Le compositeur tchèque romantique Antonin Dvorak (1841-1904) est probablement connu du grand public grâce à sa symphonie n°9 intitulée Le Nouveau Monde. Mais outre ces 9 symphonies Dvorak a composé de nombreuses musiques de chambre des uvres vocales ainsi que des uvres pour piano solo. Parmi les trois ouvertures quil a écrites larrangeur Jan Rypens a choisi celle-ci. Défi musical issu du répertoire romantique cette uvre donne une note pleine de style à vos ouvertures.

Par CORDERO ERNESTO. Concierto Festivo du Cordero, pour guitare et orchestre à cordes, est son plus récent ouvrage, écrit en 2003. Il a été commandé par l'Université de Porto Rico, pour célébrer le 100e anniversaire de sa fondation et la réouverture de son théâtre. Le concerto comporte trois mouvements, écrits dans un style modal et neo-romantique, dans lequel les éléments contrapuntiques de la Renaissance espagnole combinent avec les harmonies contemporains, lui donnant une saveur distinctive qui est présente dans la plupart des oeuvres de Cordero. Comme dans ses précédents concertos, influences Afro-Antillais apparaissent parfois dans cette composition, avec leurs riches, rythmes somptueuses. Ernesto Cordero explore créative les ressources sonores de la guitare, il offre une fonctionnalité solo virtuose enrichie par les dialogues avec les autres instruments. Dans plusieurs sections lyriques de la pièce, les projets et brille de guitare romantique spirit, par le biais de belles phrases qui reflètent la passion du Cordero pour la vie et pour sa bien-aimée de Porto Rico. / Niveau : Intermédiaire à Avancé / Contemporary - Chamber / Recueil / Guitare Classique et Orchestre

Le 24 décembre 1818 Franz Gruber (1787-1863) compositeur et organiste autrichien mettait en musique un texte rédigé par le prêtre de sa paroisse. Il ne se doutait pas que sa composition deviendrait l?un des noëls les plus célèbres. Stille Nacht (Douce Nuit) est un chant romantique et lyrique alliant les caractéristiques de la musique traditionnelle autrichienne d?alors à celles des pastorales italiennes.

L?histoire de la genèse de la 4e Symphonie remonte probablement aux années 1870, alors que Brahms travaillait sur la cantate de Bach «Nach dir, Herr, verlanget mich», dont le thème de la chaconne préfigure la cellule du final.

Autour du 29 août 1885, Brahms écrivit à Hans von Bülow depuis Mürzzuschlag dans le Steiermark: «J?ai là quelques entr?actes ? ce que l?on a coutume de réunir sous le nom de symphonie. [?] Je crains [?] qu?elle a le goût du climat local ? ici les cerises ne mûrissent pas.» Aucune trace de cerises «amères» dans cette symphonie. L?oeuvre est aujourd?hui un des sommets de la symphonie classique-romantique.

Notre Studien-Edition tout à fait maniable et à un prix abordable se base sur le texte de l?édition complète des oeuvres de Johannes Brahms (HN 6015). / [Symphonie n° 4 en mi mineur op. 98] / Classique / Partition de poche / Cartonné / Plats de carton /

Par MURAIL TRISTAN. (...) (Les Sept paroles) bénéficie(nt) des plus récents développements sur le plan de la synthèse vocale. L'intervention de l'ordinateur durant le concert a été remplacé par une collection très élargie d'échantillons que le compositeur a élaborés avec son assistant (Grégory Beller) dans les studios parisiens de l'Ircam. Pendant le concert, les échantillons audio sont activés par un seul clavier situé au centre de l'orchestre. De cette façon, la synchronisation entre musiques acoustique et électronique est parfaite. Cette technique permet de confronter un choeur virtuel au choeur réel. Ceci est de très grande importance, car les chanteurs, si doués soient-ils, sont limités en termes de registre ainsi qu'en capacité d'intonation. Tristan Murail indique : 'A certains moments précis, le choeur virtuel chante dans l'extrême aigu ou dans l'extrême grave et produit des micro-intervalles qui complètent les hauteurs diatoniques du choeur réel. J'utilise également des effets électroniques d'écho et de spatialisation qui présentent des similitudes avec le Requiem de Berlioz.' Mais la référence à la musique de l'époque romantique s'arrête là. Les chanteurs de chair et d'os ne chantent pas une histoire ni ne traduisent d'émotion vive, sauf au milieu de la partie 4, où la partie de choeur atteint un point culminant. A l'échelle de l'ensemble de la pièce, l'orchestre et le choeur sont parfaitement unis. Ceci correspond à la sobriété de l'approche de Tristan Murail qui n'a pas voulu écrire un oratorio, mais 'une oeuvre orchestrale avec voix'. Pour les mêmes raisons, il s'est tout à fait détourné de l'idée d'un soliste qui représenterait le Christ. 'Je voulais absolument éviter le pathos du XIXème siècle. J'espère que l'émotion viendra de la forme musicale et non des mots. Afin de ne pas me laisser entraîner par le récit, j'ai d'abord écrit les notes. Ce n'est qu'ensuite que j'ai réfléchi à la mise en place du texte. J'ai pu ainsi dans mon processus de composition tenir le contenu sémantique à distance.' (Tristan Murail). L'oeuvre commence par une introduction orchestrale de treize minutes qui édifie un décor où sont déjà mis en exergue certains éléments musicaux déterminants. Suivent les sept paroles elles-mêmes (sept parties enchaînées). Afin de fournir à l'auditeur des repères quant au déroulement de la forme, chaque partie est annoncée par des sons de cloches échantillonnés. Les textes de l'oeuvre n'ont pas tant trait aux sept dernières paroles du Christ en elles-mêmes qu'à un besoin spirituel plus général qui correspondrait à la condition humaine. Les mots désespérés du Christ en croix : 'Mon Dieu, mon Dieu, pourquoi m'as-Tu abandonné' (Matthieu, 27-46), sont empruntés à un Psaume dans lequel le croyant se plaint explicitement auprès de l'Eternel : 'Mon Dieu, j'appelle de jour et Tu ne réponds pas - et, de nuit, je ne m'apaise pas.' (Psaume 22-3). Tristan Murail a été touché par cette plainte et par l'interprétation radicale qu'en donnera Nietzsche bien des siècles plus tard : 'Dieu est mort'. Sa composition se termine dans la déception par un choral extrêmement doux, presque murmuré, dans lequel le choeur répète la ligne du Psaume. Dans l'oeuvre de Tristan Murail, la voix humaine joue un rôle discret. Il n'y a pas de chant soliste. Le chant choral intervient trois fois seulement : dans ces Sept paroles, dans leur précédent de 1988 et dans ...Amaris et dulcibus aquis... pièce pour choeur, synthétiseur et électronique de 1994. Est-ce que Tristan Murail cherchera à dépasser à l'avenir l'énorme faille existant entre chant et spectralisme ? Son collègue spectral Gérard Grisey s'est tourné vers la musique vocale dans les dernières années de sa vie de manière très réussie. Tristan Murail nous dit que : 'la voix humaine ne fait partie d'aucun de mes projets pour les trois prochaines années. Il y aura peut-être des possibilités plus tard. Pendant la composition des Sept paroles, j'ai fait des découvertes dans ce domaine. J'ai par exemple été très satisfait du choral spectral qui revient à plusieurs reprises et de la manière dont, dans la cinquième partie, la mélodie vocale est colorée par le son de l'orchestre. Le choeur chante des intervalles simples qui sont perçus différemment grâce aux harmonies spectrales de l'orchestre.' Michel Khalifa, Extrait du programme de salle des ZaterdagMatinee, Concertgebouw Amsterdam, 10 avril 2010 Traduction française : Editions Henry Lemoine / contemporain / Répertoire / Orchestre, Choeur et Electronique

Patron of lovers and bridesmaids-La composition était à l?origine un cadeau de Noël pour Valentin le fils cadet du compositeur. Valentin est aussi le saint patron des amoureux. Il aurait été un pauvre prêtre connu pour sa guérison d?une fille aveugle et aurait offert des fleurs de son jardin à ceux nécessitant de l?aide et du réconfort. Le jour de la Saint-Valentin est célébré depuis le XIVe siècle reconnu surtout comme une célébration annuelle du jour le plus romantique. Cette ?uvre est en style de choral avec une touche de romance !

De temps à autre il arrive qu?on ressente des papillons dans l?estomac. Chacun connaît cette sensation grisante qui naît de l?émotion du sentiment amoureux. C?est ainsi que Butterfly Overture développe une mélodie délicieusement romantique. Mais le papillon se révèle également imprévisible il volette joyeusement libre d?aller où il veut. La flûte introduit alors un thème virevoltant qui chemine sous la forme de variations à travers l?ensemble des pupitres de la formation. Et la chenille devient papillon?

for Trumpet (Flugel Horn) and Band-Chacun des trois tableaux de cette pièce captivante s?identifie par un caractère musical particulier. De style néoclassique le premier mouvement est pétillant et virtuose. Dans le deuxième mouvement - écrit pour le bugle - l?accompagnement offre un tapis sonore doux et romantique qui permet à l?instrument soliste de dévoiler son charme et son élégance. Le troisième et dernier mouvement baigne dans l?atmosphère ?bluesy? d?une soirée passée dans l?ambiance feutrée et enfumée d?un vieux club de jazz de Chicago. Cette pièce est également disponible dans une version pour Trompette et Piano. (1175-04-401 M S16)

Studio-Pop est une pièce en cinq mouvements. 1. Marching on a String (?En marchant sur une corde?) est une marche aux inflexions de rock qui affirme un rythme dynamique et moderne. 2. Dreaming of Summer (?Rêves d?été?) est écrit dans un chiffrage de mesure assez inhabituel dans la musique pop la mesure à 3/4. 3. Chicken Charley est inspiré d?un souvenir de vacances sur la Côte d?Azur où le compositeur a été impressionné par un jeune Antillais vendeur de grillades de cuisses de poulet. La souplesse de ses mouvements transparaît dans la musique fortement dansante. 4. Candlelight (?À la lueur d?une bougie?) est une ballade gracieuse etmoderne qui pourrait servir de toile de fond à un dîner charmant. Les harmonisations sont passionnantes mais trouvent toujours leur résolution dans une atmosphère romantique. 5. Discoteca vous plonge dans la vie nocturne d?une discothèque espagnole. Les accords typiquement espagnols et le rythme exaltant créent un finale exubérant.

Ce choral aux lignes délicates et épurées débute avec ferveur. Les bois évoluent avec délicatesse et transparence magnifiés par les cuivres qui se joignent élégamment au développement. Dans le passage central le thème principal est exposé à plusieurs reprises dans différentes tonalités. Une coda séduisante et romantique vient conclure la composition. Moment Musical est un délicieux flot de légèreté.

True Love's Kiss ?'? Andalusia ?'? Nathaniel and Pip ?'? That's How I Know ?'? Enchanted Suite.Enchanted (Il était une fois) débute comme de nombreux classiques des studios Disney : dans une forêt enchantée où les animaux parlent une jolie princesse est sauvée par un beau prince charmant que le hasard menait par là. Mais très rapidement la magie du merveilleux monde de Disney rencontre le cynisme de notre société moderne. On obtient alors une comédie romantique humoristique dans un contexte réaliste. La bande originale drôle et accrocheuse est signée Alan Menken le génie musical des films d?''animation.

Par PEPIN CAMILLE. Lorsque l'on m'a proposé de mettre en musique ce recueil de poèmes de James Joyce (1882-1941), j'ai été immédiatement séduite par l'idée. Il s'agissait de mettre en musique ces poèmes en respectant l'ordre original selon lequel ils ont été conçus par James Joyce lui-même lors de la première édition de 1905 [1]. Avec la précieuse aide de Philippe Blanchon [2], j'ai choisi de mettre en musique dix-huit poèmes, conservant ainsi les épisodes incontournables, la trame dramaturgique et l'essence de l'univers Joycien. Ce qui m'a attirée d'emblée, c'est qu'il s'agit d'une véritable histoire : de la naissance de l'amour à la passion déclinante, menant à une éventuelle et tendre amitié entre les deux amants. J'ai donc conçu Chamber Music d'un seul tenant. Au-delà des nombreuses références à la musique et aux sons de la nature - déjà 'musique' en eux-mêmes - l'oeuvre littéraire appelle à la mise en musique par sa forme. En effet, elle est déjà musicale dans sa construction. Les trois premiers poèmes constituent le prélude exprimant la solitude du poète. Nous assistons dans la première partie - crescendo - à la naissance de l'amour entre les deux amants, menant au poème central et point culminant de l'oeuvre : 'My Dove, my beautiful one'. La seconde partie - diminuendo - raconte la passion déclinante des amants qui nous conduit au finale, écho du premier poème et à la solitude du poète. Le prélude musical illustre le paysage - tant visuel que sonore - décrit par James Joyce : 'Strings in the earth and air make music sweet', 'There's music along the river', 'The sighs of harps', 'Soft sweet music in the air'. Inspirées de sonorités traditionnelles irlandaises, les mélodies de la première partie présentent un aspect populaire issu du folklore, comme une ode au monde de la danse - prégnant en Irlande. Ces mélodies modales et mélismatiques semblent improvisées, à la manière du chant gaélique irlandais. Elles se transforment au fur et à mesure en une véritable épopée romantique, expression de la relation passionnelle et charnelle des deux amants : 'Hurry over the dark lands and run upon the sea for seas and land shall not divide us my love and me', 'The odorous winds are weaving a music of sighs'. Ces mélodies extatiques, à la fois tendres et fragiles, tentent d'exprimer cette ivresse, cet état extatique - véritable état de 'transe' qui nous submerge lorsque l'amour envahit notre âme sans que l'on s'en aperçoive. La deuxième partie reprend ces divers éléments musicaux dans leur cheminement inverse. Passés par le filtre de la mélancolie de l'amour déclinant au fil du temps, ils témoignent de la perte de repères après la séparation avec l'être aimé : 'Lay aside sadness and sing how love that passes is enough', 'Love came to us in time gone by'. Enfin, le finale exprime le retour à la solitude du poète, comme une résonance du début de l'oeuvre : 'The voice of the winter is heard at the door', 'My kiss will give peace now and quiet to your heart'. Sans cesse en écho les unes des autres, les mélodies s'entremêlent dans un contrepoint lyrique et sensuel. En effet, le titre même du recueil m'a inspiré une oeuvre où chaque instrument serait d'égale importance. Le lyrisme de l'un ne peut exister sans l'autre. Ainsi, le rôle du quintette n'est pas seulement un accompagnement de la voix soliste. Leurs lignes d'amour se mêlent avec volupté les unes aux autres. Plonger dans l'univers Joycien a impliqué mon immersion totale dans l'oeuvre. Lire ses mots, penser ses images, imaginer ses sonorités, a été un travail passionnant et c'est avec nostalgie que je referme ce recueil aujourd'hui. J'espère cependant avoir su retranscrire son univers poétique au plus proche. Je profite de cette note pour remercier Philippe Blanchon pour son aide précieuse et Claire Bodin [3] pour sa confiance. C'est à la fois un grand honneur et un plaisir immense de rendre hommage à si grand artiste et de voir ce chef d'oeuvre littéraire naître une seconde fois en musique. / Contemporain / Répertoire / Sextuor

Ce thème d?amour tiré du film du m?me nom de James Berardinelli (1988) a été composé par Ennio Morricone compositeur de musiques de film par excellence.Jan Rypens a superbement arrangé ce thème simple et magnifique qui sera parfait pour une pause romantique dans un de vos concerts ou comme ?uvre de prélude lors d?un concours.

Tanabata-Au Japon de grandes célébrations ont lieu à travers tout le pays le 7 juillet à l?occasion du jour férié connu sous le nom de Tanabata. Il est basé sur la légende d?un jeune homme et d?une jeune femme qui sont séparés par la Galaxie et ne peuvent se voir qu?une fois par année ce jour-ci. The Seventh Night of July est l?interprétation musicale d?Itaru Sakai de cette légende romantique. Les solos de bugle et euphonium du mouvement central représentent les deux thèmes principaux de la légende.

Recorded by Train-Peut-être que le nom du groupe ne vous dit rien et pourtant il est très probable que vous ayez déjà entendu voire fredonné un de leurs titres car avec Hey Soul Sister le groupe Train a signé l?un des meilleurs singles pop de l?année 2010. Cette ballade romantique et sucrée fut numéro 1 dans 16 pays et certifi ée à quatre reprises disque de platine aux États-Unis. Épatez votre public !