Régine : N'Y Touche Pas

Le secret de l'art de jouer ce livre n'est pas une méthode ou un manuel, mais il a trouvé les réponses d'un musicien, après des années de dialogues avec sa guitare. Ses renseignements détaillés thématiquement rend l'en-tête de n'importe quel livre de guitare. Quelle offre? sibilidad pour devenir virtuels et réels. C'est-à-dire enable guitariste à réellement peut toucher ce que vous imaginez.Contenu - ses multiples et variées des concepts sont résumées dans ces domaines : information (cryptage de guitarristico - placée près la guitare - vision avant de la touche - touches - systèmes de régler la guitare - écoute électronique - les quatre premiers frettes - guitare - Glossaire de musique - io - métronome - produit de bruit, etc.) / culture (actitudnte à l'étude - Décalogue - equísonos - analyse d'une guitare de sujet - pathologies du guitariste-)(, musique et la médecine - mains - étirement - etc..) / Action (placement de la guitare - main iz technique...) / Guitare

Par ARCH GWYN / PARRY BEN. UNE EXCELLENTE OCCASION DE COMMANDER PLUSIEURS EXEMPLAIRES EN A CONSIDERABLEMENT REDUIT LES PRIX - ECONOMISER 20 % PAR COPIE. Le livre de Carol Faber est un volume passionnant de chants de Noël et de chansons avec une touche originale, contemporain, conçu pour respirer l'air frais dans les concerts de Noël. Il contient quarante pièces, habilement édité et arrangé par Gwyn Arch et Ben Parry, capturant une variété d'ambiances et styles à travers le temps - des arrangements contemporains de chants médiévaux et traditionnelles, à spirituals et la musique de partout dans le monde. Il y a aussi une impressionnante gamme de pièces originales par certains des plus respectés compositeurs chorale d'aujourd'hui, y compris Howard Goodall, Lin Marsh, Peter Gritton, Errollyn Wallen et Mike Brewer. Ce volume, arrangé pour SATB, est parfait pour l'école ou églises chorales. Une version SA(B) est également disponible. Les deux publications comprennent accompagnement clavier peu exigeants et les suggestions de lignes instrumentales facultatifs./ Répertoire / Voix

Par GINEYS MYRIAM. Après plusieurs années d'expérience, j'ai constaté que les débutants ont besoin de passer beaucoup de temps sur la tonalité de Do majeur avant de pouvoir appréhender d'autres tonalités qui doivent rester proches. N'hésitez pas à transposer en Do les morceaux majeurs que souhaitent jouer vos élèves. Pour un débutant, do n'a aucun mal a être considéré comme la tonique. L'ordonnance des notes en tonalité de Do majeur est relativement évidente. Quand on passe à une autre tonalité le rapport à la tonique se perd et l'ordonnance des notes n'est plus naturelle. Quand le débutant a assimilé un morceau en Do majeur, le jouer en sol ou en fa devient un plaisir et le rapport des notes entre elles prend un sens qui était inaccessible auparavant. Je vous propose dans ce recueil quelques morceaux dans les trois tonalités (do, fa, sol) avec une progression dans l'écriture. D'abord mains alternées pour que les deux mains soient à l'aise dans une même souplesse et que les doigts acquièrent une égalité. Ce travail permet aussi de développer tranquillement l'oreille et d'apprendre le clavier. Les deux pouces se partageant la tonique ou la quarte, bien faire travailler la 'gamme' correspondante de gauche à droite en chantant le nom des notes et faire quelques improvisations dans ces positions. Ensuite on passe aux unissons et on commence à travailler l'indépendance des deux mains en utilisant tous les exercices possibles, piquer une main et lier l'autre, jouer une main et déplacer l'autre sur le clavier sans qu'elle ne joue etc... Travaillez aussi la différence de plans sonores, jouer une main et jouer l'autre sans appuyer sur les touches, puis appuyer à peine. Quand l'enfant maîtrise bien l'unisson déplacez la main gauche. Pour Do mettez-la en position de Mi, pour Sol mettez-la en position de Si et pour Fa en position de La. On habitue l'oreille à entendre deux sons différents en conservant les mêmes doigtés. Puis on passe au travail mains ensembles. Travaillez les accords et leurs renversements, les enchaînements d'accords en amont de la lecture des morceaux. Les enchaînements bien maîtrisés et la compréhension des positions pour les déplacements réduiront le travail mains séparées. L'objet de ce recueil est de vous guider vers la pratique de la transposition à but pédagogique et de vous inciter à transformer la polyphonie en 'mains alternées' ou en 'unisson'. Amusez-vous à faire progresser l'écriture selon le niveau et les morceaux que souhaitent jouer vos élèves. Bien musicalement, Myriam Gineys/ Méthode / Piano

Par DUFOURT HUGUES. Van Gogh écrit en 1888 : 'Le peintre de l'avenir, c'est un coloriste comme il n'y en a pas encore eu.' A cette époque, Van Gogh se sépare des impressionnistes, élargit leur intuition de la couleur et la simplifie. La forme-couleur se crée plutôt qu'elle ne se recompose dans notre vision. Van Gogh ne se soucie plus que de l'énergie de l'image. Le peintre séjourne en Arles où Gauguin le rejoint quelque temps. Il veut rénover les fondements mêmes de l'art, changer la technique de la peinture. Il rêve de créer un 'atelier du Midi' et pense trouver là le Japon idéal, les paysages de Monticelli, de Cézanne, le rayonnement du soleil et l'âpre lumière qui annonce l'art de l'avenir. Il forge un style original en deux cents tableaux, parmi lesquels les Tournesols (août 1888), Joseph Roulin, le postier (août 1888), L'Arlésienne (novembre 1888) et Les Chardons, qui datent de la même année. Des tons vifs et crus, des couleurs claires, éclatantes, étalées en des dispositions stridentes à grands coups de pinceau ou au couteau, résument tout le registre expressif de son art. Bleu contre jaune, vert contre rouge écarlate, lilas, gris-rose, gris-violet, bleu et vert, noir et jaune: la seule force des contrastes suffit au déploiement de la forme. Tournesols, oliviers, chaumes, cyprès, ravins, rochers, chardons, tous ces motifs lacérés, distordus, ont l'intensité spontanée d'un tourment intérieur. Van Gogh a délibérément renoncé à la capture de l'instant fugitif comme à la représentation de la lumière, de l'air, de l'atmosphère - la qualité transitoire de l'impression visuelle lui importe peu désormais. Ses toiles sont emportées par la véhémence des touches, la brutale évidence des couleurs, leur vitalité convulsive. Désespoir, lucidité, emportement sont les traits d'un art que l'on a reconnu précurseur de l'expressionnisme. Les Chardons nous découvrent les racines du monde, une sorte de brasier originel d'où jaillissent trois flamèches. Les 'assises géologiques du paysage' - l'expression est de Cézanne - y semblent déchiquetées, consumées dans une perpétuelle fournaise. C'est un enchevêtrement d'arêtes vives, une nature émiettée, une image de passion et de fureur. Au fond, à gauche, se découpe un petit pan de ciel bleu, encastré dans un horizon surélevé de montagnes vertes. La terre, chauffée à blanc, y occupe tout l'espace. Au premier plan, un fourmillement de stries incandescentes qui se tordent et crépitent. Les Chardons d'après Van Gogh - ma propre transposition musicale inspirée du tableau auquel elle emprunte son titre - sont écrits pour un alto soliste et une formation de chambre de quinze instrumentistes. Cette pièce s'attache à restituer la vitalité sourde de la toile, son atmosphère d'embrasement. Elle n'a ni contours ni limites, ni, à proprement parler, de schèmes d'organisation. J'y ai plutôt recherché des agencements formels doués d'une valeur dynamique, donnant au modelé de la 'masse sonore' un rôle ambigu: axes de forces, impulsion des gestes, variété des dimensions directrices, tensions du matériau, conflit des principes formateurs. L'alto décrit en permanence la trajectoire idéale d'un mouvement irréel - formes spiralées, volutes, arabesques. Mais il fraie son chemin dans un milieu constamment hostile. Le choix du timbre de l'alto met en valeur le registre du sous-médium, à l'intensité contenue. La technique d'écriture consiste en une composition de textures, dont le propre est l'enchevêtrement des forces et des formes. Les structures perceptibles elles-mêmes procèdent du seul jeu des masses et des couleurs. J'ai évidemment mis l'accent sur la dynamique de l'interaction des couleurs qui forment la trame sonore. Je nourris toutefois un certain scepticisme à l'égard des méthodes scientifiques et raisonnées qui s'appliquent au traitement des propriétés acoustiques du son. La culture du son n'est pas, à mon sens, réductible à la science du son. La musique, me semble-t-il, a ceci de commun avec la peinture qu'elle peut investir la couleur de qualités contraires. Un bleu violacé peut s'assimiler aussi bien à un pourpre tirant sur le bleu qu'à un bleu en train de rougir. Van Gogh soutenait précisément l'idée d'un dynamisme, et même d'une intentionnalité de la couleur, capable de se déployer selon des foyers et des aires de diffusion, en transgressant toute limite. La musique que je souhaite écrire n'a pourtant rien de commun avec une nouvelle forme d'impressionnisme. C'est le drame que je recherche dans la plastique sonore. Ce drame peut être aussi bien celui des structures dispersées que de l'amplification indéfinie des actes, celui de la violence des masses tumultueuses comme celui du surgissement ou de l'essor. La partition est une Commande de l'Etat, à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Alto et Orchestre de Chambre

Par CHOPIN FREDERIC. La Mazurka est une danse à trois temps dont l'accent est placé, le plus souvent, sur le second temps ou, plus rarement, sur le troisième. Son apparition en Pologne, où elle se répandit rapidement, semble remonter au XVIo siècle. Frédéric Chopin en composa 57, dont 46 furent publiées de son vivant. La fréquence et la régularité avec lesquelles l'auteur, tout au long de sa vie, écrivit ces mazurkas révèlent son intérêt passionné pour cette forme de composition: on peut penser qu'il trouvait là un cadre idéal pour traduire toute la subtilité de son âme slave. Même si, selon l'aveu de Chopin, ses Mazurkas n'étaient pas faites pour être dansées, elles n'en expriment pas moins les rythmes et accents propres à la terre natale demeurée si chère à son coeur. Les deux premières Mazurkas (en si bémol Majeur et en sol Majeur, sans numéro d'oeuvre) datent de l'année 1825: Chopin avait alors 15 ans. Et ce n'est peut-être pas un hasard si la dernière oeuvre écrite peu de temps avant sa mort en 1849 est aussi une Mazurka. Entre ces deux dates, la géniale création du compositeur s'est enrichie régulièrement, presque chaque année, d'un cycle nouveau de 3 ou 4 Mazurkas. Le terme générique de 'Mazurkas' englobe en réalité trois danses d'origine et de nature différentes: - Le Mazur (pluriel: Mazurki), originaire de Mazovie, province natale de Chopin, danse modérée mais accentuée. - le Kujawiak (pluriel: Kujawki), originaire de la province de Kujawie, danse plutôt lente et faiblement accentuée. - l'Oberek (pluriel: Oberki), danse très vive, fortement et régulièrement accentuée. Ainsi s'expliquent les différences fondamentales de tempo et de caractère entre les Mazurkas. Bien que Chopin n'ait jamais utilisé, dans cette forme de composition, le folklore polonais comme matériau thématique (contrairement à l'usage que fera plus tard Béla Bartok des chants populaires hongrois), il est impossible de ne pas sentir, à l'écoute de ces pièces, la présence bien vivante de ce folklore, en quelque sorte stylisé et sublimé. C'est là que réside principalement la difficulté d'interprétation et de pénétration dans l'univers de ces Mazurkas par ailleurs plutôt abordables techniquement: un toucher particulièrement sensible ainsi qu'une infime irrégularité contrôlée du discours musical s'avèrent indispensables pour faire vivre la phrase, chassant ainsi toute rigidité incompatible avec la poésie de Chopin. / Niveau : Intermédiaire / classique / Répertoire / Piano

Par HESKETH KENNETH. Cette deuxième série de Danceries continue le format établi en Danceries (Set I), à savoir l'utilisation de matériel provenant Maître à danser Playford, une collection de folk et de mélodies populaires publiés dans le XVIIe siècle, pour former la base d'une suite de danses prolongée. Dans cet ensemble, les mélodies ont été plus abstraite et seul projet un écho lointain de leurs formes d'origine, mais comme avant, chaque mouvement est autonome, colorée et directe, avec son ambiance distincte. Les mouvements extérieurs - Bawbee Jennie et Galliarda Peascod de - partagent une utilisation de la conduite de percussion par écrit avec un air militaire. Toye Tom Tinker et facilité coeur (mouvements deux et trois) sont les deux paramètres de mélodies originales. Tous les mouvements sont plus étendus que dans le premier set, avec une utilisation plus libre et l'approche de la matière- mélodies se produisent maintenant dans différentes touches et sont soutenus par une grande variété de couleurs harmoniques. Le résultat est plus riche, encore plus exaltante ensemble de danses. Danceries est venu de l'âge!/ Répertoire / Orchestre à Vent