Grand Spiral

S'il est avant tout une anthologie des grandes études pour guitare du XIXème siècle, ce recueil a un objectif pédagogique affirmé, Il propose une classification ordonnée des difficultés techniques, regroupées par famille. Ce choix méthodologique offre l'avantage inédit de construire rationnellement la progression musicale de l'élève de façon mesurée et maîtrisée. Les points forts de ce nouvel outil pédagogique : - annotations biographiques et techniques - doigtés - classification des difficultés techniques - partitions aérées et spirales. Recueil de 67 études des plus grands pédagogues : Tarrega, Carulli, Aguado, Sor, Carcassi, Kuffner, Coste, Giuliani, Molino, Diabelli, Marescot, Meissonier, Cano, Horetzky...

Compilations regroupant les plus grands titres d'un genre musical spécialement regravées en piano, voix et diagrammes d'accord guitare ou en piano solo en format A4 spiralé afin qu'il reste plat sur le support du piano. / Jazz / Partition / Wiro /

Von Rihanna bis Fifty Shades of Grey - Spiralbindung. Par . The bestselling series Piano Gefällt Mir! continues with Book 5 , featuring 50 more hits from the charts and blockbuster movies, arranged brilliantly for Piano by Hans-Günter Heumann . This edition is spiral-bound so will sit perfectly on a music stand. Including a huge number of hits from some of today's top performers, this is the ideal songbook for beginners to learn some popular songs straight from the charts and movies. Featuring FourFiveSeconds by Rihanna, Kanye West and Paul McCartney, All About That Bass from Meghan Trainor and the instant pop-classic Photograph by Ed Sheeran, Heumann 's arrangements are perfect for beginners, those re-learning thePiano, or even advanced players looking to expand their repertoire or practise sight-reading. The sheer range of songs in Piano Gefällt Mir! means that there really is something for everyone. Well-known songs from new and recent films are also included in this songbook, such as See You Again from 'Fast And Furious 7', Love Me Like You Do from 'Fifty Shades Of Grey' and Yann Tiersen's wonderful theme Watching Lara from 'Goodbye Lenin!' Each song in this fantastic volume features chord symbols, lyrics and useful fingering suggestions, ensuring you can learn to play these songs as quickly as possible. With Hans -Günter Heumann 's Piano Gefällt Mir! , pianists of all ages and abilities can benefit from the diversity of popular songs and the expert arrangements on offer. / Date parution : 2023-07-31/ Recueil / Piano

Création 17/06/1991 - Italie - Parme - Orchestre Toscanini - Arturo Tamayo (direction) Commanditaire Orchestre Toscanini, Parme Notice A l'origine : un désir de légèreté, de souplesse, de versatilité, le souci d'éviter autant que possible grandiloquence et effets de rhétorique. Peu de contours violents et affirmés, mais plutôt des courbes douces, des spirales et des surprises. Un écoulement fluide, contrarié par les turbulences qu'il engendre. Dans les images chaotiques des turbulences, on retrouve les mêmes structures à tous les niveaux d'observation : de loin, de près, au microscope... On trouvera ainsi dans La Dynamique des fluides la transformation perpétuelle, à de nombreuses échelles différentes, d'un mouvement simple de spirale - de tourbillon, de turbulence, parfois extrêmement ralenti, parfois tellement accéléré que les formes deviennent fugitives ou changent de nature. A grande échelle, les tourbillons deviennent de larges flux, les pentes de la musique. A plus petite échelle, ils se transforment en figurations identifiables, récurrentes dans la pièce, mais toujours différentes. Parfois, de minuscules spirales, comme de feux follets, tentent de s'échapper du flux dominant et de le détourner. Tristan Murail In : Tristan Murail, textes réunis par Peter Szendy, collection compositeurs d'aujourd'hui, éditions L'Harmattan / Ircam-Centre Pompidou, Paris, 2002, 158 pages (pp 137-138).

Over 200 best-loved songs in full piano arrangement. Battle songs, sea shanties, hymns and spirituals, patriotic anthems and other traditional songs. Spiral Bound / Piano/Vocal/Guitare (PVG) (Avec Grille D'Accords)

For E-flat Instruments. 54 Getz songs transcribed for all Eb instruments exactly from his recorded solos. Includes: All the Things You Are · Autumn Leaves · Billie's Bounce (Bill's Bounce) · Blue Skies · Come Rain or Come Shine · Con Alma · Desafinado · Funkallero · Garota De Ipanema · I Remember You · Night and Day · A Night in Tunisia · One Note Samba (Samba De Uma Nota So) · Pennies from Heaven · Quiet Nights of Quiet Stars (Corcovado) · Stella by Starlight · The Way You Look Tonight · Where or When · Yardbird Suite · and more. Also includes a bio of Getz. Spiral-bound.

Variétés / Recueil avec Ligne mélodique, paroles et accords / Spirale / Reliure : Spirale Nb de Pages : 351 Niveau : Facile (debutant)

150 pages 22,5 x 32 cm
Reliure Wire'O
Ecrit par Marta Gliozzi et Damien Simon
À la découverte de l’orgue
Né d’une passion commune pour la pédagogie et du constat que nos élèves sont de plus en plus jeunes, ce recueil écrit par Marta Gliozzi et damien Simon propose une découverte de l’orgue renouvelée. Différentes sections ont été conçues pour que chacun puisse aborder la musique et l’orgue sous divers angles, sans ordre de priorité : écriture classique, musique graphique, improvisation, jeux rythmiques et aussi quelques amusements et éléments historiques.
Marta Gliozzi et Damien Simon ont composé cette méthode basée sur leur expérience de professeur de conservatoire, proposant ainsi aux débutants un apprentissage progessif, varié et ludique basé sur une grande variété de partitions simples ou adaptées aux débutants.
Marta Gliozzi a enregistré un disque sur le nouvel orgue Bernard Hurvy de Notre-Dame du Folgoët (Finistère)
Europa barocca (Frescobaldi, Pachelbel, Bach, Clérambault...) / Partitions classique / Piano - instruments à clavier / Orgue / Les Editions buissonnieres

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre