Matériel : PartitionLangue : Français Deutsch
/ Flûte Et Guitare
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A lot is known about the American composer Leroy Anderson. This son of Swedish immigrants played the piano, organ, accordion, trombone, tuba and double bass. He spoke several languages fluently and graduated from Harvard with first-class honours.While on military service, the army also commissioned him to write a manual on Icelandic grammar.He already started writing musical arrangements as a student, and from his 30th year arranged and composed for the Boston Pops Orchestra. Such melodiesas Serenata, The Typewriter, Sleigh Ride and Bugler�s Holiday made him world famous. His best-known work, Blue Tango, reached number one in the US charts in 1952, and it sold more than a million copies. In 1975, a year after hisdeath, he was given a star at the Walk of Fame in Hollywood.Most of his works last no longer than three minutes, about the maximum length of a single at that time. One work that lasts longer is his 1953 Piano Concerto in C for piano and orchestra.The first performance was in Chicago, conducted by the composer and with Eugene List at the piano. However, after three performances he was no longer happy with the work and withdrew it. He always intended to revise it, but never got round to it. Itwas only in 1989 that the Anderson family decided to republish the work.This three-part composition is on the one hand characterised by a careless elegance, but on the other one can hear the influence of Rachmaninoff, Copland, Gershwin, and evenBeethoven and Mozart, as well as the Viennese classics.Anderson used the sonata form for the first movement. It ends with a cadenza that carries us on into the second part (in e minor). The third part is a typically cheerful American folk dance in2/4 time, a so-called Hoe Down, with a lilting, lyrical passage as its middle section. At the end comes a solo passage followed by a rapid close.In this piano concerto, Anderson combines a rigidly classical form of composition with simple andappealing themes and elements from light music. So this work is a perfect synthesis of light music and what is called serious music, in the same way as Gershwin�s Rhapsody in Blue. A work that can be played equally well in a concerthall, at an open-air concert or even a pop concert.Over de Amerikaanse componist Leroy Anderson is veel bekend. Deze zoon van Zweedse immigranten speelde piano, orgel, accordeon, trombone, tuba en contrabas. Hij sprak vloeiend verschillende talen en studeerde met grote onderscheidingaf aan Harvard en schreef tijdens zijn legerdienst in opdracht van het leger een handboek grammatica Ijslands.Al in zijn studententijd begon hij met het maken van arrangementen, en vanaf zijn 30ste arrangeerde en componeerde hijvoor het Boston Pops Orchestra. Melodieën zoals Serenata, The Typewriter, Sleigh Ride en Bugler's Holiday maakte hem wereldberoemd. Zijn bekendste werk Blue Tango stond in 1952 op nummer één in de VS Charts, ener werden meer dan een miljoen exemplaren van verkocht. Een jaar na zijn dood in 1975 kreeg hij een ster op de Walk of Fame in Hollywood.Zijn meeste werken duren niet langer dan drie minuten, ongeveer de maximumduur van een singletoen. Een werk dat wel langer duurt, is het pianoconcerto in C voor piano en orkest uit 1953. Het werd in Chicago gecreëerd onder zijn leiding met Eugene List aan de piano. Na drie uitvoeringen echter, was hij niet meer tevredenover zijn werk en trok dit terug. Hij had zijn leven lang de intentie het te herwerken doch kwam er niet meer toe. Pas in 1989 besliste de Anderson Familie zijn pianoconcerto toch opnieuw uit te geven.Dit driedelige werk wordtenerzijds getypeerd door een zorgeloze elegantie, maar anderzijds zijn invloeden van Rachmaninoff, Copland, Gerschwin en zelfs Beethoven en Mozart alsook de Weense klassiekers te horen.Voor de eerste beweging, past Anderson de sonatevormtoe. Op het einde volgt een cadenza die ons in het tweede deel (in mi klein) voert. Het derde deel is een typische Amerikaanse, vrolijke volksdans in 2/4, een zogenaamde Hoe Down met als middengedeelte een zangerige, lyrischeÜber den amerikanischen Komponisten Leroy Anderson lässt sich vieles berichten: Der Sohn schwedischer Immigranten spielte Klavier, Orgel, Akkordeon, Posaune, Tuba und Kontrabass, sprach neun Sprachen fließend, absolvierte mit einemMagna-cum-laude-Absc hluss die Harvard Universität und verfasste während seiner Militärzeit im Zweiten Weltkrieg für die amerikanische Armee eine Grammatik des Isländischen. Schon während seiner Studentenzeit begann er zu arrangieren, ab Mitte der30er Jahre des letzten Jahrhunderts arrangierte und komponierte er für das Boston Pops Orchestra. Aus seiner Feder stammen so bekannte Werke der leichten Muse wie Serenata, The Typewriter, Sleigh Ride oder Bugler�s Holiday. Sein wohlbekanntestes Stück, Blue Tango, wurde als erste Instrumentalkomposition über eine Million Mal verkauft und belegte im Jahr 1952 Platz 1 der US-Charts. Für seine Verdienste um die Schallplattenindustrie erhielt er ein Jahr nach seinem Tod einenStern auf dem Walk of Fame in Hollywood.Charakteristisc h für seine Werke ist die Dauer: die meisten sind rund drei Minuten lang � mehr passte nicht auf den damals gebräuchlichen Tonträger, eine Singleschallplatte. Nur wenige seinerKompositionen sprengen diesen Zeitrahmen. Dazu gehört sein Konzert C-Dur für Klavier und Orchester. Er komponierte es 1953, die Uraufführung fand unter seiner Leitung und mit Eugene List am Klavier im selben Jahr in Chicago statt. Da Anderson mit demWerk aber nicht zufrieden war, zog er es im Sommer 1954, nach nur drei Aufführungen, wieder ein. Er hatte zeitlebens die Absicht, es zu überarbeiten, allein, es kam nicht mehr dazu. Erst 1989 entschied sich die Anderson-Familie dazu, dasKlavierkonzert wieder zu veröffentlichen.Das dreisätzige Werk zeigt die Unbeschwertheit und Eleganz, die Andersons sämtliche Kompositionen auszeichnen. Dennoch findet man darin auch Anklänge an Komponisten wie Rachmaninoff, Copland, Gershwin, undeben Beethoven und Mozart, sowie die Wiener Klassiker. Der erste Satz folgt der Sonatenhauptsatzform. An seinem Ende steht eine Klavierkadenz, die direkt in den langsamen zweiten Satz (in e-Moll) überleitet. Der dritte Satz schließlich ist einwaschechter Hoe Down, ein fröhlicher amerikanischer Volkstanz im 2/4-Takt, in dessen Zentrum aber eine lyrisch-gesangliche Passage steht. Eine weitere Solo-Kadenz führt das Werk in einen spritzigen Schlussabschnitt.In seinem Klavierkonzertvereinigt Anderson einen klassisch-traditionellen Form- und Kompositionsstil mit Elementen der Unterhaltungsmusik und eingängigen Melodien, die schon immer sein Markenzeichen waren. Daher bildet dieses Werk eine perfekte Synthese von ernster undleichter Musik. Es passt � wie beispielsweise auch George Gershwins Rhapsody in Blue � gleichermaßen in einen vornehmen Konzertsaal, wie auch zur zwanglos-lockeren Atmosphäre einer sommerlichen Open-Air-Veranstaltung oder einesPops-Konzertes.< br>Nous savons beaucoup de choses sur le compositeur américain Leroy Anderson. Ce fils dimmigrants suédois jouait du piano, de lorgue, de laccordéon, du trombone, du tuba et de la contrebasse. Il parlait couramment plusieurs langues et était diplômé avec grande distinction de Harvard. Pendant son service militaire, il écrivit un manuel de grammaire islandaise commandé par larmée.Étudiant, il avait déj commencé faire des arrangements et dès l ge de 30 ans, il arrangeait et composait pour le Boston Pops Orchestra. Des mélodies telles que Serenata, The Typewriter, Sleigh Ride et Buglers Holiday lui valurent une renommée mondiale. Son uvre phare, Blue Tango, fut numéro un descharts américains en 1952 et se vendit plus dun million dexemplaires. Un an après sa mort en 1975, il eut droit son étoile sur le Walk of Fame Hollywood.La plupart de ses uvres nexcèdent pas trois minutes, soit peu près la durée maximale dun single lépoque. Son concerto en ut pour piano et orchestre de 1953 est quant lui plus long. Il fut créé Chicago sous sa direction avec Eugene List au piano. Après trois exécutions, Anderson nétait toutefois plus satisfait de son travail et le retira. Toute sa vie, il eut lintention de le remanier mais ne le fit pas. Ce nest quen 1989 que la famille Anderson décida de tout de m?me rééditer son concerto pour piano.Cette uvre en trois parties se caractérise par son élégance nonchalante mais aussi par linfluence de Rachmaninoff, Copland, Gershwin et m?me de Beethoven et Mozart, ainsi que des classiques viennois.Pour le premier mouvement, Anderson opte pour une sonate. la fin, une cadence nous conduit la deuxième partie (en mi mineur). La troisième partie est une danse populaire joyeuse et typiquement américaine en 2/4, une Hoe Down avec un passage lyrique et mélodieux en son milieu. la fin, un solo est suivi par une clôture rapide.Dans son concerto pour piano, Anderson unit une composition pure et classique des thèmes beaux et simples, sans oublier des éléments de la musique légère. Cette uvre.
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Sinfonia Hungarica is a three-movement symphony that depicts the history of Hungary. All three movements were inspired by historical key figures, wars, and other important events from this country. This symphony is a celebration of Hungary’s millennium in 2001.The final movement is named after ISTVAN, the King who introduced Christianity into Hungary and who was crowned by Pope Silvestro II on January 1, 1001. A rather solemn start leads to another war-like passage, ending with some loud crashes. This symbolizes the fact that the body of the pagan Koppany was cut into four pieces, and sent to the four castles of the country as an example. After a quiet, almost religiousintermezzo, the National Hymn of Hungary is introduced. This broad “grandioso†ending also has a symbolic meaning: after ten centuries, Hungary has many reasons to look back on the past with pride, and to look forward to the future with optimism and confidence. Dit stuk werd gecomponeerd in opdracht van het symfonisch blaasorkest Kiskunfélegyhaza uit Hongarije en opgedragen aan dirigent Ferenc Jankovski, burgemeester Jozsef Ficsor en Gabriella Kiss. De wereldpremière vond plaats op 31 maart2001 in Budapest (Hongarije) door het eerdergenoemde orkest onder leiding van de componist.Deze driedelige symfonie beschrijft de geschiedenis van Hongarije. De drie delen zijn ge nspireerd op historische sleutelfiguren, oorlogenen andere belangrijke gebeurtenissen in dit land. De symfonie werd geschreven ter gelegenheid van de millenniumviering van Hongarije in 2001.ATTILA, koning van de Hunnen, vaak ‘de gesel Gods’ genoemd, is de centrale figuurin het eerste deel, dat voornamelijk wordt gekenmerkt door angst, dreiging, agressie en wreedheid. Attila’s broer, Buda, heeft echter een hero scher thema, terwijl zijn geliefde vrouw, Rika, een lyrische melodie heeft. Het spannendeeinde van dit openingsdeel illustreert de gevreesde snelheid van Attila’s troepen: ze achtervolgden hun slachtoffers en vermoordden ze allemaal! Het tweede deel gaat over ARPAD, de stichter van de Hongaarse staat. Hetbegint met een sfeerpassage, die het beeld oproept van zijn grootmoeder, Emese, dromend over zijn bestemming. Een van Arpad’s tegenstanders, de Bulgaarse prins Zalan, werd verdreven na een gevecht. Hierna noemde Arpad het gebiedofficieel ‘Magyarorszag†.Het laatste deel is genoemd naar ISTVAN, de koning die het christendom in Hongarije introduceerde en die werd gekroond door paus Silvester II op 1 januari 1001. Een vrij plechtige start leidt tot nogeen martiale passage, die eindigt met een aantal luide slagen. Deze symboliseren het voorval waarbij het lichaam van de heiden Koppany in vier stukken werd gesneden, die naar de vier kastelen van het land werden gezonden als schrikwekkendDie Sinfonie in drei Sätzen ist eine musikalische Schilderung der Geschichte Ungarns. Alle drei Sätze haben bedeutende historische Persönlichkeiten und Schlüsselereignisse aus der Landesgeschichte - wie etwa Kriege - zum Inhalt. Das Werk wurde zuUngarns Tausendjahrfeier im Jahr 2001 geschrieben.Attila , König der Hunnen, oftmals auch die Geißel Gottes genannt, ist die zentrale Gestalt des ersten Satzes; in seiner musikalischen Beschreibung sind Aggressivität und Grausamkeit, die vonihm ausgehende Bedrohung und ihm entgegengebrachte Furcht spürbar. Daneben erscheinen das heroischer klingende Thema von Buda, Attilas Bruder, und das lyrische von Rika, seiner zärtlich geliebten Frau. Der aufpeitschende Schluss desSatzes ist Sinnbild für die gefürchtete Schnelligkeit von Attilas Truppen, mit der sie ihre Opfer eingeholt und ohne Ausnahme getötet haben.Im Mittelpunkt des zweiten Satzes steht Arpad, der eigentliche Begründer des ungarischen Staates. Eineatmosphärisch klingende Einleitung beschwört Emese, die Großmutter Arpads, herauf, die im Traum seine Bestimmung vorhergesehen hatte. Er schlug seinen Gegner, den Prinzen Zalan von Bulgarien, im Kampf in die Flucht und gab dem Land denNamen Magyarorszag.Das Finale ist nach Istvan benannt, dem König, der in Ungarn das Christentum einführte und am ersten Januar 1001 durch Papst Sylvester II. gekrönt wurde. Ein feierlicher Anfang leitet über in einen an Kriegsgetümmelerinnern den Abschnitt, der in lärmendem Getöse endet. Es steht für das Ende des Heiden Koppany, dessen Körper gevierteilt und als abschreckendes Beispiel an die vier Burgen des Landes gesandt wurde. Ein ruhiges, beinahe religiös wirkendesZwischenspiel mündet in die ungarische Nationalhymne. Dieser prachtvolle, mit grandioso überschriebene Schluss hat auch eine symbolische Bedeutung: Nach zehn Jahrhunderten hat Ungarn guten Grund, mit Stolz zurückzublicken und der Zukunft mitZuversicht und Optimismus entgegenzusehen.Die wunderbare Melodie der Nationalhymne erscheint in der Sinfonie auch vorher schon immer wieder, wird meist aber ganz oder teilweise überdeckt. Sie durchläuft das Werk wie ein roter Faden, der anfangs kaumwahrzunehmen ist und erst im Verlauf der Sinfonie immer deutlicher wird. Am Ende krönt sie das Werk in einer letzten prachtvollen Steigerung, in der das Orchester den majestätischen Klang einer Orgel annimmt.Sinfon ia Hungarica est une œuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze en Hongrie. Elle est dédiée Ferenc Jankovski (Directeur de l’Orchestre d’Harmonie), Jozsef Ficsor (Maire de la ville de Kiskunfelegyhaze) et Gabriella Kiss.Cette symphonie en trois mouvements retrace l’histoire de la Hongrie. L’ensemble des trois mouvements s’inspire de la vie de personnages historiques clés, de guerres et d’autres événements de grande importance qui ont marqué l’histoire de ce pays. Sinfonia Hungarica célèbre le millénaire de la fondation de l’État hongrois (1001-2001). L’œuvre a été donnée en création mondiale, le 31 mars 2001 Budapest,par l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze placé sous la direction du compositeur.ATTILA , roi des Huns, surnommé “le Fléau de Dieuâ€, est le personnage central du premier mouvement où règne une atmosphère de peur, de menace, d’agression et de cruauté. Bléda, le frère d’Attila, est associé un thème aux accents plus héro ques, tandis que Kerka, l’épouse bien-aimée du roi des Huns, est représentée par une mélodie lyrique. La fin trépidante de ce mouvement d’ouverture illustre l’effroyable rapidité avec laquelle les troupes d’Attila poursuivaient et tuaient toutes leurs victimes.Le deuxième mouvement est centré sur ARPAD, le fondateur de l’État hongrois. Un passage limpide et aérien ouvre ce mouvement évoquant Émèse, la grand-mère d’Arpad, qui vit en rêve sa destinée future. Après avoir livré bataille contre l’un de ses opposants, le prince bulgare Zalan, et l’avoir chassé des terres magyares, Arpad donne officiellement au territoire le nom de Magyarorszag.Le troisième et dernier mouvement de la symphonie porte le nom de celui qui convertit le pays au christianisme : Étienne Ier (ISTVAN), sacré roi de Hongrie le 1er janvier 1001 par le Pape Sylvestre II. Les mesures d’ouverture, solennelles et majestueuses, mènent un passage dont l’atmosphère belliqueuse s’intensifie pour s’achever en de violents fracas symbolisant la mort Sinfonia Hungarica, commissionata dalla banda ungherese di Kiskunfelegyahaza, è dedicata al maestro Ferenc Jankovski, al sindaco della citt Jozsef Ficsor e a Gabriella Kiss. La prima mondiale, eseguita dalla banda Kiskunfelegyhaza si è tenutaa Budapest il 31 marzo 2001 sotto la direzione del compositore.Gli eventi salienti della storia dell’Ungheria, come le guerre ed altri avvenimenti importanti, sono tradotti in musica in questa sinfonia strutturata in tre movimenti. Sinfonia Hungaricavuole anche essere un omaggio allo stato ungherese che festeggia il suo millennio nel 2001.ATTILA, re degli Unni, spesso chiamato “il flagello di Dio“ è la figura centrale del primo movimento, caratterizzato dalla paura, dalla minaccia,dall’aggr essione e dalla crudelt . Buda, fratello di Attila è associato ad un tema più eroico, mentre Rika, l’amata moglie, è rappresentata da una melodia lirica. L’eccitante finale di questo movimento di apertura illustra la tanto temuta velocit delle truppe di Attila che seminavano paura e morte.Il secondo movimento pone l’accento su ARPAD, il fondatore dello Stato ungherese. Inizia con un passaggio in stile atmosferico che evoca la nonna di Arpad, Emese che aveva sognato e predettoil futuro del nipote. Uno degli oppositori di Arpad, il principe bulgaro Zalan, fu cacciato dopo una battaglia. In seguito, Arpad chiamò ufficialmente il territorio “Magyarorszag†.Il movimento finale prende il nome da ISTVAN, il re che portòil cristianesimo in Ungheria e che fu incoronato da Papa Silvestro II il 1 gennaio, 1001. Un inizio solenne prelude ad un passaggio bellico accentuato da rumori imponenti; questo a simboleggiare l’atroce fine del pagano Koppany il cui corpo futagliato in quattro pezzi e inviato ai quattro castelli del paese come monito. Dopo un intermezzo quieto, quasi religioso, viene presentato l’Inno nazionale ungherese. In questo ampio e grandioso finale riecheggia l’orgoglio dell’Ungheria nelricordare il suo passato e la fiducia con la quale si proietta al futuro.Lo stupendo tema dell’Inno nazionale ungherese è proposto nell’arco dell’intera sinfonia. E’ però spesso parzialmente nascosto e usato come filo conduttore, appena riconoscibileall’i nizio ma sempre più ovvio quando la sinfonia si avvicina al suo finale. A conclusione della sinfonia, il sublime inno conduce la banda in un’apoteosi finale, facendo apparire l’organico strumentale come un maestoso organo.
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Sinfonia Hungarica is a three-movement symphony that depicts the history of Hungary. All three movements were inspired by historical key figures, wars, and other important events from this country. This symphony is a celebration of Hungary’s millennium in 2001.The second movement focuses on ARPAD, the actual founder of the Hungarian State. It starts with an atmospherical passage, evoking his grandmother, Emese, who dreamt about his future destination. One of Arpad’s opponents, the Bulgarian Prince Zalan, was chased away after a fight. After this, Arpad officially named the territory “Magyarorszag.†Dit stuk werd gecomponeerd in opdracht van het symfonisch blaasorkest Kiskunfélegyhaza uit Hongarije en opgedragen aan dirigent Ferenc Jankovski, burgemeester Jozsef Ficsor en Gabriella Kiss. De wereldpremière vond plaats op 31 maart2001 in Budapest (Hongarije) door het eerdergenoemde orkest onder leiding van de componist.Deze driedelige symfonie beschrijft de geschiedenis van Hongarije. De drie delen zijn ge nspireerd op historische sleutelfiguren, oorlogenen andere belangrijke gebeurtenissen in dit land. De symfonie werd geschreven ter gelegenheid van de millenniumviering van Hongarije in 2001.ATTILA, koning van de Hunnen, vaak ‘de gesel Gods’ genoemd, is de centrale figuurin het eerste deel, dat voornamelijk wordt gekenmerkt door angst, dreiging, agressie en wreedheid. Attila’s broer, Buda, heeft echter een hero scher thema, terwijl zijn geliefde vrouw, Rika, een lyrische melodie heeft. Het spannendeeinde van dit openingsdeel illustreert de gevreesde snelheid van Attila’s troepen: ze achtervolgden hun slachtoffers en vermoordden ze allemaal! Het tweede deel gaat over ARPAD, de stichter van de Hongaarse staat. Hetbegint met een sfeerpassage, die het beeld oproept van zijn grootmoeder, Emese, dromend over zijn bestemming. Een van Arpad’s tegenstanders, de Bulgaarse prins Zalan, werd verdreven na een gevecht. Hierna noemde Arpad het gebiedofficieel ‘Magyarorszag†.Het laatste deel is genoemd naar ISTVAN, de koning die het christendom in Hongarije introduceerde en die werd gekroond door paus Silvester II op 1 januari 1001. Een vrij plechtige start leidt tot nogeen martiale passage, die eindigt met een aantal luide slagen. Deze symboliseren het voorval waarbij het lichaam van de heiden Koppany in vier stukken werd gesneden, die naar de vier kastelen van het land werden gezonden als schrikwekkendDie Sinfonie in drei Sätzen ist eine musikalische Schilderung der Geschichte Ungarns. Alle drei Sätze haben bedeutende historische Persönlichkeiten und Schlüsselereignisse aus der Landesgeschichte - wie etwa Kriege - zum Inhalt. Das Werk wurde zuUngarns Tausendjahrfeier im Jahr 2001 geschrieben.Attila , König der Hunnen, oftmals auch die Geißel Gottes genannt, ist die zentrale Gestalt des ersten Satzes; in seiner musikalischen Beschreibung sind Aggressivität und Grausamkeit, die vonihm ausgehende Bedrohung und ihm entgegengebrachte Furcht spürbar. Daneben erscheinen das heroischer klingende Thema von Buda, Attilas Bruder, und das lyrische von Rika, seiner zärtlich geliebten Frau. Der aufpeitschende Schluss desSatzes ist Sinnbild für die gefürchtete Schnelligkeit von Attilas Truppen, mit der sie ihre Opfer eingeholt und ohne Ausnahme getötet haben.Im Mittelpunkt des zweiten Satzes steht Arpad, der eigentliche Begründer des ungarischen Staates. Eineatmosphärisch klingende Einleitung beschwört Emese, die Großmutter Arpads, herauf, die im Traum seine Bestimmung vorhergesehen hatte. Er schlug seinen Gegner, den Prinzen Zalan von Bulgarien, im Kampf in die Flucht und gab dem Land denNamen Magyarorszag.Das Finale ist nach Istvan benannt, dem König, der in Ungarn das Christentum einführte und am ersten Januar 1001 durch Papst Sylvester II. gekrönt wurde. Ein feierlicher Anfang leitet über in einen an Kriegsgetümmelerinnern den Abschnitt, der in lärmendem Getöse endet. Es steht für das Ende des Heiden Koppany, dessen Körper gevierteilt und als abschreckendes Beispiel an die vier Burgen des Landes gesandt wurde. Ein ruhiges, beinahe religiös wirkendesZwischenspiel mündet in die ungarische Nationalhymne. Dieser prachtvolle, mit grandioso überschriebene Schluss hat auch eine symbolische Bedeutung: Nach zehn Jahrhunderten hat Ungarn guten Grund, mit Stolz zurückzublicken und der Zukunft mitZuversicht und Optimismus entgegenzusehen.Die wunderbare Melodie der Nationalhymne erscheint in der Sinfonie auch vorher schon immer wieder, wird meist aber ganz oder teilweise überdeckt. Sie durchläuft das Werk wie ein roter Faden, der anfangs kaumwahrzunehmen ist und erst im Verlauf der Sinfonie immer deutlicher wird. Am Ende krönt sie das Werk in einer letzten prachtvollen Steigerung, in der das Orchester den majestätischen Klang einer Orgel annimmt.Sinfon ia Hungarica est une œuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze en Hongrie. Elle est dédiée Ferenc Jankovski (Directeur de l’Orchestre d’Harmonie), Jozsef Ficsor (Maire de la ville de Kiskunfelegyhaze) et Gabriella Kiss.Cette symphonie en trois mouvements retrace l’histoire de la Hongrie. L’ensemble des trois mouvements s’inspire de la vie de personnages historiques clés, de guerres et d’autres événements de grande importance qui ont marqué l’histoire de ce pays. Sinfonia Hungarica célèbre le millénaire de la fondation de l’État hongrois (1001-2001). L’œuvre a été donnée en création mondiale, le 31 mars 2001 Budapest,par l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze placé sous la direction du compositeur.ATTILA , roi des Huns, surnommé “le Fléau de Dieuâ€, est le personnage central du premier mouvement où règne une atmosphère de peur, de menace, d’agression et de cruauté. Bléda, le frère d’Attila, est associé un thème aux accents plus héro ques, tandis que Kerka, l’épouse bien-aimée du roi des Huns, est représentée par une mélodie lyrique. La fin trépidante de ce mouvement d’ouverture illustre l’effroyable rapidité avec laquelle les troupes d’Attila poursuivaient et tuaient toutes leurs victimes.Le deuxième mouvement est centré sur ARPAD, le fondateur de l’État hongrois. Un passage limpide et aérien ouvre ce mouvement évoquant Émèse, la grand-mère d’Arpad, qui vit en rêve sa destinée future. Après avoir livré bataille contre l’un de ses opposants, le prince bulgare Zalan, et l’avoir chassé des terres magyares, Arpad donne officiellement au territoire le nom de Magyarorszag.Le troisième et dernier mouvement de la symphonie porte le nom de celui qui convertit le pays au christianisme : Étienne Ier (ISTVAN), sacré roi de Hongrie le 1er janvier 1001 par le Pape Sylvestre II. Les mesures d’ouverture, solennelles et majestueuses, mènent un passage dont l’atmosphère belliqueuse s’intensifie pour s’achever en de violents fracas symbolisant la mort Sinfonia Hungarica, commissionata dalla banda ungherese di Kiskunfelegyahaza, è dedicata al maestro Ferenc Jankovski, al sindaco della citt Jozsef Ficsor e a Gabriella Kiss. La prima mondiale, eseguita dalla banda Kiskunfelegyhaza si è tenutaa Budapest il 31 marzo 2001 sotto la direzione del compositore.Gli eventi salienti della storia dell’Ungheria, come le guerre ed altri avvenimenti importanti, sono tradotti in musica in questa sinfonia strutturata in tre movimenti. Sinfonia Hungaricavuole anche essere un omaggio allo stato ungherese che festeggia il suo millennio nel 2001.ATTILA, re degli Unni, spesso chiamato “il flagello di Dio“ è la figura centrale del primo movimento, caratterizzato dalla paura, dalla minaccia,dall’aggr essione e dalla crudelt . Buda, fratello di Attila è associato ad un tema più eroico, mentre Rika, l’amata moglie, è rappresentata da una melodia lirica. L’eccitante finale di questo movimento di apertura illustra la tanto temuta velocit delle truppe di Attila che seminavano paura e morte.Il secondo movimento pone l’accento su ARPAD, il fondatore dello Stato ungherese. Inizia con un passaggio in stile atmosferico che evoca la nonna di Arpad, Emese che aveva sognato e predettoil futuro del nipote. Uno degli oppositori di Arpad, il principe bulgaro Zalan, fu cacciato dopo una battaglia. In seguito, Arpad chiamò ufficialmente il territorio “Magyarorszag†.Il movimento finale prende il nome da ISTVAN, il re che portòil cristianesimo in Ungheria e che fu incoronato da Papa Silvestro II il 1 gennaio, 1001. Un inizio solenne prelude ad un passaggio bellico accentuato da rumori imponenti; questo a simboleggiare l’atroce fine del pagano Koppany il cui corpo futagliato in quattro pezzi e inviato ai quattro castelli del paese come monito. Dopo un intermezzo quieto, quasi religioso, viene presentato l’Inno nazionale ungherese. In questo ampio e grandioso finale riecheggia l’orgoglio dell’Ungheria nelricordare il suo passato e la fiducia con la quale si proietta al futuro.Lo stupendo tema dell’Inno nazionale ungherese è proposto nell’arco dell’intera sinfonia. E’ però spesso parzialmente nascosto e usato come filo conduttore, appena riconoscibileall’i nizio ma sempre più ovvio quando la sinfonia si avvicina al suo finale. A conclusione della sinfonia, il sublime inno conduce la banda in un’apoteosi finale, facendo apparire l’organico strumentale come un maestoso organo.
SKU: BT.DHP-1002207-140
Sinfonia Hungarica is a three-movement symphony that depicts the history of Hungary. All three movements were inspired by historical key figures, wars, and other important events from this country. This symphony is a celebration of Hungary’s millennium in 2001.ATTILA, King of the Huns, often named “The scourge of God,†is the central figure of the first movement, mainly characterized by fear, threat, aggression, and cruelty. Attila’s brother, Buda, however, has a more heroic theme, while his beloved wife, Rika, has a lyrical melody. The exciting ending of this opening movement illustrates the dreaded speed of Attila’s troops: they pursued their victims and killed them all!Dit stuk werd gecomponeerd in opdracht van het symfonisch blaasorkest Kiskunfélegyhaza uit Hongarije en opgedragen aan dirigent Ferenc Jankovski, burgemeester Jozsef Ficsor en Gabriella Kiss. De wereldpremière vond plaats op 31 maart2001 in Budapest (Hongarije) door het eerdergenoemde orkest onder leiding van de componist.Deze driedelige symfonie beschrijft de geschiedenis van Hongarije. De drie delen zijn ge nspireerd op historische sleutelfiguren, oorlogenen andere belangrijke gebeurtenissen in dit land. De symfonie werd geschreven ter gelegenheid van de millenniumviering van Hongarije in 2001.ATTILA, koning van de Hunnen, vaak ‘de gesel Gods’ genoemd, is de centrale figuurin het eerste deel, dat voornamelijk wordt gekenmerkt door angst, dreiging, agressie en wreedheid. Attila’s broer, Buda, heeft echter een hero scher thema, terwijl zijn geliefde vrouw, Rika, een lyrische melodie heeft. Het spannendeeinde van dit openingsdeel illustreert de gevreesde snelheid van Attila’s troepen: ze achtervolgden hun slachtoffers en vermoordden ze allemaal! Het tweede deel gaat over ARPAD, de stichter van de Hongaarse staat. Hetbegint met een sfeerpassage, die het beeld oproept van zijn grootmoeder, Emese, dromend over zijn bestemming. Een van Arpad’s tegenstanders, de Bulgaarse prins Zalan, werd verdreven na een gevecht. Hierna noemde Arpad het gebiedofficieel ‘Magyarorszag†.Het laatste deel is genoemd naar ISTVAN, de koning die het christendom in Hongarije introduceerde en die werd gekroond door paus Silvester II op 1 januari 1001. Een vrij plechtige start leidt tot nogeen martiale passage, die eindigt met een aantal luide slagen. Deze symboliseren het voorval waarbij het lichaam van de heiden Koppany in vier stukken werd gesneden, die naar de vier kastelen van het land werden gezonden als schrikwekkendDie Sinfonie in drei Sätzen ist eine musikalische Schilderung der Geschichte Ungarns. Alle drei Sätze haben bedeutende historische Persönlichkeiten und Schlüsselereignisse aus der Landesgeschichte - wie etwa Kriege - zum Inhalt. Das Werk wurde zuUngarns Tausendjahrfeier im Jahr 2001 geschrieben.Attila , König der Hunnen, oftmals auch die Geißel Gottes genannt, ist die zentrale Gestalt des ersten Satzes; in seiner musikalischen Beschreibung sind Aggressivität und Grausamkeit, die vonihm ausgehende Bedrohung und ihm entgegengebrachte Furcht spürbar. Daneben erscheinen das heroischer klingende Thema von Buda, Attilas Bruder, und das lyrische von Rika, seiner zärtlich geliebten Frau. Der aufpeitschende Schluss desSatzes ist Sinnbild für die gefürchtete Schnelligkeit von Attilas Truppen, mit der sie ihre Opfer eingeholt und ohne Ausnahme getötet haben.Im Mittelpunkt des zweiten Satzes steht Arpad, der eigentliche Begründer des ungarischen Staates. Eineatmosphärisch klingende Einleitung beschwört Emese, die Großmutter Arpads, herauf, die im Traum seine Bestimmung vorhergesehen hatte. Er schlug seinen Gegner, den Prinzen Zalan von Bulgarien, im Kampf in die Flucht und gab dem Land denNamen Magyarorszag.Das Finale ist nach Istvan benannt, dem König, der in Ungarn das Christentum einführte und am ersten Januar 1001 durch Papst Sylvester II. gekrönt wurde. Ein feierlicher Anfang leitet über in einen an Kriegsgetümmelerinnern den Abschnitt, der in lärmendem Getöse endet. Es steht für das Ende des Heiden Koppany, dessen Körper gevierteilt und als abschreckendes Beispiel an die vier Burgen des Landes gesandt wurde. Ein ruhiges, beinahe religiös wirkendesZwischenspiel mündet in die ungarische Nationalhymne. Dieser prachtvolle, mit grandioso überschriebene Schluss hat auch eine symbolische Bedeutung: Nach zehn Jahrhunderten hat Ungarn guten Grund, mit Stolz zurückzublicken und der Zukunft mitZuversicht und Optimismus entgegenzusehen.Die wunderbare Melodie der Nationalhymne erscheint in der Sinfonie auch vorher schon immer wieder, wird meist aber ganz oder teilweise überdeckt. Sie durchläuft das Werk wie ein roter Faden, der anfangs kaumwahrzunehmen ist und erst im Verlauf der Sinfonie immer deutlicher wird. Am Ende krönt sie das Werk in einer letzten prachtvollen Steigerung, in der das Orchester den majestätischen Klang einer Orgel annimmt.Sinfon ia Hungarica est une œuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze en Hongrie. Elle est dédiée Ferenc Jankovski (Directeur de l’Orchestre d’Harmonie), Jozsef Ficsor (Maire de la ville de Kiskunfelegyhaze) et Gabriella Kiss.Cette symphonie en trois mouvements retrace l’histoire de la Hongrie. L’ensemble des trois mouvements s’inspire de la vie de personnages historiques clés, de guerres et d’autres événements de grande importance qui ont marqué l’histoire de ce pays. Sinfonia Hungarica célèbre le millénaire de la fondation de l’État hongrois (1001-2001). L’œuvre a été donnée en création mondiale, le 31 mars 2001 Budapest,par l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze placé sous la direction du compositeur.ATTILA , roi des Huns, surnommé “le Fléau de Dieuâ€, est le personnage central du premier mouvement où règne une atmosphère de peur, de menace, d’agression et de cruauté. Bléda, le frère d’Attila, est associé un thème aux accents plus héro ques, tandis que Kerka, l’épouse bien-aimée du roi des Huns, est représentée par une mélodie lyrique. La fin trépidante de ce mouvement d’ouverture illustre l’effroyable rapidité avec laquelle les troupes d’Attila poursuivaient et tuaient toutes leurs victimes.Le deuxième mouvement est centré sur ARPAD, le fondateur de l’État hongrois. Un passage limpide et aérien ouvre ce mouvement évoquant Émèse, la grand-mère d’Arpad, qui vit en rêve sa destinée future. Après avoir livré bataille contre l’un de ses opposants, le prince bulgare Zalan, et l’avoir chassé des terres magyares, Arpad donne officiellement au territoire le nom de Magyarorszag.Le troisième et dernier mouvement de la symphonie porte le nom de celui qui convertit le pays au christianisme : Étienne Ier (ISTVAN), sacré roi de Hongrie le 1er janvier 1001 par le Pape Sylvestre II. Les mesures d’ouverture, solennelles et majestueuses, mènent un passage dont l’atmosphère belliqueuse s’intensifie pour s’achever en de violents fracas symbolisant la mort Sinfonia Hungarica, commissionata dalla banda ungherese di Kiskunfelegyahaza, è dedicata al maestro Ferenc Jankovski, al sindaco della citt Jozsef Ficsor e a Gabriella Kiss. La prima mondiale, eseguita dalla banda Kiskunfelegyhaza si è tenutaa Budapest il 31 marzo 2001 sotto la direzione del compositore.Gli eventi salienti della storia dell’Ungheria, come le guerre ed altri avvenimenti importanti, sono tradotti in musica in questa sinfonia strutturata in tre movimenti. Sinfonia Hungaricavuole anche essere un omaggio allo stato ungherese che festeggia il suo millennio nel 2001.ATTILA, re degli Unni, spesso chiamato “il flagello di Dio“ è la figura centrale del primo movimento, caratterizzato dalla paura, dalla minaccia,dall’aggr essione e dalla crudelt . Buda, fratello di Attila è associato ad un tema più eroico, mentre Rika, l’amata moglie, è rappresentata da una melodia lirica. L’eccitante finale di questo movimento di apertura illustra la tanto temuta velocit delle truppe di Attila che seminavano paura e morte.Il secondo movimento pone l’accento su ARPAD, il fondatore dello Stato ungherese. Inizia con un passaggio in stile atmosferico che evoca la nonna di Arpad, Emese che aveva sognato e predettoil futuro del nipote. Uno degli oppositori di Arpad, il principe bulgaro Zalan, fu cacciato dopo una battaglia. In seguito, Arpad chiamò ufficialmente il territorio “Magyarorszag†.Il movimento finale prende il nome da ISTVAN, il re che portòil cristianesimo in Ungheria e che fu incoronato da Papa Silvestro II il 1 gennaio, 1001. Un inizio solenne prelude ad un passaggio bellico accentuato da rumori imponenti; questo a simboleggiare l’atroce fine del pagano Koppany il cui corpo futagliato in quattro pezzi e inviato ai quattro castelli del paese come monito. Dopo un intermezzo quieto, quasi religioso, viene presentato l’Inno nazionale ungherese. In questo ampio e grandioso finale riecheggia l’orgoglio dell’Ungheria nelricordare il suo passato e la fiducia con la quale si proietta al futuro.Lo stupendo tema dell’Inno nazionale ungherese è proposto nell’arco dell’intera sinfonia. E’ però spesso parzialmente nascosto e usato come filo conduttore, appena riconoscibileall’i nizio ma sempre più ovvio quando la sinfonia si avvicina al suo finale. A conclusione della sinfonia, il sublime inno conduce la banda in un’apoteosi finale, facendo apparire l’organico strumentale come un maestoso organo.
SKU: BT.DHP-1033337-015
9x12 inches.
Missa Brevis, written for choir and wind band, was commissioned by the Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir.: Philippe Pfisterer) in Guebwiller (France), in celebration of the millennium of Pope Leon IX’sbirth in Éguisheim (France). The composer conducted the first performance on June 23, 2002. It was performed live for the French television channel France 2. The mass movements Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus, and Agnus Deiare very suitable for the Catholic as well as the Protestant liturgy. For this mass, various ways for performing in diverse variable strengths are possible. An instrumental performance is possible if the brass represents the choir parts. In thisoption, it is desirable for the brass to be positioned separately from the rest of the band (on a gallery, for example), so that the idea of two choirs is approached. In a performance with a large choir, the brass can work very well as a support. Inthat case, the dynamics of the brass should be adapted somewhat, since these are actually intended for an instrumental performance. You can also leave out the brass entirely for the benefit of the choir. For the accompaniment of smaller choirs, youcan opt for a small ensemble from the band. This can also be a quartet, put together as desired. For the performance of this mass, the obvious choice is one of the above options. However, as an alternative, a performance with a combination of theseoptions (vocally/instrumentally) is also possible not just from an artistic point of view (variation), but also from a practical starting point for example in the case that the choir has rehearsed only two movements. With a full strength, theconductor can vary the instrumentation to his or her liking. Then the brass can also play a role in the accompaniment (instead of supporting the choir). The following combinations are possible:1. clarinet choir (from Eb Clarinet to BassClarinet)2. clarinet choir + saxophones3. brass (flugelhorns, horns, euphoniums, bass section)4. brass (2 trumpets / 2 trombones)5. double reeds (optional + flute, optional + string bass)6. tutti7. all winds8. allbrassIn a performance by brass band and choir, it is usually advisable to leave out option 1 (choir + brass + band). The choir sings self-reliantly, accompanied by a full brass band. In an instrumental performance, you can consider a combinedquartet (two cornets and two trombones) + brass band.Choral parts available separately.Mis sa Brevis, geschreven voor koor en blaasorkest, werd gecomponeerd in opdracht van de Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (dir. Philippe Pfisterer) in Guebwiller (Frankrijk), ter gelegenheid van het duizendstegeboortejaar van paus Leo IX. In zijn geboorteplaats, Éguisheim (Elzas, Frankrijk), vond op 23 juni 2002 de première van deze mis plaats onder leiding van de componist. Het betrof een live-registratie voor de Franse televisiezender France 2. Demisdelen Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus en Agnus Dei lenen zich uitstekend voor zowel de katholieke als de protestantse liturgie. Er zijn voor deze mis diverse uitvoeringsmogelijkheden mogelijk, aangezien er sprake is van eenvariabele bezetting. Een instrumentale uitvoering behoort uitdrukkelijk tot de mogelijkheden, indien het scherp koper de koorpartijen vertegenwoordigt. In deze optie is het wenselijk dat het scherp koper zich separaat opstelt van de rest van hetorkest (bijvoorbeeld op een galerij), zodat het idee van dubbelkorigheid wordt benaderd. Bij een uitvoering voor groot koor werkt het scherp koper zeer goed als ondersteuning. In dat geval kan de dynamiek van het koper iets worden aangepast,aangezien deze in eerste instantie bedoeld is voor een instrumentale versie. Ook kan men ervoor kiezen het scherp koper helemaal weg te laten ten gunste van het koor. Bij begeleiding van kleinere koren kan men kiezen voor een klein ensemble uit hetorkest. Dit kan ook een naar wens samengesteld kwartet zijn. Voor de uitvoering van deze mis ligt het voor de hand een van deze opties te kiezen. Als alternatief is echter ook een uitvoering mogelijk met een combinatie van deze opties (vocaal/instrumentaal) niet slechts vanuit een artistiek motief (afwisseling), maar ook vanuit een praktisch motief, voor het geval dat het koor bijvoorbeeld slechts twee delen heeft ingestudeerd. Bij een volledige bezetting kan de dirigent deinstrumentatie naar believen afwisselen. Hierbij kan ook het scherp koper in de begeleiding een rol krijgen (in plaats van ondersteuning van het koor). Zo zijn de volgende combinaties mogelijk:
1. clarinet choir (van Es-klarinet tot basklarinet)
2. clarinet choir + saxofoons
3. zacht koper (bugels, hoorns, euphoniums, bassen)
4. scherp koper (2 trompetten / 2 trombones)
5. dubbelrieten (eventueel + fluit, eventueel + contrabas)
6. tutti
7. alle hout
8. alle koper
In een uitvoering voor brassband en koor is het in de meeste gevallen aan te bevelen de optie voor scherp koper weg te laten. Het koor zingt zelfstandig, begeleid door een volledige brassband. In een instrumentale uitvoering kunt u denken aan eencombinatiekwartet (twee cornetten en twee trombones) + brassband.Koorpartijen apart verkrijgbaar.M issa Brevis, geschrieben für Chor und Blasorchester entstand im Auftrag des Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir.: Philippe Pfisterer) in Guebwiller (Frankreich), anlässlich des tausendjährigen Jubiläumsder Geburt von Papst Leo IX in Éguisheim. Der Komponist dirigierte die Uraufführung am 23. Juni 2002. Sie wurde live vom französischen Fernsehen France 2 übertragen. Die Messesätze Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus und Agnus Deieignen sich ausgezeichnet sowohl für die katholische als auch die protestantische Liturgie. Diese Messe kann in diversen variablen Spielstärken aufgeführt werden. Eine Instrumentalaufführung ist möglich, wenn das Blech die Chorstimme übernimmt.Um der Idee von zwei Chören in dieser Variante möglichst gerecht zu werden, empfiehlt es sich, das Blechregister getrennt vom Rest des Blasorchesters aufzustellen (beispielsweise auf einer Galerie). In einer Aufführung mit einem großen Chor kann dasBlechregister sehr gut als Unterstützung dienen. In diesem Fall sollten die Dynamikangaben der Blechbläser etwas angepasst werden, da sie ja eigentlich für eine Instrumentalaufführung gedacht sind. Man kann zugunsten des Chors auch völlig auf dasBlech verzichten. Zur Begleitung kleinerer Chöre können Sie ein kleines Ensemble aus dem Blasorchester wählen. Dies könnte auch ein Quartett in beliebiger Zusammensetzung sein. Für die Aufführung dieser Messe bietet sich eine der oben genanntenVarianten an. Eine Kombination dieser Wahlmöglichkeiten (vokal/instrumental) ist jedoch auch möglich und das nicht nur vom künstlerischen Standpunkt aus betrachtet (zur Abwechslung), sondern auch aus praktischen Erwägungen beispielsweise, wennder Chor nur zwei Sätze einstudiert hat. In voller Besetzung kann der Dirigent die Instrumentierung nach Belieben variieren. Dann können die Blechbläser auch eine Rolle in der Begleitung übernehmen (anstatt den Chor zu unterstützen). Die folgendenKombinationen sind möglich:
1. Klarinettenchor (von Klarinette in Es bis Bassklarinette)
2. Klarinettenchor + Saxophone
3. Blech (Flügelhorn, Horn, Euphonium, Bassregister)
4. Blech (2 Trompeten / 2 Posaunen)
5. Doppelrohrblattinstrument e (wahlweise + Flöte, wahlweise + Kontrabass)
6. Tutti
7. Alle Holzbläser
8. Alle Blechbläser
In einer Aufführung mit Brass Band und Chor ist es gewöhnlich ratsam, nicht die erste Option (Chor + Blech + Blasorchester) zu wählen. Der Chor singt unabhängig, begleitet von einer vollständigen Brass Band. In einer Instrumentalaufführung könnenSie sich für ein kombiniertes Quartett (zwei Kornette und zwei Posaunen) + Brass Band entscheiden. Chorstimmen separat erhältlich. Missa Brevis est une messe pour Orchestre d’Harmonie et Choeur composée la demande du Conseil Départemental pour la Musique et la Culture de Haute-Alsace (Dir. : Philippe Pfisterer) de Guebwiller en France, l’occasion des célébrations dumillénaire de la naissance du Pape Léon IX Éguisheim. La création mondiale a eu lieu le 23 juin 2002 sous la direction du compositeur, et a été diffusée en direct sur la chaîne de télévision nationale France 2. Les différentes parties de cettemesse (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus et Agnus Dei) conviennent autant la liturgie catholique qu’ la liturgie protestante. Missa Brevis peut être interprétée dans différentes combinaisons instrumentales. Ellepeut être jouée dans une version purement instrumentale, où les cuivres prennent en charge la partie vocale. En tel cas, il est conseillé de placer les cuivres l’écart de la formation (sur une estrade, par exemple) de façon reproduire l’idée dedeux groupes indépendants. Dans le cadre d’une interprétation avec un grand Choeur, les cuivres jouent un rôle de soutien. Leurs nuances doivent alors être adaptées dans la mesure où elles ont été écrites, l’origine, pour une version instrumentale.Il est également possible de ne pas faire intervenir les cuivres et de privilégier le Choeur. Pour accompagner de petits ensembles vocaux, il faut opter pour une formation instrumentale réduite voire même un Quatuor (instrumentation au choix). Pourl’interprét ation de cette messe l’un des choix proposés ci-dessus s’impose. Il existe néanmoins une alternative qui consiste interpréter cette oeuvre en combinant ces options (vocales / instrumentales). Cela peut être bénéfique tant d’un point devue artistique (variante) que pratique dans le cas où le Choeur n’a travaillé que deux mouvements de la messe. Si le chef dispose de deux formations complètes (Choeur et Orchestre d’Harmonie), il peut varier l’instrumentation selon ses préférences. ce moment-l , il peut confier un rôle d’accompagnement et non de soutien aux cuivres de sa formation. Les combinaisons suivantes peuvent être formées :
1. Choeur de Clarinettes (de la Clarinette Mib la Clarinette Basse)
2. Choeur de Clarinettes + Saxophones
3. Cuivres (Bugles, Cors, Barytons / Euphoniums, Basses)
4. Cuivres (2 Trompettes / 2 Trombones)
5. Instruments anches doubles (Fl te et Contrebasse cordes optionnelles)
7. Tous les Bois
8. Tous les Cuivres
Dans le cadre d’une interprétation par un Brass Band accompagné d’un Choeur, il est préférable de supprimer l’option 1 (Choeur + Cuivres + Orchestre d’Harmonie) car le Choeur étant autonome. Dans une version instrumentale pour Cuivres, il estpossible de former la combinaison suivante : Quatuor (2 Cornets / 2 Trombones) et Brass Band.Partitions pour chœur disponibles séparément. Parti per coro disponibili a parte.
SKU: BT.DHP-1216336-215
English-German-French- Dutch.
From the beginning of the Middle Ages, we have known performance practices in which the duration of the notes can differ from the actual notation. In some cases, binary written melodies were performed in a ternary way. This isalso the case in the present-day shuffle: the written quavers are performed in a long-short system in which the ratio is 2:1. In other words, the performance practice is based on a triplet feel. In this composition, allingredients of the shuffle are featured: a vigorous swing rhythm, a walking bass, the successions of thirds in the accompaniment and the frequent use of triplets. To make sure that the binary written rhythms in the accompanimentsare performed in the correct ternary manner, Peter Kleine Schaars has notated the melody themes in triplets as much as possible. Thus, this composition is a very useful exercise for the swing development of your ensemble.Additionally, the work is a treat to listen to, so your audience will really appreciate this up-tempo big band like composition. All ternary rhythmic cells 17 till 24 pass in revue, furthermore much attention had been paid to acorrect performance of cell 4 in swing feel. Al vanaf het begin van de middeleeuwen kennen we uitvoeringspraktijken waarbij de lengte van de noten anders kan zijn dan de daadwerkelijke notatie. Zo werden in sommige gevallen binair uitgeschreven melodieën ternair uitgevoerd.Dat is ook het geval bij de hedendaagse shuffle: de geschreven achtsten worden uitgevoerd in een lang-kortsysteem waarbij de verhouding 2:1 geldt. Oftewel de uitvoeringspraktijk is gebaseerd op een triolenfeel. In deze compositiekomen alle ingrediënten van de shuffle aan bod: een stevig swingritme, een walking bass, oplopende tertsenreeksen in de begeleiding en veelvuldig gebruik van triolen. Om ervoor te zorgen dat de binair genoteerde ritmieken in debegeleidingen op de juiste ternaire wijze worden uitgevoerd, heeft Peter Kleine Schaars de melodiethema’s zoveel mogelijk uitgeschreven in triolen. Hierdoor is deze compositie een zeer bruikbare oefening voor de swingontwikkelingvan uw ensemble. Daarnaast is het werk een feest om naar te luisteren en zal het publiek deze uptempo bigbandachtige compositie zeker waarderen. Alle ternaire ritmische cellen 17 tot 24 passeren de revue, daarnaast is er veelaandacht voor een juiste uitvoering van cel 4 in swingfeel. Seit Beginn des Mittelalters sind uns Aufführungspraktiken bekannt, bei denen die Dauer der Noten von der tatsächlichen Notation abweichen kann. In einigen Fällen wurden binär geschriebene Melodien ternär gespielt. Dies ist auchbeim modernen Shuffle der Fall: Die notierten Achtelnoten werden in einem Lang-Kurz-System“ im Verhältnis 2:1 ausgeführt. Mit anderen Worten, die Aufführungspraxis basiert auf einem Triolengefühl. In dieser Komposition sind alleZutaten des Shuffle enthalten: ein kräftiger Swing-Rhythmus, ein Walking Bass, eine Abfolge von Terzen in der Begleitung und die häufige Verwendung von Triolen. Um sicherzustellen, dass die binär geschriebenen Rhythmen in denBegleitungen ternär ausgeführt werden, hat Peter Kleine Schaars die Melodiethemen so weit wie möglich als Triolen notiert. Daher eignet sich diese Komposition zum Üben des Swings. Darüber hinaus hört sich das Stück so schön an,dass Ihr Publikum von dieser schnellen Big-Band-ähnlichen Komposition begeistert sein wird. Die ternären Rhythmus-Einheiten 17 bis 24 kommen alle vor, außerdem wurde ein Schwerpunkt auf die korrekte Umsetzung der Rhythmus-Einheit4 im Swing-Stil gelegt.Si nous remontons au début du Moyen ge, nous savons que, selon certaines coutumes d’interprétatio n, la durée des notes pouvait différer de la notation. Parfois, des mélodies écrites en binaire étaient même interprétées enternaire. C’est le cas de ce shuffle contemporain : les croches écrites sont jouées selon un système long-court où le rapport est de 2:1. Autrement dit, en pratique, l’interprétatio n est fondée sur un ressenti ternaire. Tous lesingrédients du shuffle sont présents dans cette composition : un rythme de swing vigoureux, une basse walking, les successions de tierces dans l’accompagnement et l’emploi fréquent de triolets. Pour s’assurer que les rythmesécrits en binaire dans l’accompagnement soient interprétés en ternaire, Peter Kleine Schaars a, dans la mesure du possible, noté les thèmes de la mélodie en triolets. Cette pièce forme donc un exercice très utile pour permettre votre ensemble d’apprendre le swing. En outre, son écoute est un vrai plaisir, et votre public appréciera pleinement cette pièce de style big band au rythme enlevé. Toutes les cellules rythmiques ternaires 17 24 sont passées enrevue et une grande attention a été portée l’interprétatio n correcte de la cellule 4, donc avec un ressenti swing.
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Dit stuk werd gecomponeerd in opdracht van het symfonisch blaasorkest Kiskunfélegyhaza uit Hongarije en opgedragen aan dirigent Ferenc Jankovski, burgemeester Jozsef Ficsor en Gabriella Kiss. De wereldpremière vond plaats op 31 maart2001 in Budapest (Hongarije) door het eerdergenoemde orkest onder leiding van de componist.Deze driedelige symfonie beschrijft de geschiedenis van Hongarije. De drie delen zijn ge nspireerd op historische sleutelfiguren, oorlogenen andere belangrijke gebeurtenissen in dit land. De symfonie werd geschreven ter gelegenheid van de millenniumviering van Hongarije in 2001.ATTILA, koning van de Hunnen, vaak ‘de gesel Gods’ genoemd, is de centrale figuurin het eerste deel, dat voornamelijk wordt gekenmerkt door angst, dreiging, agressie en wreedheid. Attila’s broer, Buda, heeft echter een hero scher thema, terwijl zijn geliefde vrouw, Rika, een lyrische melodie heeft. Het spannendeeinde van dit openingsdeel illustreert de gevreesde snelheid van Attila’s troepen: ze achtervolgden hun slachtoffers en vermoordden ze allemaal! Het tweede deel gaat over ARPAD, de stichter van de Hongaarse staat. Hetbegint met een sfeerpassage, die het beeld oproept van zijn grootmoeder, Emese, dromend over zijn bestemming. Een van Arpad’s tegenstanders, de Bulgaarse prins Zalan, werd verdreven na een gevecht. Hierna noemde Arpad het gebiedofficieel ‘Magyarorszag†.Het laatste deel is genoemd naar ISTVAN, de koning die het christendom in Hongarije introduceerde en die werd gekroond door paus Silvester II op 1 januari 1001. Een vrij plechtige start leidt tot nogeen martiale passage, die eindigt met een aantal luide slagen. Deze symboliseren het voorval waarbij het lichaam van de heiden Koppany in vier stukken werd gesneden, die naar de vier kastelen van het land werden gezonden als schrikwekkendDie Sinfonie in drei Sätzen ist eine musikalische Schilderung der Geschichte Ungarns. Alle drei Sätze haben bedeutende historische Persönlichkeiten und Schlüsselereignisse aus der Landesgeschichte - wie etwa Kriege - zum Inhalt. Das Werk wurde zuUngarns Tausendjahrfeier im Jahr 2001 geschrieben.Attila , König der Hunnen, oftmals auch die Geißel Gottes genannt, ist die zentrale Gestalt des ersten Satzes; in seiner musikalischen Beschreibung sind Aggressivität und Grausamkeit, die vonihm ausgehende Bedrohung und ihm entgegengebrachte Furcht spürbar. Daneben erscheinen das heroischer klingende Thema von Buda, Attilas Bruder, und das lyrische von Rika, seiner zärtlich geliebten Frau. Der aufpeitschende Schluss desSatzes ist Sinnbild für die gefürchtete Schnelligkeit von Attilas Truppen, mit der sie ihre Opfer eingeholt und ohne Ausnahme getötet haben.Im Mittelpunkt des zweiten Satzes steht Arpad, der eigentliche Begründer des ungarischen Staates. Eineatmosphärisch klingende Einleitung beschwört Emese, die Großmutter Arpads, herauf, die im Traum seine Bestimmung vorhergesehen hatte. Er schlug seinen Gegner, den Prinzen Zalan von Bulgarien, im Kampf in die Flucht und gab dem Land denNamen Magyarorszag.Das Finale ist nach Istvan benannt, dem König, der in Ungarn das Christentum einführte und am ersten Januar 1001 durch Papst Sylvester II. gekrönt wurde. Ein feierlicher Anfang leitet über in einen an Kriegsgetümmelerinnern den Abschnitt, der in lärmendem Getöse endet. Es steht für das Ende des Heiden Koppany, dessen Körper gevierteilt und als abschreckendes Beispiel an die vier Burgen des Landes gesandt wurde. Ein ruhiges, beinahe religiös wirkendesZwischenspiel mündet in die ungarische Nationalhymne. Dieser prachtvolle, mit grandioso überschriebene Schluss hat auch eine symbolische Bedeutung: Nach zehn Jahrhunderten hat Ungarn guten Grund, mit Stolz zurückzublicken und der Zukunft mitZuversicht und Optimismus entgegenzusehen.Die wunderbare Melodie der Nationalhymne erscheint in der Sinfonie auch vorher schon immer wieder, wird meist aber ganz oder teilweise überdeckt. Sie durchläuft das Werk wie ein roter Faden, der anfangs kaumwahrzunehmen ist und erst im Verlauf der Sinfonie immer deutlicher wird. Am Ende krönt sie das Werk in einer letzten prachtvollen Steigerung, in der das Orchester den majestätischen Klang einer Orgel annimmt.Sinfon ia Hungarica est une œuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze en Hongrie. Elle est dédiée Ferenc Jankovski (Directeur de l’Orchestre d’Harmonie), Jozsef Ficsor (Maire de la ville de Kiskunfelegyhaze) et Gabriella Kiss.Cette symphonie en trois mouvements retrace l’histoire de la Hongrie. L’ensemble des trois mouvements s’inspire de la vie de personnages historiques clés, de guerres et d’autres événements de grande importance qui ont marqué l’histoire de ce pays. Sinfonia Hungarica célèbre le millénaire de la fondation de l’État hongrois (1001-2001). L’œuvre a été donnée en création mondiale, le 31 mars 2001 Budapest,par l’Orchestre d’Harmonie de Kiskunfelegyhaze placé sous la direction du compositeur.ATTILA , roi des Huns, surnommé “le Fléau de Dieuâ€, est le personnage central du premier mouvement où règne une atmosphère de peur, de menace, d’agression et de cruauté. Bléda, le frère d’Attila, est associé un thème aux accents plus héro ques, tandis que Kerka, l’épouse bien-aimée du roi des Huns, est représentée par une mélodie lyrique. La fin trépidante de ce mouvement d’ouverture illustre l’effroyable rapidité avec laquelle les troupes d’Attila poursuivaient et tuaient toutes leurs victimes.Le deuxième mouvement est centré sur ARPAD, le fondateur de l’État hongrois. Un passage limpide et aérien ouvre ce mouvement évoquant Émèse, la grand-mère d’Arpad, qui vit en rêve sa destinée future. Après avoir livré bataille contre l’un de ses opposants, le prince bulgare Zalan, et l’avoir chassé des terres magyares, Arpad donne officiellement au territoire le nom de Magyarorszag.Le troisième et dernier mouvement de la symphonie porte le nom de celui qui convertit le pays au christianisme : Étienne Ier (ISTVAN), sacré roi de Hongrie le 1er janvier 1001 par le Pape Sylvestre II. Les mesures d’ouverture, solennelles et majestueuses, mènent un passage dont l’atmosphère belliqueuse s’intensifie pour s’achever en de violents fracas symbolisant la mort Sinfonia Hungarica, commissionata dalla banda ungherese di Kiskunfelegyahaza, è dedicata al maestro Ferenc Jankovski, al sindaco della citt Jozsef Ficsor e a Gabriella Kiss. La prima mondiale, eseguita dalla banda Kiskunfelegyhaza si è tenutaa Budapest il 31 marzo 2001 sotto la direzione del compositore.Gli eventi salienti della storia dell’Ungheria, come le guerre ed altri avvenimenti importanti, sono tradotti in musica in questa sinfonia strutturata in tre movimenti. Sinfonia Hungaricavuole anche essere un omaggio allo stato ungherese che festeggia il suo millennio nel 2001.ATTILA, re degli Unni, spesso chiamato “il flagello di Dio“ è la figura centrale del primo movimento, caratterizzato dalla paura, dalla minaccia,dall’aggr essione e dalla crudelt . Buda, fratello di Attila è associato ad un tema più eroico, mentre Rika, l’amata moglie, è rappresentata da una melodia lirica. L’eccitante finale di questo movimento di apertura illustra la tanto temuta velocit delle truppe di Attila che seminavano paura e morte.Il secondo movimento pone l’accento su ARPAD, il fondatore dello Stato ungherese. Inizia con un passaggio in stile atmosferico che evoca la nonna di Arpad, Emese che aveva sognato e predettoil futuro del nipote. Uno degli oppositori di Arpad, il principe bulgaro Zalan, fu cacciato dopo una battaglia. In seguito, Arpad chiamò ufficialmente il territorio “Magyarorszag†.Il movimento finale prende il nome da ISTVAN, il re che portòil cristianesimo in Ungheria e che fu incoronato da Papa Silvestro II il 1 gennaio, 1001. Un inizio solenne prelude ad un passaggio bellico accentuato da rumori imponenti; questo a simboleggiare l’atroce fine del pagano Koppany il cui corpo futagliato in quattro pezzi e inviato ai quattro castelli del paese come monito. Dopo un intermezzo quieto, quasi religioso, viene presentato l’Inno nazionale ungherese. In questo ampio e grandioso finale riecheggia l’orgoglio dell’Ungheria nelricordare il suo passato e la fiducia con la quale si proietta al futuro.Lo stupendo tema dell’Inno nazionale ungherese è proposto nell’arco dell’intera sinfonia. E’ però spesso parzialmente nascosto e usato come filo conduttore, appena riconoscibileall’i nizio ma sempre più ovvio quando la sinfonia si avvicina al suo finale. A conclusione della sinfonia, il sublime inno conduce la banda in un’apoteosi finale, facendo apparire l’organico strumentale come un maestoso organo.
SKU: BT.DHP-1002208-140
Dit stuk werd gecomponeerd in opdracht van het symfonisch blaasorkest Kiskunfélegyhaza uit Hongarije en opgedragen aan dirigent Ferenc Jankovski, burgemeester Jozsef Ficsor en Gabriella Kiss. De wereldpremière vond plaats op 31 maart2001 in Budapest (Hongarije) door het eerdergenoemde orkest onder leiding van de componist.Deze driedelige symfonie beschrijft de geschiedenis van Hongarije. De drie delen zijn ge nspireerd op historische sleutelfiguren, oorlogenen andere belangrijke gebeurtenissen in dit land. De symfonie werd geschreven ter gelegenheid van de millenniumviering van Hongarije in 2001.ATTILA, koning van de Hunnen, vaak â??de gesel Godsâ?? genoemd, is de centrale figuurin het eerste deel, dat voornamelijk wordt gekenmerkt door angst, dreiging, agressie en wreedheid. Attilaâ??s broer, Buda, heeft echter een hero scher thema, terwijl zijn geliefde vrouw, Rika, een lyrische melodie heeft. Het spannendeeinde van dit openingsdeel illustreert de gevreesde snelheid van Attilaâ??s troepen: ze achtervolgden hun slachtoffers en vermoordden ze allemaal! Het tweede deel gaat over ARPAD, de stichter van de Hongaarse staat. Hetbegint met een sfeerpassage, die het beeld oproept van zijn grootmoeder, Emese, dromend over zijn bestemming. Een van Arpadâ??s tegenstanders, de Bulgaarse prins Zalan, werd verdreven na een gevecht. Hierna noemde Arpad het gebiedofficieel â??Magyarorszagâ??.Het laatste deel is genoemd naar ISTVAN, de koning die het christendom in Hongarije introduceerde en die werd gekroond door paus Silvester II op 1 januari 1001. Een vrij plechtige start leidt tot nogeen martiale passage, die eindigt met een aantal luide slagen. Deze symboliseren het voorval waarbij het lichaam van de heiden Koppany in vier stukken werd gesneden, die naar de vier kastelen van het land werden gezonden als schrikwekkendDie Sinfonie in drei Sätzen ist eine musikalische Schilderung der Geschichte Ungarns. Alle drei Sätze haben bedeutende historische Persönlichkeiten und Schlüsselereignisse aus der Landesgeschichte - wie etwa Kriege - zum Inhalt. Das Werk wurde zuUngarns Tausendjahrfeier im Jahr 2001 geschrieben.Attila , König der Hunnen, oftmals auch die GeiÃ?el Gottes genannt, ist die zentrale Gestalt des ersten Satzes; in seiner musikalischen Beschreibung sind Aggressivität und Grausamkeit, die vonihm ausgehende Bedrohung und ihm entgegengebrachte Furcht spürbar. Daneben erscheinen das heroischer klingende Thema von Buda, Attilas Bruder, und das lyrische von Rika, seiner zärtlich geliebten Frau. Der aufpeitschende Schluss desSatzes ist Sinnbild für die gefürchtete Schnelligkeit von Attilas Truppen, mit der sie ihre Opfer eingeholt und ohne Ausnahme getötet haben.Im Mittelpunkt des zweiten Satzes steht Arpad, der eigentliche Begründer des ungarischen Staates. Eineatmosphärisch klingende Einleitung beschwört Emese, die GroÃ?mutter Arpads, herauf, die im Traum seine Bestimmung vorhergesehen hatte. Er schlug seinen Gegner, den Prinzen Zalan von Bulgarien, im Kampf in die Flucht und gab dem Land denNamen Magyarorszag.Das Finale ist nach Istvan benannt, dem König, der in Ungarn das Christentum einführte und am ersten Januar 1001 durch Papst Sylvester II. gekrönt wurde. Ein feierlicher Anfang leitet über in einen an Kriegsgetümmelerinnern den Abschnitt, der in lärmendem Getöse endet. Es steht für das Ende des Heiden Koppany, dessen Körper gevierteilt und als abschreckendes Beispiel an die vier Burgen des Landes gesandt wurde. Ein ruhiges, beinahe religiös wirkendesZwischenspiel mündet in die ungarische Nationalhymne. Dieser prachtvolle, mit grandioso überschriebene Schluss hat auch eine symbolische Bedeutung: Nach zehn Jahrhunderten hat Ungarn guten Grund, mit Stolz zurückzublicken und der Zukunft mitZuversicht und Optimismus entgegenzusehen.Die wunderbare Melodie der Nationalhymne erscheint in der Sinfonie auch vorher schon immer wieder, wird meist aber ganz oder teilweise überdeckt. Sie durchläuft das Werk wie ein roter Faden, der anfangs kaumwahrzunehmen ist und erst im Verlauf der Sinfonie immer deutlicher wird. Am Ende krönt sie das Werk in einer letzten prachtvollen Steigerung, in der das Orchester den majestätischen Klang einer Orgel annimmt.Sinfon ia Hungarica est une ?uvre de commande pour lâ??Orchestre dâ??Harmonie de Kiskunfelegyhaze en Hongrie. Elle est dédiée Ferenc Jankovski (Directeur de lâ??Orchestre dâ??Harmonie), Jozsef Ficsor (Maire de la ville de Kiskunfelegyhaze) et Gabriella Kiss.Cette symphonie en trois mouvements retrace lâ??histoire de la Hongrie. Lâ??ensemble des trois mouvements sâ??inspire de la vie de personnages historiques clés, de guerres et dâ??autres événements de grande importance qui ont marqué lâ??histoire de ce pays. Sinfonia Hungarica célèbre le millénaire de la fondation de lâ??Ã?tat hongrois (1001-2001). Lâ???uvre a été donnée en création mondiale, le 31 mars 2001 Budapest,par lâ??Orchestre dâ??Harmonie de Kiskunfelegyhaze placé sous la direction du compositeur.ATTILA , roi des Huns, surnommé â??le Fléau de Dieuâ?, est le personnage central du premier mouvement où règne une atmosphère de peur, de menace, dâ??agression et de cruauté. Bléda, le frère dâ??Attila, est associé un thème aux accents plus héro ques, tandis que Kerka, lâ??épouse bien-aimée du roi des Huns, est représentée par une mélodie lyrique. La fin trépidante de ce mouvement dâ??ouverture illustre lâ??effroyable rapidité avec laquelle les troupes dâ??Attila poursuivaient et tuaient toutes leurs victimes.Le deuxième mouvement est centré sur ARPAD, le fondateur de lâ??Ã?tat hongrois. Un passage limpide et aérien ouvre ce mouvement évoquant Ã?mèse, la grand-mère dâ??Arpad, qui vit en rêve sa destinée future. Après avoir livré bataille contre lâ??un de ses opposants, le prince bulgare Zalan, et lâ??avoir chassé des terres magyares, Arpad donne officiellement au territoire le nom de Magyarorszag.Le troisième et dernier mouvement de la symphonie porte le nom de celui qui convertit le pays au christianisme : Ã?tienne Ier (ISTVAN), sacré roi de Hongrie le 1er janvier 1001 par le Pape Sylvestre II. Les mesures dâ??ouverture, solennelles et majestueuses, mènent un passage dont lâ??atmosphère belliqueuse sâ??intensifie pour sâ??achever en de violents fracas symbolisant la mort Sinfonia Hungarica, commissionata dalla banda ungherese di Kiskunfelegyahaza, è dedicata al maestro Ferenc Jankovski, al sindaco della citt Jozsef Ficsor e a Gabriella Kiss. La prima mondiale, eseguita dalla banda Kiskunfelegyhaza si è tenutaa Budapest il 31 marzo 2001 sotto la direzione del compositore.Gli eventi salienti della storia dellâ??Ungheria, come le guerre ed altri avvenimenti importanti, sono tradotti in musica in questa sinfonia strutturata in tre movimenti. Sinfonia Hungaricavuole anche essere un omaggio allo stato ungherese che festeggia il suo millennio nel 2001.ATTILA, re degli Unni, spesso chiamato â??il flagello di Dioâ?? è la figura centrale del primo movimento, caratterizzato dalla paura, dalla minaccia,dallâ??aggressi one e dalla crudelt . Buda, fratello di Attila è associato ad un tema più eroico, mentre Rika, lâ??amata moglie, è rappresentata da una melodia lirica. Lâ??eccitante finale di questo movimento di apertura illustra la tanto temuta velocit delle truppe di Attila che seminavano paura e morte.Il secondo movimento pone lâ??accento su ARPAD, il fondatore dello Stato ungherese. Inizia con un passaggio in stile atmosferico che evoca la nonna di Arpad, Emese che aveva sognato e predettoil futuro del nipote. Uno degli oppositori di Arpad, il principe bulgaro Zalan, fu cacciato dopo una battaglia. In seguito, Arpad chiamò ufficialmente il territorio â??Magyarorszagâ?.Il movimento finale prende il nome da ISTVAN, il re che portòil cristianesimo in Ungheria e che fu incoronato da Papa Silvestro II il 1 gennaio, 1001. Un inizio solenne prelude ad un passaggio bellico accentuato da rumori imponenti; questo a simboleggiare lâ??atroce fine del pagano Koppany il cui corpo futagliato in quattro pezzi e inviato ai quattro castelli del paese come monito. Dopo un intermezzo quieto, quasi religioso, viene presentato lâ??Inno nazionale ungherese. In questo ampio e grandioso finale riecheggia lâ??orgoglio dellâ??Ungheria nelricordare il suo passato e la fiducia con la quale si proietta al futuro.Lo stupendo tema dellâ??Inno nazionale ungherese è proposto nellâ??arco dellâ??intera sinfonia. Eâ?? però spesso parzialmente nascosto e usato come filo conduttore, appena riconoscibileallâ??inizi o ma sempre più ovvio quando la sinfonia si avvicina al suo finale. A conclusione della sinfonia, il sublime inno conduce la banda in unâ??apoteosi finale, facendo apparire lâ??organico strumentale come un maestoso organo.
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9x12 inches. English-German-French-Dut ch.
Originally written by the great English writer J.R.R. Tolkien (1892-1973), The Lord of the Rings has encountered new-found popularity recently with the release of three ?huge-hit? motion pictures. With Bilbo the Hobbit we enter the lands of Middle-earth during the Third Age, some decades before The Lord of the Rings trilogy. Fascinated by the works of the masters of film music, Maxime Aulio structured this work in their way. When the end credits roll, Maxime?s music displays all the basic characters and passages of the novel. From the landscapes of the Shire to Middle-earth, the Great Dragons to Gandalf the Wizard, Bilbo Baggins tells us his story through light and virtuosoarabesques in the solo part. Bilbo the Hobbit is a wonderful addition to the french horn repertoire and one to be a sure-fire hit with horn players everywhere. ijdens zijn leven schiep J.R.R. Tolkien (1892-1973) met zijn boek The Hobbit en de trilogie The Lord of the Rings (In de ban van de ring) een totaal nieuwe wereld, bevolkt met fabuleuze wezens: dwergen, elven, drakenen natuurlijk hobbits. Maxime Aulio gaf dit concertante werk vorm in filmische stijl. Met de aftiteling voor ogen verklankt Aulio’s muziek de hoofdpersonen en belangrijkste gebeurtenissen in de wereld van Bilbo de hobbit,zijn visie op het verhaal is imposant. Van de landschappen van de Gouw tot Middenaarde en van de draken tot Gandalf de tovenaar vertelt Bilbo Baggins ons zijn verhaal door middel van lichte en virtuoze arabesken in de solpartij.Faszini ert vom Schaffen der großen Meister der Filmmusik, versuchte Maxime Aulio dieses konzertante Werk über den Fantasy-Roman Werk Der kleine Hobbit von J.R.R.Tolkien in ihrem Sinne zu strukturieren.Wie in einem Abspann illustriert Aulios Musik alle wichtigen Figuren und Passagen der Erzählung in einer beeindruckenden Vision. Von den Landschaften in Auenland bis hin zu ganz Mittelerde, von den großen Drachen bis zu Gandalf, dem Zauberer, erzählt uns Bilbo Beutlin in seinem Solo seine Geschichte in leichten, virtuosen Arabesken.Durant toute une vie, un homme s'est consacré un autre monde, un monde imaginaire drapé du mystère de la littérature fantastique et des légendes. Nous entrons dans une autre dimension. La Terre du Milieu est née, et dans la force de sa flamme créatrice, John Ronald Reuel Tolkien (1892-1973) a donné vie toutes les créatures fabuleuses qui la peuplent : nains, elfes, dragons et hobbits. Nous sommes au Troisième ge de la Terre du Milieu, quelques décennies avant la trilogie du Seigneur des Anneaux. Nous sommes l’ère de Bilbon Sacquet ou Bilbon le Hobbit, un être de petite taille qui vit paisiblement avec ses semblables dans un pays de collines verdoyantes,la Comté. Paix précaire depuis que Bilbon a trouvé l’Anneau Unique jadis forgé par Sauron, le maître du Mal. Car l’Anneau souverain est doté d’un pouvoir immense qui permet son détenteur de se rendre invisible et gouverner les possesseurs des autres Anneaux. Sauron le Maléfique, avide de pouvoir, décide de reconquérir l’Anneau Unique par tous les moyens.Fasciné par les œuvres des maîtres de la musique de film, Maxime Aulio structure cette pièce concertante leur manière. Et tel un générique de fin, sa musique revient sur les passages et personnages fondamentaux du roman. La vision de Maxime Aulio est grandiose. Des paysages de la Comté la Terre du Milieu, des Grands Dragons Gandalf le Magicien, Bilbon Sacquet raconte son histoire au travers d’arabesques virtuoses et éthérées interprétées par le soliste. Bilbo the Hobbit (Bilbon le Hobbit) a été créé par la Musique des Équipages de la Flotte de Brest et Jean-Pierre Cenedese, Cor. Affascinato dal lavoro di Tolkien e dai maestri delle musiche da film, Maxime Aulio struttura questo brano concertante alla loro maniera. La musica riprende passaggi e personaggi chiave del romanzo Bilbo, l’Hobbit. La sua visione è grandiosa. Dai paesaggi della contea alla Terra di Mezzo, dai Grandi Draghi a Gandalf il Mago, Bilbon Saquet racconta la sua storia attraverso virtuosi ed eterei arabeschi interpretatati dal solista.
SKU: BT.DHP-1064055-040
Originally written by the great English writer J.R.R. Tolkien (1892-1973), The Lord of the Rings has encountered new-found popularity recently with the release of three ?huge-hit? motion pictures. With Bilbo the Hobbit we enter the lands of Middle-earth during the Third Age, some decades before The Lord of the Rings trilogy. Fascinated by the works of the masters of film music, Maxime Aulio structured this work in their way. When the end credits roll, Maxime?s music displays all the basic characters and passages of the novel. From the landscapes of the Shire to Middle-earth, the Great Dragons to Gandalf the Wizard, Bilbo Baggins tells us his story through light and virtuosoarabesques in the solo part. Bilbo the Hobbit is a wonderful addition to the french horn repertoire and one to be a sure-fire hit with horn players everywhere. Fasziniert vom Schaffen der groÃ?en Meister der Filmmusik, versuchte Maxime Aulio dieses konzertante Werk über den Fantasy-Roman Werk Der kleine Hobbit von J.R.R.Tolkien in ihrem Sinne zu strukturieren.Wie in einem Abspann illustriert Aulios Musik alle wichtigen Figuren und Passagen der Erzählung in einer beeindruckenden Vision. Von den Landschaften in Auenland bis hin zu ganz Mittelerde, von den groÃ?en Drachen bis zu Gandalf, dem Zauberer, erzählt uns Bilbo Beutlin in seinem Solo seine Geschichte in leichten, virtuosen Arabesken.Durant toute une vie, un homme s'est consacré un autre monde, un monde imaginaire drapé du mystère de la littérature fantastique et des légendes. Nous entrons dans une autre dimension. La Terre du Milieu est née, et dans la force de sa flamme créatrice, John Ronald Reuel Tolkien (1892-1973) a donné vie toutes les créatures fabuleuses qui la peuplent : nains, elfes, dragons et hobbits. Nous sommes au Troisième ge de la Terre du Milieu, quelques décennies avant la trilogie du Seigneur des Anneaux. Nous sommes lâ??ère de Bilbon Sacquet ou Bilbon le Hobbit, un être de petite taille qui vit paisiblement avec ses semblables dans un pays de collines verdoyantes,la Comté. Paix précaire depuis que Bilbon a trouvé lâ??Anneau Unique jadis forgé par Sauron, le maître du Mal. Car lâ??Anneau souverain est doté dâ??un pouvoir immense qui permet son détenteur de se rendre invisible et gouverner les possesseurs des autres Anneaux. Sauron le Maléfique, avide de pouvoir, décide de reconquérir lâ??Anneau Unique par tous les moyens.Fasciné par les ?uvres des maîtres de la musique de film, Maxime Aulio structure cette pièce concertante leur manière. Et tel un générique de fin, sa musique revient sur les passages et personnages fondamentaux du roman. La vision de Maxime Aulio est grandiose. Des paysages de la Comté la Terre du Milieu, des Grands Dragons Gandalf le Magicien, Bilbon Sacquet raconte son histoire au travers dâ??arabesques virtuoses et éthérées interprétées par le soliste. Bilbo the Hobbit (Bilbon le Hobbit) a été créé par la Musique des Ã?quipages de la Flotte de Brest et Jean-Pierre Cenedese, Cor. Affascinato dal lavoro di Tolkien e dai maestri delle musiche da film, Maxime Aulio struttura questo brano concertante alla loro maniera. La musica riprende passaggi e personaggi chiave del romanzo Bilbo, lâ??Hobbit. La sua visione è grandiosa. Dai paesaggi della contea alla Terra di Mezzo, dai Grandi Draghi a Gandalf il Mago, Bilbon Saquet racconta la sua storia attraverso virtuosi ed eterei arabeschi interpretatati dal solista.
SKU: BT.DHP-1064055-140
Originally written by the great English writer J.R.R. Tolkien (1892-1973), The Lord of the Rings has encountered new-found popularity recently with the release of three ?huge-hit? motion pictures. With Bilbo the Hobbit we enter the lands of Middle-earth during the Third Age, some decades before The Lord of the Rings trilogy. Fascinated by the works of the masters of film music, Maxime Aulio structured this work in their way. When the end credits roll, Maxime?s music displays all the basic characters and passages of the novel. From the landscapes of the Shire to Middle-earth, the Great Dragons to Gandalf the Wizard, Bilbo Baggins tells us his story through light and virtuosoarabesques in the solo part. Bilbo the Hobbit is a wonderful addition to the french horn repertoire and one to be a sure-fire hit with horn players everywhere. Fasziniert vom Schaffen der großen Meister der Filmmusik, versuchte Maxime Aulio dieses konzertante Werk über den Fantasy-Roman Werk Der kleine Hobbit von J.R.R.Tolkien in ihrem Sinne zu strukturieren.Wie in einem Abspann illustriert Aulios Musik alle wichtigen Figuren und Passagen der Erzählung in einer beeindruckenden Vision. Von den Landschaften in Auenland bis hin zu ganz Mittelerde, von den großen Drachen bis zu Gandalf, dem Zauberer, erzählt uns Bilbo Beutlin in seinem Solo seine Geschichte in leichten, virtuosen Arabesken.Durant toute une vie, un homme s'est consacré un autre monde, un monde imaginaire drapé du mystère de la littérature fantastique et des légendes. Nous entrons dans une autre dimension. La Terre du Milieu est née, et dans la force de sa flamme créatrice, John Ronald Reuel Tolkien (1892-1973) a donné vie toutes les créatures fabuleuses qui la peuplent : nains, elfes, dragons et hobbits. Nous sommes au Troisième ge de la Terre du Milieu, quelques décennies avant la trilogie du Seigneur des Anneaux. Nous sommes l’ère de Bilbon Sacquet ou Bilbon le Hobbit, un être de petite taille qui vit paisiblement avec ses semblables dans un pays de collines verdoyantes,la Comté. Paix précaire depuis que Bilbon a trouvé l’Anneau Unique jadis forgé par Sauron, le maître du Mal. Car l’Anneau souverain est doté d’un pouvoir immense qui permet son détenteur de se rendre invisible et gouverner les possesseurs des autres Anneaux. Sauron le Maléfique, avide de pouvoir, décide de reconquérir l’Anneau Unique par tous les moyens.Fasciné par les œuvres des maîtres de la musique de film, Maxime Aulio structure cette pièce concertante leur manière. Et tel un générique de fin, sa musique revient sur les passages et personnages fondamentaux du roman. La vision de Maxime Aulio est grandiose. Des paysages de la Comté la Terre du Milieu, des Grands Dragons Gandalf le Magicien, Bilbon Sacquet raconte son histoire au travers d’arabesques virtuoses et éthérées interprétées par le soliste. Bilbo the Hobbit (Bilbon le Hobbit) a été créé par la Musique des Équipages de la Flotte de Brest et Jean-Pierre Cenedese, Cor. Affascinato dal lavoro di Tolkien e dai maestri delle musiche da film, Maxime Aulio struttura questo brano concertante alla loro maniera. La musica riprende passaggi e personaggi chiave del romanzo Bilbo, l’Hobbit. La sua visione è grandiosa. Dai paesaggi della contea alla Terra di Mezzo, dai Grandi Draghi a Gandalf il Mago, Bilbon Saquet racconta la sua storia attraverso virtuosi ed eterei arabeschi interpretatati dal solista.
SKU: BT.DHP-1125290-400
ISBN 9789043141758. 9x12 inches. English-German-French-Dut ch.
Performance pieces for piano and flute in which the level of difficulty for both players is similar are always in demand. The 20 pieces in this book — arrangements of well-known tunes as well as original compositions — are aimed at pupils who have been playing for approximately three years. Both players will learn a great deal and will have double the playing fun. Two is a Team — after all playing together is almost always at the heart of music!Er blijkt steeds weer behoefte te zijn aan samenspeelstukken voor piano en fluit waarin beide partijen een vergelijkbare moeilijkheidsgraad hebben. De 20 stukken in dit boek — zowel bewerkingen van bekende liedjes als originele composities — zijn bedoeld voor leerlingen die ongeveer drie jaar spelen. Beiden zullen er veel van leren en er dubbel plezier aan beleven. Two is a Team — in de muziek draait het immers vrijwel altijd om samenspel!Es gibt immer Bedarf an Stücken für Klavier und Querflöte, in denen die Stimmen für beide Spieler ähnlich schwer sind. Die 20 Stücke in diesem Buch — die sowohl bekannte Melodien als auch originale Kompositionen umfassen — richten sich an Instrumentalschüler , die bereits etwa drei Jahre Unterricht hatten. So können beide etwas lernen und haben doppelt Spaß. Two is a Team — denn schließlich geht es beim Musizieren doch fast immer um das gemeinsame Musikerlebnis!La littérature musicale semblerait être dénuée de morceaux de concert pour piano et fl te traversière dont le degré de difficulté soit peu près le même pour les deux musiciens. Les 20 morceaux de ce recueil — arrangements d’airs connus et compositions originales — sont destinés aux élèves qui jouent depuis environ trois ans. Ils profiteront tous deux de ce travail et prendront doublement plaisir interpréter ces morceaux. Après tout, jouer avec d’autres est un des grands plaisirs qu’apporte la pratique de la musique !Two is a Team raccoglie composizioni originali e brani del repertorio classico noto al pubblico, indirizzati agli strumentisti con circa tre anni di studio alle spalle. Il livello di difficolt dei brani contenuti nella pubblicazione è molto simile per entrambi gli strumentisti, rendendo così più facile un’esecuzione con l’accompagnamento del piano.
SKU: BT.DHP-1125297-400
ISBN 9789043141833. 9x12 inches. English-German-French-Dut ch.
Performance pieces for piano and recorder in which the level of difficulty for both players is similar are always in demand. The pieces in this book — arrangements of well-known tunes as well as original compositions — are aimed at pupils who have been playing for approximately three years. Both players will learn a great deal and will have double the playing fun. Two is a Team — after all playing together is almost always at the heart of music!Er blijkt steeds weer behoefte te zijn aan samenspeelstukken voor piano en blokfluit waarin beide partijen een vergelijkbare moeilijkheidsgraad hebben. De stukken in dit boek — zowel bewerkingen van bekende liedjes als originele composities — zijn bedoeld voor leerlingen die ongeveer drie jaar spelen. Beiden zullen er veel van leren en er dubbel plezier aan beleven. Two is a Team — in de muziek draait het immers vrijwel altijd om samenspel!Es besteht ein Bedarf an Stücken für Klavier und Blockflöte, in denen die Stimmen für beide Spieler ähnlich schwer sind. Die Stücke in diesem Buch — die sowohl bekannte Melodien als auch originale Kompositionen umfassen — richten sich an Instrumentalschüler , die bereits etwa drei Jahre Unterricht hatten. So können beide etwas lernen und haben doppelt Spaß. Two is a Team — denn schließlich geht es beim Musizieren doch fast immer um das gemeinsame Musikerlebnis!La littérature musicale semblerait être dénuée de morceaux de concert pour piano et fl te bec dont le degré de difficulté soit peu près le même pour les deux musiciens. Les morceaux de ce recueil — arrangements d’airs connus et compositions originales — sont destinés aux élèves qui jouent depuis environ trois ans. Ils profiteront tous deux de ce travail et prendront doublement plaisir interpréter ces morceaux. Après tout, jouer avec d’autres est un des grands plaisirs qu’apporte la pratique de la musique !Two is a Team raccoglie composizioni originali e brani del repertorio classico noto al pubblico, indirizzati agli strumentisti con circa tre anni di studio alle spalle. Il livello di difficolt dei brani contenuti nella pubblicazione è molto simile per entrambi gli strumentisti, rendendo così più facile un’esecuzione con l’accompagnamento del piano.
SKU: BT.DHP-1074172-010
Ottorino Respighi was one of the most well known Italian composersfrom the beginning of the twentieth century. His style is influencedby the French impressionists, Rimsky-Korsakov and Richard Strauss,but with his very own touch. Respighi’s fame is mostly based on hisinstrumental works, especially the orchestral triptych of symphonicpoems, which included Feste Romane. This skilful adaptation forconcert band retains all the excitement of the original. Ottorino Respighi, een van de bekendste Italiaanse componisten van het begin van de twintigste eeuw, is met name beroemd om zijn orkestrale drieluik van symfonische gedichten: Fontane di Roma, Pini di Roma en Feste Romane.Het laatstgenoemde werk (waarvan de titel ‘Romeinse feesten’ betekent) bestaat uit de delen Circenses, Il Giubileo, L’Ottobrata en La Befana. Respighi verklankt de essentie van deze historische feesten op eenlevendige manier. De Japanse arrangeur Yoshihiro Kimura heeft het werk op vakkundige wijze bewerkt voor harmonieorkest.Feste Romane ist neben Fontane di Roma und Pini di Roma das dritte der berühmten sinfonischen Gedichte aus dem orchestralen Tryptichon des Italieners Ottorino Respighi. Die vier Sätze Circenses, Il Giubileo, L’Ottobrata und La Befana zeichnen ein musikalisches Bild festlicher Anlässe im alten Rom. Führen Sie mit dieser Transkription Ihr Publikum in den Zirkus, zusammen mit einer Pilgergruppe in die heilige Stadt hinein, zu einem bezaubernden Oktoberfest und feiern Sie zum Abschluss ein überschwängliches Dreikönigsfest!Ottorino Respighi (1879-1936) est considéré comme l'un des plus grands compositeurs italiens du début du XXe siècle. Respighi a composé plusieurs opéras, des ballets, quelques cantates, des œuvres de musique de chambre et des mélodies pour orgue et piano. Son style unique a été profondément influencé par les impressionnistes français, par Rimski-Korsakov et Richard Strauss. Toutefois, il est surtout connu pour son triptyque symphonique Fontane di Roma (Les Fontaines de Rome), Pini di Roma (Les Pins de Rome) et Feste Romane (Fêtes romaines). Le poème symphonique Feste Romane (Fêtes romaines), dernier volet de la trilogie, est composé de quatre mouvements :Circenses, Il Giubileo, L’Ottobrata et La Befana.Circenses (Jeux dans le Circus Maximus)La Rome antique plébiscitait les jeux du cirque (circenses, en latin). Ce premier mouvement reflète l’agitation autour des jeux spectaculaires dans l’immense enceinte du Circus Maximus.Il Giubileo (Le Jubilé)Une procession de pèlerins s’approche de la Cité sainte de Rome. Les cloches des églises se mettent sonner. La musique s’inspire largement d’un chant chrétien occidental.L’Ot tobrata (La fête de la moisson d’octobre)En octobre, Rome fête l’Ottobrata . L’atmosphère est joyeuse, on entend des échos de chasse, des airs de danses et des chansons d’amour. Une sérénade romantique s’élève dans la douceur du soir.La Befana (L’Épiphanie)< /I>La nuit avant l’Épiphanie, la Piazza Navona est envahie par une foule en liesse qui s’apprête célébrer la fête des rois. Des rythmes endiablés viennent clore le poème symphonique.Les sémillantes Fêtes romaines d’Ottorino Respighi puisent leur essence dans diverses fêtes historiques. Le compositeur-arrangeur japonais Yoshihiro Kimura en a réalisé une superbe adaptation pour Orchestre d’Harmonie.