Celui Qui Tient Le Monde Dans (VIAN BORIS)

Par DUFOURT HUGUES. Entre 1752 et 1753, Giovanni Battista Tiepolo décora l'immense voûte du Grand Escalier d'Honneur de la Résidence de Würzburg, dont Balthasar Neumann, l'architecte-ingénieur des Schönborn, premier architecte du prince-évêque, avait assumé la construction. Après la paix d'Utrecht, le comte Johann Philipp Franz von Schönborn ouvre l'un des plus importants chantiers de l'époque, celui du château de Würzburg, et le confie en 1719 à Neumann. L'originalité de Neumann consiste en une pensée géométrique particulièrement apte à concevoir et combiner les volumes, à orchestrer les surfaces et les effets de profondeur. Neumann avait reçu une formation d'artilleur et d'ingénieur militaire et nourrissait une passion des synthèses lotharingiennes, quand il n'embrassait pas des projets de 'grande architecture' européenne. Lointain héritier de Guarini, il pousse plus loin qu'aucun autre architecte allemand la réflexion novatrice sur les structures et résout ses problèmes d'espace par ce que les historiens d'art appellent une 'interpénétration syncopée'. Neumann aimait l'ampleur, non la pompe pittoresque. Il voulut édifier à Würzburg un grandiose édifice de portée universelle. En 1752, le prince-évêque Karl Philipp von Greiffenklau confia à Tiepolo l'exécution des fresques monumentales décorant la voûte en ellipse gigantesque de l'escalier d'honneur (30 x 18 m), où le peintre mit en scène l'Olympe et les quatre continents. Tiepolo s'acquitta de sa tâche en deux cent dix-huit journées de travail. La fresque - à l'exécution de laquelle ont contribué Giandomenico Tiepolo, Urlaub et peut-être même Lorenzo Tiepolo - est signée et datée de 1753 sur la corniche, au dessous de l'Asie. La vue d'ensemble du plafond, avec une perspective déformant les bords, est centrée, en plein ciel, sur la figure triomphante d'Apollon, dieu de la lumière. Il s'agit d'une représentation mythologique du lever du soleil. Il se dégage de cette vision de l'Olympe une impression d'émergence aérienne de la profondeur, irrésistible et vertigineuse. Sur la corniche, Tiepolo a représenté les Quatre parties du monde. L'allégorie de l'Afrique se situe à l'Est, du côté intérieur. L'Asie figure à l'Ouest, ornant le côté longitudinal donnant sur la Cour d'Honneur. Le mur ouest est percé de trois fenêtres et s'ouvre sur un horizon dégagé. L'allégorie de l'Asie - emblème de la science et de la monarchie - apparaît en costume d'apparat, assise en amazone sur un éléphant et parée de joyaux somptueux. C'est une figure savante, animée d'un mouvement de torsion. La frise de l'Asie reste une énigme et la signification symbolique des divers personnages du groupe à l'obélisque n'a, par exemple, pas encore été entièrement élucidée. Des mondes historiques coexistent ou s'affrontent: on remarque le Golgotha, les hiéroglyphes de pierre, le serpent d'Esculape, l'obélisque, une pyramide et la princesse d'Egypte, la capture d'une tigresse, le perroquet, illustrant la faune, et surtout, au premier plan, la masse des esclaves enchaînés, des prisonniers gisant au sol ou des sujets prosternés. Cet aspect trouble de la frise a d'ailleurs retenu l'attention des commentateurs. La présence d'une escorte de soldats fait sans doute allusion à l'importance militaire du continent, mais il est manifeste que le thème de la captivité y est traité conjointement à celui de la servitude volontaire. Un esprit nouveau souffle sur cette dernière frise: des figures dramatiques, livides, des plans fragmentés, des situations amèrement réalistes, un enchevêtrement de corps distordus et anonymes. Un vent immatériel semble tout ployer, tout emporter sur son passage, dans l'urgence d'une impérieuse nécessité. L'Asie se souvient des gravures de Rembrandt, retrouve la manière des vingt-quatre hallucinantes eaux-fortes - les Scherzi di fantasia (1739-1757) - de Tiepolo lui-même et annonce les Caprices de Goya. Le capriccio semble le principe formel de cette fresque monumentale: un assemblage fantastique d'éléments disparates, une recomposition insolite de mondes engloutis, une évocation morbide d'espaces cacéraux. Je considère l'Asie de Tiepolo comme une sorte de manifeste anticipé de la musique de notre temps: un monde privé de couleurs, qui tourne au brun et au gris, et néanmoins dominé par une forme d'accélération expressive. Tiepolo a écrit là une sorte d'art poétique de la musique de l'avenir. On y découvre un éventail de vitesses, un spectre de vitesses, des espaces turbulents, des dispositifs en porte-à-faux, un entrelacs d'axes et de boucles. Flux, pivotements, tensions latérales, dilatations, projections, degrés d'éloignement sont les nouvelles catégories de cet art poétique. L'idée principale est qu'il faut s'attacher d'abord aux gestes élémentaires, qui priment la considération toujours seconde des spectres de variation. Ma propre Asie d'après Tiepolo est une commande de la Westdeutscher Rundfunk et de l'Ensemble Recherche, avec le soutien de la Ernst von Siemens Musikstiftung. Elle fait suite à l'Afrique, créée dans les mêmes conditions en 2005 à Witten. J'ai employé dans l'Asie une large palette de percussions d'un type nouveau (gamme chromatique de gongs philippins, de cloches de vache, de rins japonais). J'ai réutilisé le procédé des temporalités paradoxales de Saturne, consistant à rapporter à une mesure métrique et métronomique commune des vitesses de déroulement et des types de développement et d'écriture très différents. La première partie de la pièce fait un emploi systématique des sons multiphoniques des instruments à vent, à la manière d'un continuum électronique. La fin, plus apaisée, gravite autour d'un duo de clarinette contrebasse et de marimba, dont la mélodie est obtenue par un jeu d'archets. Le piano tient d'un bout à l'autre un rôle central, dans une sorte de véhémence acoustique qui ne parviendrait jamais à la formulation subjective. Les cordes sont traitées à la manière d'un trio, avec des textures denses et saccadées. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Ensemble

Violon et marimba. Par TOSI DANIEL. Cette oeuvre de virtuosité s'appuie sur les modèles de l'histoire des musiques du monde... Difficile-très difficile. 10 - 15 mn Mais, c'est surtout l'interactivité d'un objet sonore mouvant qui m'a passionné. Au-delà d'une tonalité simple, il se dégage une multitude d'harmoniques, qui brouillent le schéma habituel. Il ne s'agit pas seulement d'un jeu musical d'exécution transcendantale. La surimpression entre les deux protagonistes est le lieu de rencontre de forces dynamiques autour de diffractions et de mélodies éclatées. L'expression musicale doit naître de ces rencontres de vitesses variables. Tantôt une cellule de base engendre des éléments discursifs de même contenu, tantôt elle fait place à des incrustations curieuses qui détournent le discours vers de brefs imaginaires. Ces dessins juxtaposés ou superposés apparaissent comme reliés par un flux énergétique permanent pour recréer un processus de vie sur des écritures sonores. La mobilité du spectre produite par ces hauteurs vivement étalées m'a poussé à l'alimenter au moyen d'une rythmicité précise, aux accents multiples. Le but final étant de créer un tourbillon électronique aux contours ciselés et au déroulement imperturbable, modifié seulement par les accélérations ou les ralentis - ceux-ci sont notés dans le contenu rythmique et imposent une stabilité hors du temps et ' anti conformiste '. L'ensemble doit s'échapper, s'élever et butiner dans l'air avec légèreté. Le mouvement central rassemble, au contraire, tout un potentiel expressif imaginaire et sous jacent. C'est une sorte d'accompagnement où le chant ne parvient pas à jaillir mais doit s'imposer par le phrasé. Celui-ci éclatera dans le final sous forme d'un jet de poussière exalté. Né en 1953 à Perpignan, Daniel Tosi est aujourd'hui compositeur et chef d'orchestre. Il obtient six premiers Prix au CNSM de Paris. Parallèlement, il accomplit des études à la Sorbonne où, après avoir réussi l'agrégation, il obtient un doctorat es lettres du Troisième cycle (mention Très Bien). Titulaire également de deux Certificats d'Aptitude (Analyse et Direction des Conservatoires Nationaux de Région), il occupe un poste d'inspecteur à la Direction de la Musique et entreprend un travail pédagogique selon sa triple activité de composition, recherche et direction d'orchestre. En 1983, Daniel Tosi obtient le Prix de Rome. Pensionnaire de la Villa Medicis jusqu'en 1985, il reçoit cette même année le prix Georges Enesco décerné par la Sacem. En 1986, il reçoit le Prix de la Villa Medicis Hors les Murs lui permettant de réaliser une oeuvre à l'étranger (Barcelone). En 1999 Daniel Tosi obtient la distinction d'Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres et, plus récemment, reçoit le prix Claude Arrieu (décerné par la Sacem) Ses oeuvres sont régulièrement jouées dans de nombreux festivals de musique contemporaine (Paris, Rome, Strasbourg, Turin, Milan, La Rochelle, Bourges, Perpignan, Caen, etc) par des formations diverses ainsi que par des solistes renommés (Ensemble de l'Itinéraire, les Percussions de Strasbourg, le Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio France, l'ensemble Solars Vortices, TM +, Jean Lennert, Jean Geoffroy, etc) Outre ses activités de compositeur et chef d'orchestre, Daniel Tosi dirige le Conservatoire Perpignan Méditerranée depuis 1989. / Niveau : Difficile à Très Difficile / Répertoire / Violon et Marimba

Par ALAIN CARRE. Collection ConsonanceEn musicothérapie, les travaux portant sur l'étude des processus musicaux, des bases biologiques et physiologiques, des effets psychologiques et du vécu corporel de la musique, permettent de préciser ses indications, ses contre indications et ses limites. La musicothérapie est une forme de psychothérapie qui repose sur la relation tripolaire thérapeute / patient / musique. Son champ d'application déborde le domaine de la psychiatrie pour s'étendre à  toute la pathologie. Tous les ges sont concernés. Toutes les musiques, profanes ou sacrées savantes ou populaires, anciennes ou contemporaines, de toutes les cultures présentent un intérêt. Les méthodes d'application sont multiples : d'écoute et d'improvisation, individuelles et groupales...Dans la mesure où il s'agit d'une thérapie destinée à  des patients, des rêgles de sérieux, de qualité des prises en charge, et d'éthique sont incontournables. Seuls peuvent appliquer la musicothérapie des spécialistes ayant une triple formation : à  la musique, à  la relation thérapeutique et aux méthodes d'utilisation de la musique comme outil de sons. Tels sont les auteurs des ouvrages de la collection ' consonance ' , tous musicothérapeutes et enseignants reconnus. Ils mettent à  la disposition du public leurs connaissances théoriques et les résultats de leur longue expérience clinique et pédagogique. Alain Carré nous emMène cette fois en voyage musical sur la planête des sourds. Que peut donc percevoir de la musique une personne sourde ' Quels intérêts peuvent représenter la musique quand on est malentendant 'L'auteur répond à  ces questions en apportant une expérience pédagogique de plus de trente années de pratique musicale avec les enfants et les adultes sourds. Si ce livre s'adresse en premier à  tous ceux dont l'audition et la musique intéressent, il est aussi, pour le grand public, révélateur de l'importance de la musique pour tous, des premiers mois de la vie aux derniers, qu'elles qu'en soient les conditions de perception. Pour les enseignants, les professeurs de musique, ce livre apporte une quantité impressionnante d'exercices musicaux détaillés et accompagnés de leurs supports pédagogiques, destinés à  l'éducation auditive et à  l'éveil musical. Aprês ' Musique et Handicap ' , ' Musique et surdité ' ouvre définitivement la porte de la musique à  tous ceux qui n'y avaient pas accês jusqu'à  présent, en apportant des connaissances inédites sur l'audition et des moyens pédagogiques originaux applicables aux malentendants comme aux entendants. Dans ce livre, la musique apparaît comme le meilleur moyen de réduire le fossé entre le monde de ceux qui entendent et celui de ceux qui n'entendent pas. Un audacieux défi humain que chacun peut relever. Livre (280 pages - format 15 x 22 cm) / Relié / Livre / Livres

Zeppelin Symphony (Symphonie « Zeppelin ») est une commande de la ville de Friedrichshafen (Allemagne) à l?occasion du Centenaire de la Fondation Zeppelin.De tous les dirigeables rigides le zeppelin est celui qui rencontra le plus de succès. Il tient son nom du comte Ferdinand von Zeppelin qui en initia la construction. De 1900 à 1940 le zeppelin fut utilisé pour le transport de passagers et à des fins militaires. Contrairement à d?autres types d?aéronefs les zeppelins ont connu un tel engouement que le nom « zeppelin » finit par désigner tous les aérostats de type dirigeable rigide et plus généralement tout ballon dirigeable. Le premier mouvement décrit leformidable esprit d?entreprise d?un homme à l?esprit visionnaire. Les mesures de fin brossent un large portrait du comte von Zeppelin qui voit en songe son dirigeable flotter au-dessus de lui.Avec le second mouvement nous pénétrons au cœur d?un hangar à dirigeables. La construction d?un tel engin volant suscite un immense enthousiasme des gens impliqués dans ce projet. Mais le passage central est plus sombre ; on sent les esprits résignés l?appréhension d?un échec l?éclatement de la guerre plusieurs accidents surviennent mais les hommes sont tenaces et persévérants. Ils poursuivent leur rêve : construire un immense « cigare volant ».Dans le troisième mouvement le zeppelin décolle enfin. Léger et en silence le dirigeable flotte dans le ciel. Après un long voyage on le voit s?approcher de plus en plus. Au sol les gens s?affairent. La joie est immense. Le zeppelin a jeté un nouveau pont entre les peuples et nations.Dans le quatrième mouvement l?Europe est en guerre. Le dirigeable rôde dans le ciel de Londres. Il sème la panique et la terreur sur la ville. Le géant des airs semble venir d?un autre monde projetant son ombre menaçante sur des événements de guerre. L?Europe est anéantie. Avec elle disparaît le symbole de l?industrie du dirigeable.Le finale de l?œuvre raconte l?histoire d?une renaissance. Le dirigeable renaît

Chaque vie recèle des ailleurs désirés, de même que chaque mot. L'écriture poétique de Philippe MACAIGNE s'attache à laisser circuler dans les manifestations du quotidien l'incertain, le fluide, l'instable qui en font le prix. D'un repère à l'autre, le regard s'inscrit dans l'indéterminé d'une présence au monde qui chaque fois reste à apprivoiser, pour tenter d'y demeurer. Le réel, ce qui est susceptible de voler en éclats, se maintient alors en équilibre dans les rythmes, les variations du silence qui guident la forme du poème. L'oeil s'aiguise à accueillir le vide d'espaces lointains ou proches, à en habiter les souffles. Les quatre-vingt six peintures qu'Etienne YVER a ici créées viennent accompagner les 17 parties du poème, tissant ainsi en écho leur réseau d'images et de sens en contrepoint. '[?] L'art n'est pas une réponse à l'immédiateté : il réclame lenteur, attention, décalage et distanciation.' Couleurs et formes ont puisé dans le texte leur évidence propre : interrogeant ' l'humanité de l'homme ', leurs résonances explorent, du regard intérieur, de celui porté au-dehors, les points de rencontre et d'alliance. L'écriture picturale se joint à l'écriture poétique, chant parallèle à celui des mots. / Livre

Alors que la plupart des ouvrages consacrés à l'Histoire de la musique russe font débuter leur propos au XVIIIe siècle, celui-ci est le premier à remonter aux sources. Les chants médiévaux, aussi bien païens que religieux, constituent un patrimoine dans lequel s'est enracinée la musique ultérieure. La constitution progressive de l'Etat russe, à travers la personne de ses souverains, a façonné le pays et a donné lieu à des célébrations et à des institutions d'encadrement de la vie musicale. Les règnes d'Ivan le Terrible, de Pierre le Grand, de Catherine II sont autant de jalons dans l'évolution de la musique russe. Les pères fondateurs (Glinka, Dargomyjski) sont largement honorés avant que la plus grande place soit accordée aux gloires du XIXe siècle : le groupe des Cinq (Balakirev, Cui, Borodine, Moussorgski et Rimski-Korsakov) et, bien sûr, Tchaikovski. Cette période du plus grand rayonnement de la musique russe se poursuit avec une ouverture sur le reste du monde dont témoignent des compositeurs comme Rachmaninov et Scriabine, tandis que les échanges entre la Russie et l'Occident s'intensifient. La révélation des Ballets de Diaghilev impose l'art russe sur la scène internationale, et le XXe siècle s'ouvre aux hommes nouveaux tels Stravinsky et Prokofiev. Autant que les compositeurs et leurs ?uvres, sont évoqués ici tous les aspects de la vie musicale dans la société : l'enseignement, les concerts et leur programmation, l'opéra, la presse, l'édition. Une place importante est dévolue à la musique religieuse, au folklore, de même qu'aux liens que la musique entretient avec les autres arts et la littérature. Cet ouvrage est autant une histoire de la musique russe qu'une histoire de la Russie à travers la musique.