoréenne (exprimée par un premier accord en appogiature puis un second faisant retard au-dessus de notes graves du clavier) qui se répand dans « Un grand sommeil noir… ». Prononcé « comme en rêve – les yeux mi-clos », le texte de Verlaine y fait se rejoindre au-delà de la temporalité humaine le « berceau » et le « caveau ». La dernière pièce, « La tristesse, la langueur du corps humain », demeurée inachevée, est à la fois le plus douloureuse et la plus lyrique. Ses harmonies chromatiques, ses modulations, ses accords de septièmes diminuées lui confèrent un caractère pathétique, à l’image du « triste corps » dépeint par le poète. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Mezzo Soprano ou Baryton et Piano

Par NARBONI FRANCOIS. Trio Lydie est écrit en hommage à Lydie Inserra-Seguela qui, suite à un accident cardiaque survenu en 2015, a vécu dans un coma profond jusqu’au début de 2024 où elle nous a définitivement quittés à l’âge de 50 ans. C’est une œuvre de facture classique en trois mouvements, deux mouvements vifs encadrant un mouvement lent. Le premier mouvement fait entendre un unique thème s’éclairant peu à peu au cours du morceau mais sans arriver jamais à sortir de lui-même, comme une conscience prisonnière d’un corps sans vie. Le deuxième mouvement est le centre émotionnel de l’œuvre, avec un thème principalement dévolu au violoncelle, en forme de mélopée autour d’une seule note. Le milieu de ce mouvement est fantomatique, le pianiste semble s’exercer en faisant des gammes (allusion au compagnon de Lydie, mon ami le pianiste Laurent Inserra), le temps est complètement arrêté et la musique aussi. C’est une expérience singulière d’a-musique où le matériau sonore est à tel point neutralisé qu’il en confine à la surexpression. Le troisième mouvement semble reprendre là où le premier s’est arrêté avec un thème parvenant enfin à se libérer en une explosion jubilatoire finale. Trio Lydie est dédié à Lydie, Laurent et leurs enfants Héloïse et Tristan. / Date parution : 2025-10-21/ Répertoire / Flûte, Violoncelle et Piano

Par PIOTR MROZOWICKI MICHAL. Nous avons consacré les deux premiers volumes de notre étude, intitulée Du ressentiment à l’enthousiasme, aux aventures et mésaventures parisiennes et françaises de la musique de Wagner, au cours de la première décennie suivant la mort du compositeur. Dans cette troisième partie de notre cycle, nous proposons à nos lecteurs surtout une chronique – abondamment documentée – de très nombreuses représentations parisiennes (et françaises) des œuvres de Richard Wagner à la Belle Époque. Car un tournant important dans la réception de Wagner à Paris, et, plus largement, en France, se produisit, en 1891 : on ne se contenta plus d’écrire sur lui, sur son art, sur ses œuvres, de les interpréter, bien ou mal, par la plume – on se mit à les exécuter, à les monter, à les interpréter orchestralement et vocalement. Grâce aux directeurs de théâtres, chefs d’­orchestres, metteurs en scène, chanteurs, les opéras et les drames lyriques de Wagner cessèrent d’être un fruit interdit ou accessible seulement à une certaine élite, et l’engouement pour Wagner en France put enfin se répandre. / Date parution : 2021-02-07/ Livre / Livre

Par VALLAS LEON. Léon Vallas (1879-1956), critique musical engagé dans les combats de son temps, partageait les rêves de sa génération, celle de Ravel, Schoenberg et Stravinski, pénétré des mêmes rejets et de la même méfiance pour les musiques jugées racoleuses et superficielles. Ses parti-pris pourront paraître démodés pour notre époque qui, en matière d’opéra, fait autant sinon plus de place à Verdi qu’à Wagner, à Puccini qu’à Dukas, mais il a le talent de défendre ses idées. Critique, sa plume est acérée, jusqu’à être cruelle ou injuste, notamment à l’encontre de Mahler. Conférencier, sa voix semble avoir captivé ses auditoires même dans une salle aussi vaste que celle de l’opéra de Lyon. Acteur de la vie musicale, son activité a été incessante, en commençant par sa participation à la création de la Schola cantorum de Lyon et de l’orchestre de Lyon avant de fonder sa Revue musicale de Lyon – qui atteint vite une audience nationale –, ainsi que les concerts qui l’accompagnent, sans oublier sa « Critique parlée des disques », dès 1928, bien avant qu’Armand Panigel ne lance « La tribune des critiques de disques ». / Date parution : 2018-12-15/ Livre / Livre

/ Livre / 512 pages

/ Livre / 272 pages

Par HEIDSIECK ERIC. « Cet hommage est né sur le bord du Rio Negro au Brésil un 14 juillet à Manaus où je jouai notre Hymne national en bis. Désirant par la suite approfondir la richesse exceptionnelle de ce thème, “le plus beau de la musique française” disait Sviatoslav Richter, je rajoutai au fil des ans des variations qui forment un ensemble. Le rappel des compositeurs n’est pas toujours chronologique. Il m’a semblé plus important de varier le caractère et les tonalités ou au contraire de suggérer l’affinité des maîtres au travers des siècles. L’œuvre se termine tragiquement sur un double thème Dies iræ-Marseillaise, opposant le jour de colère et le jour de gloire. » / Date parution : 2001-11-01/ Répertoire / Piano

Par HEIDSIECK ERIC. « Cet hommage est né sur le bord du Rio Negro au Brésil un 14 juillet à Manaus où je jouai notre Hymne national en bis. Désirant par la suite approfondir la richesse exceptionnelle de ce thème, “le plus beau de la musique française” disait Sviatoslav Richter, je rajoutai au fil des ans des variations qui forment un ensemble. Le rappel des compositeurs n’est pas toujours chronologique. Il m’a semblé plus important de varier le caractère et les tonalités ou au contraire de suggérer l’affinité des maîtres au travers des siècles. L’œuvre se termine tragiquement sur un double thème Dies iræ-Marseillaise, opposant le jour de colère et le jour de gloire. » / Date parution : 2002-02-01/ Répertoire / Piano

/ Livre / 704 pages

/ Essai / 304 pages

Par MONGREDIEN JEAN. Cet ouvrage met à la disposition du public un vaste ensemble de documents relatifs aux trente premières années de l’histoire du Théâtre-Italien de Paris (1801-1831). La capitale française découvre alors les grands opéras italiens de Mozart, et bientôt ceux de Rossini. Des chanteurs virtuoses de renommée internationale font leur apparition : Manuel García, Giuditta Pasta, Maria Malibran… Le goût musical se transforme peu à peu entre Lumières et romantisme. Ce qui, en 1801, n’était encore qu’un petit théâtre d’opera buffa, en retrait de l’Opéra et de l’Opéra-Comique, est devenu en 1830 l’un des hauts lieux de la vie sociale et artistique parisienne. Le premier volume fournit une introduction à cette somme impressionnante, fruit de vingt ans de recherche, ainsi qu’un index détaillé. / Date parution : 2009-04-01/ Livre / Livre

/ Divers / 304 pages / Partition

/ Livre / 132 pages