Four by Four

Par BLUESTEIN EVO. La partie i de cette méthode hautement considérée comprend la théorie de la musique de base et les détails de la méthode de 4 étapes facile d'Evo. Partie deux comprend rythmique pianoter des instructions, des changements de corde de mélodie, et paroles de 18 well-known American folk songs et sud fiddle tunes dans les clés de G, F, ut majeur et un modal (clés qui sont fournis sur la norme 12, 15 et 21 bar harpes). Instructions pour transposer aux autres clés sont également inclus. Toutes les chansons sont inclus sur un CD solo performance aux fins de formation de l'oreille et de l'accompagnement. / Niveau : Débutant / Acoustic Music - Methods / Méthode / Harpe

'Something quite curious, I believe? - it was thus that Robert Schumann described the Concert Piece for four Horns and large orchestra in a letter, and he did indeed break new ground with this work as far as the scoring and treatment of the instruments was concerned. When it was composed in 1849, the French horn was still fairly new, enabling players to play previously unheard-of runs and free modulations, a fact which Schumann made the most of, particularly with his scoring for four horns. Even today the Concert Piece is the romantic work for horn par excellence and a benchmark for all soloists. / 4 Cors Et Piano

Your new official bebop bible! Over 200 classics arranged for Bb instruments in Real Book style. Titles include: Anthropology · Au Privave · Be-Bop · Boneology · Boplicity (Be Bop Lives) · Byrd Like · Cherokee (Indian Love Song) · Confirmation · Donna Lee · Doxy · Epistrophy · 52nd Street Theme · Four · Goin' to Minton's · Good Bait · Groovin' High · Hi-Fly · Hot House · In Walked Bud · Jay Bird · Lady Bird · Lennie's Pennies · Moose the Mooche · Move · Oblivion · Oleo · Parisian Thoroughfare · Rosetta · Salt Peanuts · Solar · Teaneck · Tin Tin Deo · Tour De Force · Tricrotism · Wail · Woodyn' You · Yardbird Suite · and more!/ Recueil / Instruments en Si bémol Bb

The Beatles' Solo Years 1970-1980-In the years following the 1960s Beatle fans around the world were twice-stunned: in 1970 when their beloved group disbanded and ten years later when the murder of John Lennon ended a decade of hope that somehow the Fab Fourwould reunite. Fab Four FAQ 2.0 picks up the story where the acclaimed Fab Four FAQ left off. Loaded with images of rare period ephemera including periodicals single sleeves and movie stills this is the firstcomprehensive biography of all four ex-Beatles. This book covers everything from their recording careers in the decade after the band's dissolution to the musicians they played with the bands they influenced the manifestationsof latter-day Beatlemania and the constant clamor for reunion expressed by fans and – sometimes – by the four themselves.

Arrangement for Piano Fourhands-In the 19th century arrangements for Piano four-hands were usually versions which people played at home if the works could not be heard in concert. In cases such as these Brahms did not however just make functional versions butcreatively transcribed his works for the piano. As the composer he allowed himself greater freedom than arrangers for publishers did. In this form his arrangements greatly contributed to the success of his works in musical life inthe 19th century. It is on account of their creativity that Brahms’ arrangements have attracted new interest in musical circles over the last few decades. This Urtext edition of the Symphonies nos. 1 and 2 for piano four handsoffers a scholarly musical text following the recently published volume in the Brahms Complete Edition.

The song cyclette Petit Fours was composed in 1959 by John Corigliano for Voice and Piano based on the four poems by Robert Herrick Ogden Nash Aloysius Bertrand and Samuel Taylor Coleridge. Contents: The Ancient Mariner The Turtle Une Allee Luxembourg and Upon Julia's Clothes. One of contemporary music's most distinguished composers John Corigliano has infused classical music with new life by engaging an unusually broad audience. The only person to have won two Grammy Awards for Best Contemporary Classical Composition he has alsoreceived three other Grammy Awards the 2001 Pulitzer Prize in Music for his Symphony No. 2 the 2000 Academy Award for his score for The Red Violin (his third film score) and the 1991 Grawemeyer Award for Best New Orchestral Composition for his Symphony No. 1.

Studies In Classical, Jazz, Rock And Latin Styles. Par RAE JAMES. Des études en musique classique, jazz, rock et latine stylesJames Rae, Style d'entraînement pour real de soloA saxophone ' d'entraînement de style ' est fournie ici saxophonistes de grade 1 jusqu'au niveau intermédiaire. 40 études originales sont regroupées en quatre sections - classique, Jazz, Rock et latine - tous dans les clés de joueur facile pour maximiser la concentration sur le STYLE. James Rae comprend des conseils et astuces avec chaque pièce et une liste d'écoute à l'appui de ses conseils fort que l'écoute de tous les types de musique est essentiel pour l'acquisition d'un ' sentir ' pour le style musical. Source d'inspiration, amusant et typique de compositions de James Rae, ces pièces sont juste quels élèves veulent jouer./ Répertoire / Saxophone (Soprano, Alto, Ténor)

Les Chardons d'après Van Gogh Discipline / Instrument : Alto et orchestre de chambre Nomenclature : 1( picc).1( ca).2( clB).1(cbn) / 1.1.1.0 / perc / 1.1.2.1.1 Genre : contemporain Média : Partition Nombre de pages : 90 Format : A3 Editeur : Lemoine Réf. : 28792 Date de parution : 28/05/2009 ISBN / ISMN : 9790230987929 Création 09/09/2009 - Turin (Italie), Festival Settembre Musica, Geneviève Strosser (vla), Ensemble Orchestral Contemporain, Daniel Kawka (direction) Commanditaire Commande de l'Etat à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain Notice Van Gogh écrit en 1888 : Le peintre de l'avenir, c'est un coloriste comme il n'y en a pas encore eu. A cette époque, Van Gogh se sépare des impressionnistes, élargit leur intuition de la couleur et la simplifie. La forme-couleur se crée plutôt qu'elle ne se recompose dans notre vision. Van Gogh ne se soucie plus que de l'énergie de l'image. Le peintre séjourne en Arles où Gauguin le rejoint quelque temps. Il veut rénover les fondements mêmes de l'art, changer la technique de la peinture. Il rêve de créer un atelier du Midi et pense trouver là le Japon idéal, les paysages de Monticelli, de Cézanne, le rayonnement du soleil et l'âpre lumière qui annonce l'art de l'avenir. Il forge un style original en deux cents tableaux, parmi lesquels les Tournesols (août 1888), Joseph Roulin, le postier (août 1888), L'Arlésienne (novembre 1888) et Les Chardons, qui datent de la même année. Des tons vifs et crus, des couleurs claires, éclatantes, étalées en des dispositions stridentes à grands coups de pinceau ou au couteau, résument tout le registre expressif de son art. Bleu contre jaune, vert contre rouge écarlate, lilas, gris-rose, gris-violet, bleu et vert, noir et jaune: la seule force des contrastes suffit au déploiement de la forme. Tournesols, oliviers, chaumes, cyprès, ravins, rochers, chardons, tous ces motifs lacérés, distordus, ont l'intensité spontanée d'un tourment intérieur. Van Gogh a délibérément renoncé à la capture de l'instant fugitif comme à la représentation de la lumière, de l'air, de l'atmosphère - la qualité transitoire de l'impression visuelle lui importe peu désormais. Ses toiles sont emportées par la véhémence des touches, la brutale évidence des couleurs, leur vitalité convulsive. Désespoir, lucidité, emportement sont les traits d'un art que l'on a reconnu précurseur de l'expressionnisme. Les Chardons nous découvrent les racines du monde, une sorte de brasier originel d'où jaillissent trois flamèches. Les assises géologiques du paysage - l'expression est de Cézanne - y semblent déchiquetées, consumées dans une perpétuelle fournaise. C'est un enchevêtrement d'arêtes vives, une nature émiettée, une image de passion et de fureur. Au fond, à gauche, se découpe un petit pan de ciel bleu, encastré dans un horizon surélevé de montagnes vertes. La terre, chauffée à blanc, y occupe tout l'espace. Au premier plan, un fourmillement de stries incandescentes qui se tordent et crépitent. Les Chardons d'après Van Gogh - ma propre transposition musicale inspirée du tableau auquel elle emprunte son titre - sont écrits pour un alto soliste et une formation de chambre de quinze instrumentistes. Cette pièce s'attache à restituer la vitalité sourde de la toile, son atmosphère d'embrasement. Elle n'a ni contours ni limites, ni, à proprement parler, de schèmes d'organisation. J'y ai plutôt recherché des agencements formels doués d'une valeur dynamique, donnant au modelé de la masse sonore un rôle ambigu: axes de forces, impulsion des gestes, variété des dimensions directrices, tensions du matériau, conflit des principes formateurs. L'alto décrit en permanence la trajectoire idéale d'un mouvement irréel - formes spiralées, volutes, arabesques. Mais il fraie son chemin dans un milieu constamment hostile. Le choix du timbre de l'alto met en valeur le registre du sous-médium, à l'intensité contenue. La technique d'écriture consiste en une composition de textures, dont le propre est l'enchevêtrement des forces et des formes. Les structures perceptibles elles-mêmes procèdent du seul jeu des masses et des couleurs. J'ai évidemment mis l'accent sur la dynamique de l'interaction des couleurs qui forment la trame sonore. Je nourris toutefois un certain scepticisme à l'égard des méthodes scientifiques et raisonnées qui s'appliquent au traitement des propriétés acoustiques du son. La culture du son n'est pas, à mon sens, réductible à la science du son. La musique, me semble-t-il, a ceci de commun avec la peinture qu'elle peut investir la couleur de qualités contraires. Un bleu violacé peut s'assimiler aussi bien à un pourpre tirant sur le bleu qu'à un bleu en train de rougir. Van Gogh soutenait précisément l'idée d'un dynamisme, et même d'une intentionnalité de la couleur, capable de se déployer selon des foyers et des aires de diffusion, en transgressant toute limite. La musique que je souhaite écrire n'a pourtant rien de commun avec une nouvelle forme d'impressionnisme. C'est le drame que je recherche dans la plastique sonore. Ce drame peut être aussi bien celui des structures dispersées que de l'amplification indéfinie des actes, celui de la violence des masses tumultueuses comme celui du surgissement ou de l'essor. La partition est une Commande de l'Etat, à l'initiative de Daniel Kawka et de l'Ensemble Orchestral Contemporain. Hugues Dufourt

Complete theoretical and practical method for organ-playing in three parts. Par PEETERS FLOR. Flor Peeters, born in Belgium in 1903, is one of the most important organists and organ composers of the 20th century. After completing his studies at the famous Lemmens Institute in Mechelen, he worked there as a teacher of organ and improvisation before becoming professor at and director of the Royal Flemish Conservatoire of Antwerp. Until his death in 1986, Peeters gave concerts all around the world, held numerous master classes and received several awards and prizes for his achievements as a composer, organist and teacher. In his successful three-volume educational work 'Ars Organi', Peeters combines theoretical knowledge and practical exercises on all aspects of organ playing, starting with basic information on the instrument, manual and pedal exercises and two-part manual and pedal playing. While Vol. 2 contains exercises on three-part playing, Vol. 3 contains exercises on four and five-part playing as well as studies on demanding trio playing. Each learning stage is accompanied by pedal exercises and tips on articulation, touch, interpretation, registration and organ specifications - a valuable compendium for every organist. / Méthode / Date parution : 1954-11-20/ Méthode / Orgue

For piano-Sergei Prokofiev was born in Sontsovka in the Ukraine on the 23rd of April 1891. Soon showing a talent for piano and composition by the time he was fourteen he was attending the St. Petersburg Conservatoire where he received extensive schooling inpiano harmony composition and conducting. Prokofiev was greatly interested in contemporary composers (Reger dIndy Debussy and Richard Strauss) and quickly made a name for himself with his revolutionary aesthetic language of great harmonic andrhythmic impact. His compositions were inspired by Symbolism and Futurism two artistic movements predominate at the time. Prokofiev attracted attention through his early works – the Etudes Op.2 and the Pieces Op. 3 and 4 – owing to his specialtechnique and percussive treatment of the piano (similar in some respects to Bartok) although he was also capable of rich melodic invention.Actually composed in 1907-08 before his Four Etudes for Piano Op. 2 Prokofiev’s Four Pieces for Piano Op. 3 and 4 were only published in 1911. Concert pieces some show Scriabin’s influence on the composer especially in the titles.

These four Oboe Sonatas which were originally written by Handel for the treble (or today's alto) Recorder and figured bass are eminently suitable for the Oboe. They have been transposed a fourth lower for practicality and comfort. The four sonatas can also be performed with equal effectiveness by the tenor or the soprano Recorder. Transcribed by Whitney Tustin.

UE's successful collaboration with pianist-teachers Anne-Lise Gastaldi and Valérie Haluk has given rise to a new project. Following Piano Project (UE 33662), which was released in 2006, an illustrious selection of contemporary composers has once again been invited to contribute short piano pieces for young musicians who have completed around four years of piano lessons. The new project aims to bring music together with painting or sculpture, and two Parisian institutions - Musée du Louvre and Cité de la musique - have come on board as partners. The ten participating composers chose one of the paintings and sculptures on display in the Louvre to be used as an inspiration for brief piano pieces of an educational nature, one or two minutes in length, that would give young musicians access to New Music. The book will feature both the new compositions and pictures of the works of art that inspired them. Three UE composers were involved in this project: Georg Friedrich Haas, Cristóbal Halffter - who already contributed a piece for Piano Project - and Wolfgang Rihm. / Piano

Par DUFOURT HUGUES. Erewhon I image d'un monde-genèse, d'un pur espace en action. Décharges, vrilles, turbulences, saccades. Les formes s'enchevêtrent, s'encastrent, ou s'écrasent mutuellement sous la pression du dynamisme qui les soulève. La violence formelle vise à la concentration la plus dense, à l'imbrication la plus serrée. Elle brise et contracte - un formalisme du heurt et de la fracture. La percussion des peaux se prête tout particulièrement aux métamorphoses brutales - libérée de contraintes d'échelle, elle ne s'attache qu'à l'aspect énergétique du son. Avec un nombre suffisant d'instruments, on dispose d'un véritable clavier d'impulsions dynamiques: attaques sèches et abruptes, ébranlements sourds, secousses avec résonance timbrée, ou impacts mats. Rythmique, métrique, dynamique sont totalement dissociées. L'est leur imbrication forcée qui crée la tension de l'oeuvre. La mise en oeuvre consiste à articuler entre elles ces configurations explosives, en jouant plus ou moins de leurs conflits de structure. Erewhon II est un essai de stéréodynamique fantastique. Qu'adviendrait-il d'un espace brusquement saturé de toutes les figures de l'énergie, comme échappées des mailles de l'univers ? Il en surgirait peut-être un monde de pur mouvement sans limite assignable, une tourmente d'architectures tremblées, la prolifération soudaine d'une flambée d'interférences. Pour traduire l'image de cette complexité effervescente, j'ai tenté de réaliser une architecture mouvante de timbres métalliques (plaques de tôle, cymbales, gongs, tam-tams) où prévaudraient la fluence, l'ambiguïté, l'indéfini des transitions. Un jeu de glissements incessants, le recouvrement mutuel des masses sonores tendent à produire un effet de fuite indéfinie. La superposition ou l'alternance des timbres, qui creusent et soulèvent tour à tour l'onde sonore constituent un élément rythmique. Autre forme de scansion: les blocs de lumière plantés dans la masse (vibraphones, glockenspiels) se dressent dans un mouvement de surrection radicale. Dans cette oeuvre, j'ai tenté de tirer systématiquement parti des ressources spécifiques de la percussion pour métaux: modification du timbre par l'attaque, lente transformation de la couleur du son sous l'effet des roulements de baguettes douces (plaques de tôle, gongs, tam-tams), utilisation des grains de résonance (le scintillement progressif d'une cymbale), modulation des spectres dynamiques de la résonance. La percussion métallique modifie profondément les relations entre la production et la perception du son. Elle remet en question l'équilibre traditionnel (instrumental ou vocal) entre les mouvements articulatoires et les ondes acoustiques qu'ils engendrent. Il faut précisément tenir compte de ce coefficient dynamique propre aux résonances métalliques, qui donne naissance à une nouvelle classe de sons 'fluides'. Erewhon III adagio pour percussion qui traite les instruments comme des voix: gongs, cloches tubes, cloches de vache, timbales, marimba. Dans cette oeuvre, j'ai expressément tenu compte de la dynamique globale du son de percussion. Frapper un gong, ébranler un tam-tam, c'est créer un évènement énergétique avec un foyer (le choc), et une aire d'irradiation (le signal rayonné). Le temps métrique est entièrement subordonné à la durée interne de phases de résonance. De plus, la résonance d'un instrument métallique produit une forme dont le modelé s'anime d'un mouvement interne d'expansion. Elle donne à l'espace sonore une loi de croissance, de courbure, elle lui imprime une allure évolutive. Les propriétés physiques de la résonance des métaux dessinent d'elles-mêmes une géométrie expressive. J'ai tenté de tirer parti de cet alphabet de configurations fugaces, mais nettement différenciées par leur spectre de dispersion. Leur emploi contraint à une organisation spécifiée par des lois d'affinité ou de contraste. Enfin, le traitement des cloches et des gongs pose un problème harmonique particulier: on a affaire à des sons hybrides qui s'entendent tantôt comme des hauteurs définies, tantôt comme des sons complexes (paquets de spectres harmoniques), fixes en tessiture, mais sans degré assignable. D'où l'intérêt des équivoques, des oscillations, des transitions entre ces deux régimes distincts du son. Erewhon III est un paysage imaginaire, à la manière d'Edgar Poe: résurgence lointaine d'un écho rémanent. Erewhon IV avec cette oeuvre, j'ai tenté d'approcher une situation limite. Que resterait-il d'un langage dont la parole s'est retirée, d'un discours sans la communication ? Il ne subsisterait rien sans doute, sinon les indices d'un monde aboli, des traces, un souffle, une illusion sonore. J'ai imaginé à ce propos un fourmillement imperceptible, un état dynamique extrêmement ténu, formé d'une grêle d'attaques sèches et incisives sur les peaux. Cette matière est animée de gonflements très lents, de fluctuations à peine marquées, traversées çà et là de coulées métalliques diffuses. Pour modeler ces volumes accordés à leur propre pulsation, je me suis inspiré des techniques de la gravure. L'art de l'entaille sait, avec des moyens d'une précision aigüe, évoquer un lointain, un ailleurs, traduire le flottement d'un espace sans attache. Quelques traits, un dégradé de points, suffisent à susciter un jeu d'ombres, un mélange de clarté livide et de scintillement noir. Précisément, l'esprit de l'écriture musicale ne me paraît pas étranger à cette économie graphique, qui crée du flou avec de l'acéré. C'est pourquoi je me suis limité, dans cette oeuvre, à une composition de grains, plus ou moins resserrés, plus ou moins dilatés: battuto, roulements, frottements, résonances. Extrait du programme du Centre Beaubourg, Paris, 1989 / contemporain / Répertoire / 6 Percussions