Olivier Messiaen: Å’uvres pour soprano et piano: Soprano: Vocal Work

Ã?dition Originale-This volume in the series ?Les Éditions Originales Durand · Salabert · Eschig? contains Maurice Duruflé?s works for Organ taken from the editions in Durand catalogue.  The original engravings are reproduced giving musicians a valuable record of how these major works were first published whether in the composer?s lifetime or posthumously. With Olivier Messiaen Maurice Duruflé formed part of an illustrious generation of composers who received the decisive imprint of Tournemire either through his teaching or through his immense cycle L?Orguemystiquer. In his catalogue Organ music naturally has a major place. He did not force his own nature into any new aesthetic as he championed modality such as medieval music has codified it asserting that ?I have always inhabited Gregorian chant which is obviously a fairly well-behaved language?.

Par MAFART PIERRE. Grâce au compositeur Jean-Claude Soldano, les éditions du même nom ont pu voir le jour dans les années 2000 et ainsi publier des oeuvres de petits compositeurs essentiellement français. C'est le cas du recueil dénommé 3 danses à la manière d'Olivier Messiaen de Mafart Pierre qui a été composé pour Orgue / Niveau : Fin de 2ème Cycle / Répertoire / Orgue

Né à Alger au beau milieu des années 1950, Thierry Alla fait partie d'une génération de compositeurs français qui s'est sentie libre en n'étant aucunement soumise aux diktats esthétiques du second après-guerre. Néanmoins une transmission pourrait partir du savoir-faire légendaire de Claude Debussy pour aboutir, d'étape en étape, et d'échappée en échappée, au grand oeuvre de Thierry Alla.Dans ce sillage, à étudier de près son foisonnant catalogue, Pierre Albert Castanet a décelé dans Thierry Alla - Un musicien à la conquête du timbre un faisceau de révérences et de références passant notamment par l'aspect bruitologique d'Edgard Varèse, l'univers syntaxiquement coloré d'Olivier Messiaen, les polarités spectrales et la part d'exotisme de Giacinto Scelsi, la ritualité des pièces de Karlheinz Stockhausen et de Gérard Grisey, la conscience timbrique et l'attitude processuelle de Tristan Murail...Après avoir consignés moult éléments d'ordre biographique et esthétique, l'' histoire des oeuvres ' présente un à un les opus instrumentaux, vocaux et électroacoustiques qui ont jalonné le riche parcours du musicien bordelais. Encadré par une préface de Roger Tessier (compositeur, membre fondateur de l'ensemble Itinéraire) et une postface de Marie-Bernadette Charrier (saxophoniste, dédicataire de plusieurs oeuvres), Thierry Alla - Un musicien à la conquête du timbre se termine par quelques écrits spécialisés du compositeur, docteur en musicologie, montrant principalement des analyses approfondies de partitions allant de Claude Debussy à Christophe Havel, en passant par Anton Webern, Giacinto Scelsi, Tristan Murail et Gérard Grisey. / Livre

Par WYSCHNEGRADSKY IVAN ALEXANDROWITSCH. La très grande majorité des compositions d'Ivan Wyschnegradsky ont été écrites en micro-intervalles, du 1/3 au 1/12ème de ton. Son oeuvre comprend peu de pièces pour piano en ton, la plus connue étant l'Etude sur le Carré magique sonore Op.40 (Ed. Belaïeff) qui avait fortement impressionné Olivier Messiaen *. Celui-ci l'avait même inscrite au programme du Concours International de Piano portant son nom en 1971 à Royan. Ces Trois pièces pour piano en ton ont été réunies dans le même opus 38, bien que composées à différentes époques. En effet, les dates indiquées par le compositeur en fin de chacune des pièces (1957, 1964, 1959) représentent la dernière révision (ou 'remaniement', comme il aimait à l'exprimer) de l'oeuvre, souvent éloignée de la date originale de composition. J'ai eu le grand privilège de jouer et étudier nombre d'oeuvres d'Ivan Wyschnegradsky en sa présence et avec ses indications. Lors d'une séance de travail autour du Prélude Op.38, Ivan Wyschnegradsky m'a expliqué l'origine du 'leitmotiv' qui apparaît quasiment dans toutes ses oeuvres. On le trouve ici aux mesures 30, 32 et 49 du Prélude. Ce motif en notes répétées, noté souvent accelerando et crescendo était pour lui une réminiscence d'un slogan scandé par les jeunes révolutionnaires en 1917 sous les mots 'Revoloutzia' dans les rues de Petrograd (qui a retrouvé aujourd'hui son nom de Saint-Petersbourg). Il fallait l'entendre le déclamer avec son fort accent russe qui ne l'a jamais abandonné et la véhémence de son souvenir, si intense pour qu'il ressente la nécessité de l'inclure tout au long de sa vie, comme un sceau impérissable, dans chacune de ses oeuvres. Martine Joste/ Répertoire / Piano

Armand Merck (Liège 1883 - Meudon 1963) commence des études de cor et d'écriture dans sa ville natale avant de s'établir à Paris pour suivre les cours de Vincent d'Indy à la Schola Cantorum, Auteur de plusieurs opéras (dont Tarass Boulba d'après Gogol), de cycles de mélodies, d'oeuvres symphoniques et d'une abondante production de piano et de musique de chambre, il s'inscrit dans la lignée de l'école post-franckiste, dont l'influence, déclinante après la Grande Guerre, ne s'est pas moins propagée assez loin dans la première partie du XXème siècle, La fidélité à des principes constructivistes que la modernité, dans le sillage de Debussy, semblait avoir définitivement condamnés, fut souvent payée, chez nombre de compositeurs, au prix de la disgrâce, À ce titre, il est remarquable de constater qu'un homme comme Merck, malgré une esthétique délibérément datée, n'en fut pas moins défendu par des musiciens aussi divers que Florent Schmitt, Charles Münch, Georges Auric, Edouard Souberbielle, et même Olivier Messiaen - et on est en droit de penser que sa musique, servie en son temps par des interprètes comme Walter Straham, José Iturbi, Yvonne Astruc, Yvonne Loriod et l'Ensemble Marie-Thérèse Ibos (création du quintette avec piano), ne saurait tomber dans l'oubli,Armand Merck laisse plusieurs pièces pour violon : Une première sonate dédiée à Eugène Ysaÿe, un Poème et un Andante dédié à la violoniste Madeleine Bloy-Souberbielle, fille de Léon Bloy,Alexis Galpérine Collection Le Violon Rouge / Violon Et Piano

 Henriette PUIG-ROGET (1910-1992) fut élève de Marcel Dupré et de Charles Tournemire, Musicienne touche à tout, elle fut pianiste, chef de chant à l'opéra de Paris, collabora à de nombreuses émissions radiophoniques, succéda à Nadia Boulanger comme professeur de la classe d'accompagnement au piano au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et finit sa carrière comme professeur invitée de la prestigieuse université de Geidai à Tokyo, En tant qu'organiste, elle fut suppléante de Charles Tournemire à Sainte Clotilde en 1931, puis organiste à la Grande synagogue de la rue de la Victoire, de 1934 à 1952, et organiste de l'Eglise Réformée de l'Oratoire du Louvre de 1934 à 1979, Henriette PUIG-ROGET eu une activité de compositrice importante, principalement jusque dans les années 1950, Les 3 pièces présentées dans ce recueil présentent un panorama de ses premières oeuvres, depuis la Complainte de 1929, créée par Olivier Messiaen à l'orgue de la Trinité, en passant par le Recueillement de 1934, jusqu'à la brillante Fantaisie de concert de 1935, aussi appelée Hanoukah ou Fantaisie sur des thèmes hébraïques, - Complainte (04'45'')- Recueillement (02'00'')- Fantaisie de concert (05'00'') Collection Musique et Patrimoine / Orgue

Création 02/08/2014 - La Grave, Festival Olivier Messiaen au pays de la Meije, Eglise - Michaël Levinas (piano), Jean-Luc Plouvier (claviers), Carlo Laurenzi (Ircam) Commanditaire Ircam - Centre Pompidou et du Festival Messiaen au Pays de la Meije avec le soutien de la Fondation Francis et Mica Salabert Notice Il y a dans le son du piano et le battement de ses nombreuses cordes comme une inclinaison des hauteurs, des dénivellations. J'y entends comme des désinences du son : les larmes des sons. Parler de désinence en musique, c'est devoir aborder, certes, des problématiques relatives à la langue musicale. Il y a des vraies grammaires du son lui même avec des implications complexes et formelles. La désinence du son se révèle à mon écoute, plus particulièrement, dans une écriture polyphonique rythmique et harmonique. C'est un des fondements de cette pièce pour piano acoustique et clavier midi. Les Désinences sont souvent conçues comme une sorte de choral aux lignes intérieures ornementées. Ces priorités aux modulations de plus en plus complexes résultant des grilles harmoniques jouées au clavier, peuvent rappeler aujourd'hui certaines mutations similaires qui ont existé dans le baroque français et la fin du baroque allemand. La première esquisse de cette pièce était conçue pour un piano Steinway sans électronique : des accords brisés évoluant à deux mains dans un cheminement vers une sorte de suspensions de la résonance. Les hauteurs du piano semblaient évoluer par petits glissements : c'étaient le glissement des désinences mis en évidence par l'écriture et à un pianisme nécessaire pour conduire les voix et les accords brisés. Cette esquisse était basée d'emblée sur des modes de jeux spécifiques de 1/2 pédales qui accentuaient les battements intérieurs des lignes et de ces désinences glissantes (j'utilise les 1/2 pédales et le grand legato dans mon travail d'interprète), en utilisant au clavier pour cette esquisse une technique de clavier très proche des substitutions et du legato de l'organiste et du jazzman. (Cette technique de pédale et de legato est utilisée et désormais notée dans la version finale et également exigée pour les claviers midi.) Après cette première esquisse réalisée pour un piano acoustique la suite a été un long travail informatique à l'Ircam de variations sur les désinences et les transitoires d'attaques de chaque hauteur du piano Steinway et d'un pianoforte à six pédales ainsi que la création d'échelles non tempérées jouées sur les deux claviers midi. Les Désinences pour piano acoustique et claviers midi sont des formes qui résultent d'une écriture dans laquelle polyphonie et harmonie sont la causalité l'une de l'autre. Polyphonies, harmonies, temporalités résultent comme dans beaucoup de mes oeuvres instrumentales récentes de l'élaboration des échelles spécifiques et des battements entre les désinences de chaque hauteur (de ces échelles) jouée sur les différents claviers. Michaël Levinas, juillet 2014

La collection ANACROUSE offre aux pianistes novices et confirmés un large choix d'oeuvres classiques, allant de la Renaissance à l'époque moderne.Proposer tout à la fois des 'incontournables' du répertoire classique et des pièces de compositeurs parfois oubliés, toutes d'une valeur pédagogique indéniable, tels sont les objectifs que nous nous sommes fixés. Chaque pièce, vendue à l'unité, a fait l'objet d'un travail éditorial attentif, tant sur le plan de l'établissement du texte musical que de sa gravure, afin de garantir aux musiciens les conditions indispensables aux plaisirs tirés du commerce fréquent de ces oeuvres.Les partitions sont proposées sous la forme d'ouvrages traditionnels (feuillets papier), et disponibles également par téléchargement.Le Concerto pour piano #21 en do majeur (K. 467) de Wolfgang Amadeus Mozart fut composé en 1785, peu de temps après le Concerto pour piano en ré mineur (K. 466). Alors que le précédent concerto en ré mineur était vif et passionné, celui en do majeur contraste par son calme et sa majesté.Comme l'ensemble des concertos de forme classique, le Concerto pour piano #21 en ut majeur est composé de trois mouvements : Allegro, Andante, Allegro vivace assai (vif -lent - vif). L'andante, aux couleurs angéliques, cache une angoisse derrière la vingtaine de modulations qui se succèdent une à une en cent mesures. Olivier Messiaen avait dit de cet Andante qu'il était 'l'une des plus belles mélodies de Mozart et peut-être aussi l'une des plus belles de toute la musique / Piano Solo

Par PALAZOTTO. La collection Madrigali propose un choix de livres de madrigaux des xvie et xviie siècles n?ayant fait l?objet ni d?une édition récente ni d?une mise en partition, pour la plupart d?entre eux. Outre cet intérêt historique, la collection a l?avantage de réunir les différentes voix de la polyphonie sous l?extension du logiciel Finale* réalisée par Boris Freulon, intitulée Notation xvie. Remarquable sur le plan esthétique, cet outil informatique reproduit très fidèlement une graphie musicale de la Renaissance et permet de révéler les ?uvres de l?époque sous leur format d?origine. Un tel attachement à l?imprimerie renaissante entre dans le cadre d?une relation inaliénable entre le signe musical et la pensée qui l?engendre. Quelques pièces annexes entourent la partie musicale, sans alourdir le fascicule ; ainsi, les éléments biographiques, analytiques ou critiques sont limités à quelques pages et renvoient à différentes publications musicologiques correspondantes. Ce type de restitution constitue un outil précieux pour tout musicien soucieux de découvrir les ?uvres dans leur ensemble et sans déformation ; qu?ils soient musicologues, chanteurs ou simplement attirés par le répertoire madrigalesque, ils trouvent ici un matériel de base sur lequel appuyer leur étude. / Recueil / 5 Voix