C'était à Madrid en 1771 que deux compositeurs simultanément 'découvert' et invente le quatuor à cordes comme genre musical nouveau: Luigi Boccherini et Gaetano Brunetti. Les quatuors à cordes du compositeur italien Antonio Capuzzi, d'autre part, sont probablement les seuls qui ont tous été créés en Italie. Comme les contributions de Mozart à ce genre, le Quintette en sol majeur est écrite pour deux violons, deux altos et violoncelle. Rédigé sous forme concertante, le travail permet à tous les joueurs ont leur mot à dire musicale, offrant à la fois solistes virtuoses chiffres et de nombreux solos mélodiques. Le travail montre Capuzzi du style personnel de musique de chambre, un vrai cinq volets de réglage qui semble parfois orchestre. Un atout précieux pour le répertoire quintette pour cordes - bon divertissement en jouant et en écoutant garanti! / 2 Violons, 2 Alto Et Violoncelle

Gaetano Brunetti, qui est né en Italie, probablement en Fano, en 1744 et mort à Madrid en 1798, était parmi les compositeurs les plus progressistes de son temps. Il rejoint la Cour de Madrid dès le début et sous le roi Charles III rose pour le poste de professeur de violon et Bugles du Prince des Asturies, le futur roi Charles IV. Sous son règne, la vie musicale à la Cour d'Espagne a gagné en importance et Brunetti rose d'être le directeur de l'orchestre royal de chambre fondée en 1795. Le quintette à cordes présents s'engage au style concertante. Comme toutes les parties dans cette pièce peuvent changer leur fonction, les registres sont souvent changés ainsi qui mène à un paramètre de chaîne avec les plus subtiles nuances tonales. Ce quintet est un ajout précieux pour ensembles de l'intéressé. / 2 Violons, 2 Altos Et Violoncelle

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Tous les chants sont accompagnés de leurs accords de guitare. - 370 chansons d'hier et d'aujourd'hui Le troisième recueil innove pour satisfaire une demande grandissante : en complément des chansons de variété française, des chansons de fête et de veillée, des canons et ritournelles, on y trouve davantage de variété étrangère, des génériques de séries télévisées, ainsi que quelques comédies musicales et opérettes incontournables telles que 'Notre-Dame de Paris', 'Émilie Jolie'? La première et la deuxième partie s?organisent selon l?ordre alphabétique des noms d?interprètes ; les autres parties selon le titre des chansons

Study Score. Par DVORAK ANTONIN. Dvorák n'avait que vingt ans quand il écrivit son Quatuor à cordes n o 1 en la majeur, op. 2 (1862). Le travail est considéré comme le deuxième compositeur travail le plus important, après le Quintette à cordes en la mineur op. 1. Dvorák ne sont pas retournés au travail sur op. 2 jusqu'à 1887, quand il a été la révision de ses premières oeuvres. Il a supprimé les sections de ce quatuor substantielle n'épargnant que le Scherzo, les autres mouvements, où tous coupés par près d'un tiers. Le travail a finalement été créée par des musiciens d'orchestre du Théâtre national, mais une édition imprimée n'a pas été publié avant le milieu du 20e siècle. Cette nouvelle édition Bärenreiter présente le texte musical principal de l'édition complète de 1989, qui donne à l'oeuvre dans sa forme définitive, après la révision de Dvorák. L'édition est basée sur le manuscrit autographe et sur les pièces manuscrites. - Avec la nouvelle préface (Cz / Eng / Ger), qui sont basées sur les recherches les plus récentes/ Répertoire / 3 Violons, Alto et Violoncelle

Depuis des siècles, « la lecture à vue » également appelée « déchiffrage » est une épreuve pour les concours de musique. Les compositeurs sont sollicités pour cet exercice et composent un texte court selon un cahier des charges assez précis (minutage, difficulté, modes de jeu instrumental, etc). Depuis la création d'une classe de saxophone confiée à Adolphe Sax en 1857 au Gymnase musical militaire, qui n'est autre qu'une annexe du Conservatoire de Paris, et jusqu'à la nomination de Marcel Mule en 1942, les concours se multiplient partout en France, tant au conservatoire qu'aux orchestres divers et variés, principalement militaires.
Les trois textes anonymes de style purement français (volume 4 de cette série consacrée aux déchiffrages : « andantino » de date inconnue / « morceau à vue » en 1881 / « andantino » en 1890) nous parviennent des Archives Nationales en lien avec le Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Si ces dates ne correspondent pas à une possible affectation à la classe de saxophone car Adolphe Sax n'était alors plus en service, on pourrait imaginer qu'elles aient été composées pour un concours extérieur.
L'origine de la « lecture à vue » signée par Gabriel Dupont (1878-1914) non datée (volume 2), est également une énigme. Un doute plane sur le fait que ce texte soit bien du compositeur français, même si on en reconnaît la tendresse de cette page délicieuse. En 1922, Guillaume Balay (1871-1943) alors chef de musique de la Garde Républicaine de Paris compose deux « lecture à vue » pour saxophone (alto et ténor) vraisemblablement pour un concours militaire (volume 5) ; rappelons qu'entre 1870 et 1942, le conservatoire de Paris sera dépourvu de classe de saxophone.
La Ville de Reims accueillera deux jeunes compositeurs qui deviendront des personnalités musicales à l'esthétique prononcée ; tout d'abord Georges Migot (1891-1976) qui propose une « lecture à vue » (volume 3) en 1929 pour le concours de l'institut de musique, puis André Jolivet (1905-1974) qui compose son « déchiffrage » en 1938 (volume 1).
Toutes ces courtes pièces ont été étudiées méticuleusement avant de décider de leur redonner vie. Cette publication leur permet à présent de faire partie du patrimoine musical du saxophone classique.
Nicolas Prost
Saxophoniste
Association Saxiana

Durée : 2'15
Collection Nicolas Prost
Nomenclature : saxophone alto et piano / Partitions classique / Bois / Saxophone / KLARTHE

Depuis des siècles, « la lecture à vue » également appelée « déchiffrage » est une épreuve pour les concours de musique. Les compositeurs sont sollicités pour cet exercice et composent un texte court selon un cahier des charges assez précis (minutage, difficulté, modes de jeu instrumental, etc). Depuis la création d'une classe de saxophone confiée à Adolphe Sax en 1857 au Gymnase musical militaire, qui n'est autre qu'une annexe du Conservatoire de Paris, et jusqu'à la nomination de Marcel Mule en 1942, les concours se multiplient partout en France, tant au conservatoire qu'aux orchestres divers et variés, principalement militaires.
Les trois textes anonymes de style purement français (volume 4 de cette série consacrée aux déchiffrages : « andantino » de date inconnue / « morceau à vue » en 1881 / « andantino » en 1890) nous parviennent des Archives Nationales en lien avec le Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Si ces dates ne correspondent pas à une possible affectation à la classe de saxophone car Adolphe Sax n'était alors plus en service, on pourrait imaginer qu'elles aient été composées pour un concours extérieur.
L'origine de la « lecture à vue » signée par Gabriel Dupont (1878-1914) non datée (volume 2), est également une énigme. Un doute plane sur le fait que ce texte soit bien du compositeur français, même si on en reconnaît la tendresse de cette page délicieuse. En 1922, Guillaume Balay (1871-1943) alors chef de musique de la Garde Républicaine de Paris compose deux « lecture à vue » pour saxophone (alto et ténor) vraisemblablement pour un concours militaire (volume 5) ; rappelons qu'entre 1870 et 1942, le conservatoire de Paris sera dépourvu de classe de saxophone.
La Ville de Reims accueillera deux jeunes compositeurs qui deviendront des personnalités musicales à l'esthétique prononcée ; tout d'abord Georges Migot (1891-1976) qui propose une « lecture à vue » (volume 3) en 1929 pour le concours de l'institut de musique, puis André Jolivet (1905-1974) qui compose son « déchiffrage » en 1938 (volume 1).
Toutes ces courtes pièces ont été étudiées méticuleusement avant de décider de leur redonner vie. Cette publication leur permet à présent de faire partie du patrimoine musical du saxophone classique.
Nicolas Prost
Saxophoniste
Association Saxiana

Durée : 2'15
Collection Nicolas Prost
Nomenclature : saxophone alto et piano / Partitions classique / Bois / Saxophone / KLARTHE