SKU: BT.DHP-1012559-130

Albion ist neben Excalibur und Stonehenge das dritte große Werk für Brass Band, bei dem sich Jan van der Roost durch das englische Mittelalter inspirieren ließ. Obgleich sie nicht auf einer konkreten Geschichte beruht sind die erzählerischen Momente in dieser Sinfonischen Dichtung nicht zu übersehen. Der Anfang gibt einen Einduck von der Eroberung Albions (Albion ist der erste überlieferte Name der britischen Insel); der Zuhörer taucht dabei in die Zeit von König Artus und seinen legendären Rittern der Tafelrunde ein.

Après Excalibur et Stonehenge, Albion est la troisième œuvre majeure pour Brass Band de Jan Van der Roost inspirée par l’Angleterre du Moyen ge. Bien que l’œuvre ne soit pas construite autour d’une histoire précise, ce poème symphonique a toute l’ampleur d’une épopée. L’ouverture de l’œuvre semble dépeindre la conquête d’Albion (premier nom connu de l’Angleterre), transportant l’auditeur l’époque du roi Arthur et de ses légendaires chevaliers de la Table Ronde. Trois groupes de cornets dispersés au sein de la formation et trois tambours différents reflètent, en autant de tonalités et de tempos, les périodes de guerre qui plongent l’Angleterredu début du Moyen ge dans la tourmente. Des accords sombres et majestueux, exposés dans le registre grave, créent un contraste et donnent au son d’ensemble un caractère trouble et confus. Lorsque les tambours se retrouvent dans un même rythme, l’ensemble de la formation interprète pour la première fois l’unisson le Thème d’Albion.Un allegro energico plein d’agitation apporte soudainement plus d’élan et de dynamisme. Des thèmes virtuoses et guerriers se succèdent, donnant au passage un caractère tumultueux. Cette suite de thèmes se conclut également avec le Thème d’Albion, soutenu cette fois-ci par une structure harmonique plus complexe. S’ensuit un passage intermédiaire calme et serein, permettant plusieurs solistes d’exploiter et de révéler leurs qualités musicales. Après tout, Albion n’a pas connu que des périodes de troubles et de misère. Et le roi Arthur n’est-il pas considéré comme celui qui a apporté paix et stabilité au pays ? Cette lente succession de fragments en solo progresse avec une fluidité presque évidente vers un passage où l’orchestre interprète en chœur les accords majestueux des mesures d’ouverture de l’œuvre. Le Brass Band sonne comme un orgue et le Thème d’Albion vient tout naturellement conclure cette oasis de paix retrouvée. Dans le finale impressionnant, plusieurs éléments thématiques.

SKU: BT.AMP-473-130

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A Midwest Fanfare was commissioned by the Brass Band of Battle Creek and premiered by them during their appearance at the Midwest Clinic in Chicago on 20th December 2017 where this fanfare was the opening piece of the entire event. This piece is designed to be played with the cornets split into two teams either side of the band. It opens with the two groups answering each other antiphonally over a repeated figure in the lower band. A calmer central section introduces a euphonium solo which is then taken up by the whole ensemble. This leads back to a repeat of the opening fanfares over a rhythmic accompaniment and a short coda which brings the work to a close.

A Midwest Fanfare werd geschreven in opdracht van de Brass Band of Battle Creek en op 20 december 2017 door dit ensemble in première gebracht als openingswerk op de Midwest Clinic in Chicago. Het werk is zo gecomponeerd dat de kornetten in twee teams worden verdeeld, die aan weerszijden van de band komen te staan. Deze twee groepen antwoorden elkaar op antifonale wijze boven een herhaald motief in de lagere registers. Een rustiger centraal gedeelte introduceert een eufoniumsolo, die aansluitend wordt overgenomen door de complete band. Deze passage mondt uit in een herhaling van de openingsfanfares boven een ritmische begeleiding, waarna het werk met een korte coda fraaiwordt afgesloten.

A Midwest Fanfare wurde von der Brass Band of Battle Creek in Auftrag gegeben und bei ihrem Auftritt anlässlich der Midwest Clinic in Chicago am 20. Dezember 2017 uraufgeführt, wo diese Fanfare den Auftakt für die gesamte Veranstaltung bildete. Das Stück ist so konzipiert, dass die Kornette in zwei Gruppen aufgeteilt sind und auf beiden Seiten der Brass Band platziert werden. Es beginnt mit einem Wechselgesang der beiden Gruppen, der über einer sich wiederholenden Melodie in den tieferen Stimmen der Brass Band erklingt. Im ruhigeren Mittelteil wird ein Euphonium-Solo vorgestellt, das dann vom gesamten Ensemble aufgenommen wird. Schließlich kehren die Eröffnungsfanfarenüber einer rhythmischen Begleitung zurück und eine kurze Coda bringt das Werk zum Abschluss.

A Midwest Fanfare est une commande du Brass Band de Battle Creek, qui l’a créée le 20 décembre 2017 lors d’un concert dans le cadre de la Midwest Clinic, Chicago, où elle a été choisie comme fanfare d’ouverture. L’instrumentation divise les cornets en deux groupes de part et d’autre de l’orchestre. La pièce s’ouvre avec les deux groupes qui se répondent antiphonalement sur un motif répété par les basses. Un passage central plus calme introduit un solo d’euphonium qui est ensuite repris par l’orchestre entier. La fanfare du début revient alors sur un accompagnement rythmique avant une brève coda qui achève la pièce.

SKU: BT.DHP-1043670-030

Versailles, composed by Christian Bouthier, reflects a number of impressions of the royal castle in Versailles, near Paris. There are four movements consisting of Le Chateau, Le grand Trianon, L’Appartement du Roi and Les Grandes Eaux each of which depicts a different aspect of Versailles both inside and outside. Bring a touch of regalness to any concert band programme.

Versailles, gecomponeerd door Christian Bouthier, geeft een aantal indrukken weer van het koninklijke kasteel te Versailles, vlak bij Parijs. De vier afwisselende delen beschrijven achtereenvolgens Le ch teau (het kasteelzelf), Le grand Trianon (het extra complex dat Lodewijk XIV liet bouwen), L’Appartement du Roi (het appartement van de koning) en Les Grandes Eaux (de waterpartijen). De fraaie thema’s worden verklankt inboeiende, gemakkelijk te spelen muziek voor blaasorkest.

Versailles, aus der Feder von Christian Bouthier, spiegelt eine Reihe von Impressionen des königlichen Schlosses in Versailles bei Paris wider. Die vier abwechslungsreichen Sätze beschreiben das Schloss selbst, den Nebenpalast Le Grand Trianon, die Gemächer des Königs und das weitläufige System an Wasserläufen und Teichen, welches die ganze Anlage einst versorgte. Prächtige Motive, verpackt in interessante, leicht spielbare Musik für Brass Band.

Versailles de Christian Bouthier est une suite en quatre tableaux inspirés du célèbre Ch teau de Versailles près de Paris.1. Le Ch teau Dès 1623, Louis XIII, le père de Louis XIV (dit le Roi-Soleil), construit Versailles un premier ch teau majestueux. Plus tard, l’architecte Philibert Le Roy s’est vu confier la t che de l’agrandir. Et durant des siècles, divers autres architectes se consacrent l’agrandissement et l’embellissement de ce superbe palais pour en faire cet ensemble de façades et de b timents majestueux, célèbre dans le monde entier.2. Le grand Trianon Trianon est le nom d'un village acheté par Louis XIV dans le but de construire sur ces nouvelles terres unautre palais. Cherchant se défaire du protocole trop pesant de Versailles, le Roi est Trianon plus proche des siens. Trianon demeurera un lieu de détente, loin de l'étiquette et des fatigues du pouvoir. Les travaux du premier Trianon débutent en 1670. De nombreux b timents et péristyles seront rajoutés au fil des années.3. L'Appartement du Roi En 1683, Louis XIV quitte son Grand Appartement pour vivre dans son appartement intérieur qu'on appelle l'Appartement du Roi. Depuis 1701, la suite des pièces est la suivante : salle des Gardes, antichambre du Grand Couvert, antichambre de l'Œil-de-bœuf, chambre du Roi, cabinet du Conseil. L'apparat des plafonds peints qui caractérisait le décor du Grand Appartement, fait place un décor sobre où les plafonds sont laissés nus. Cet allégement correspond un nouveau go t du Roi-Soleil.4. Les Grandes EauxTrouver les ressources en eaux pour les fontaines de Versailles fut la préoccupation constante du Roi-Soleil. Même en pleine guerre, il s'en inquiétait. Ce sera l’extraordinaire Machine de Marly qui apportera les eaux de la Seine Versailles. L’arrivée des eaux au Ch teau aura nécessité la construction d’un réseau hydraulique de rigoles, de fossés et d'aqueducs s’étendant sur près de deux cent kilomètres. L'ensemble demeure unique notamment par son état de conservation.

SKU: BT.AMP-482-130

English-German-French-Dutch.

Sparkling Brass was commissioned by Osaka Concert Brass, one of Japan’s top brass bands, and premiered by them on 27th December 2018 during a concert which celebrated their 10th Anniversary. The work opens in lively mood with fanfare-style figures from the lower band which are answered by the cornets. This interplay intensifies until the mood calms suddenly to introduce a chorale which leads to a duet-cadenza for cornet and euphonium. The rhythmic mood of the opening soon returns and leads to the main theme of the work, a modal caccia which features various section of the band. A short bridge passage leads to a change of key and a new cantabile theme which isintroduced by euphoniums and baritone. This is taken up by the full band after another change of key and leads back to the caccia theme. A transformed version of the opening fanfare returns to close the work.

Sparkling Brass werd geschreven in opdracht van Osaka Concert Brass voor een concert ter gelegenheid van het tienjarig bestaan van die band. Het werk opent in een levendige sfeer, met fanfareachtige motieven in het lage koper, beantwoord door de kornetten. Dit samenspel wordt intenser tot de sfeer plotseling rustiger wordt en er een koraal naar voren komt dat leidt naar een duet-cadens voor kornet en eufonium. De ritmische sfeer van het begin keert snel terug en mondt uit in het hoofdthema, een modale caccia met diverse secties uit de band. Een korte bridgepassage brengt een verandering in toonsoort en een nieuw cantabile thema, ge ntroduceerd door de eufoniumsen bariton. Dit wordt overgenomen door de hele band na nog een toonsoortverandering, waarna het caccia-thema terugkeert. Het werk besluit met een getransformeerde versie van de openingsfanfare.

Sparkling Brass wurde von Osaka Concert Brass, einer der führenden japanischen Brass Bands, in Auftrag gegeben und bei einem Konzert zum 10-jährigen Jubiläum uraufgeführt. Das Werk beginnt lebhaft mit Fanfarenfiguren in den tieferen Stimmen, die von den Kornetten beantwortet werden. Dieses Wechselspiel wird intensiver, bis sich die Stimmung plötzlich beruhigt und ein Choral erklingt, der in eine Duo-Kadenz für Kornett und Euphonium mündet. Der rhythmische Charakter des Anfangs kehrt bald zurück und führt zum Hauptthema des Werkes, einer modalen Caccia, in der verschiedene Instrumentengruppen der Brass Band hervorgehoben werden. Eine kurze Überleitung führt zu einemTonartwechsel und einem neuen Cantabile-Thema, das von den Euphonien und Baritonen eingeleitet wird. Nach einem weiteren Tonartwechsel wird es von der gesamten Brass Band übernommen und führt wieder zum Caccia-Thema zurück. Zum Schluss des Werkes erklingt noch einmal eine veränderte Version der Eröffnungsfanfare.

Sparkling Brass est une commande d’Osaka Concert Brass, qui l’a créée lors d’un concert marquant son 10e anniversaire. La pièce s’ouvre dans une atmosphère enjouée, avec des figures de style fanfare dans le registre grave auxquelles répondent les cornets. Cette interaction s’amplifie jusqu’ ce que, soudainement, le climat se calme pour introduire un choral qui mène une cadence pour cornet et euphonium. L’ambiance rythmée du début revient bientôt et mène au thème principal de la pièce, une caccia modale qui met en avant divers pupitres de l’orchestre. Un bref passage de transition mène un changement de tonalité et un nouveau thème cantabile introduit parles euphoniums et le baryton. Ce thème est repris par l’orchestre entier après un autre changement de tonalité pour revenir au thème en caccia. L’œuvre se termine par une version transformée de la fanfare du début.

SKU: BT.DHP-1064073-030

9x12 inches. English-German-French-Dutch.

Adagio for Brass is full of beautiful lyrical melodies and the warm harmony and full orchestration give the audience and the band the chance to give their thoughts free reign in a contemplative atmosphere. A wonderfully uplifting work suitable for concerts on all occasions and certainly not one to be missed.

Das ruhige und feierliche Adagio zeichnet sich durch melodische Weite und Ausdruckskraft aus. Lyrische Melodien, eine warme Harmonik und die volle Orchestrierung bieten Publikum und Musikern die Gelegenheit, ihren Gedanken in einer besinnlichen Atmosphäre freien Lauf zu lassen. Ein wunderbar aufbauendes Werk, das sich für viele Anlässe eignet.

Adagio for Winds est une œuvre de commande pour la Fanfare Royale Ridder Jans Zonen de Dadizele en Belgique. Elle a été composée en mémoire de Walther Bekaert (1933-2002) et dédiée An Bekaert. Jan Van der Roost en a réalisé cette sublime orchestration pour Brass Band publiée sous le titre : Adagio for Brass.Le discours musical est serein et profond l’instar du célèbre Canterbury Chorale - une œuvre antérieure de Jan Van der Roost - sans jamais tomber dans un mélodrame exagéré. La structure mélodique est fluide, ample et d’une grande puissance expressive. Aucune nuance de tristesse, de rancœur ou de révolte sourde n’est perceptible. Lamusique est porteuse d’espoir mais aussi d’une certaine résignation d’où l’utilisation d’un environnement presqu’exclusivement centré sur la tierce Majeure. Une interprétation en hommage un être cher disparu accentue le souvenir des belles choses. Une interprétation dans un contexte neutre permet de souligner la mélodie lyrique, les harmonies chatoyantes et la richesse de l’orchestration. Les musiciens et le public ont ainsi la possibilité de laisser s’épanouir leur imagination dans une atmosphère contemplative. L’accord final élargi symbolise d’une certaine manière la finitude et l’infinitude de la vie. La mort marque la fin de l’existence d’un être mais ne détruit ni les liens d’amour, ni la vie en général.

SKU: BT.AMP-335-030

9x12 inches. English-German-French-Dutch.

Marcho Brioso was commissioned by The Brioso Brass, a British-style brass band from Hokkaido, Japan. They gave the first performance in January 2012.The commission was for a bright and breezy march that the band could use as their theme tune, so Marcho Brioso falls into the composer’s series of Broadway-style marches, which includes Slipstream, The Bandwagon and Jubiloso. After a short introduction a solo cornet plays the main theme, accompanied by a euphonium counter-melody. A secondary phrase from the horns and baritones leads to a tutti version of the main theme which is followed by the traditional ‘bass’ strain. A change of key heralds thetrio section, which features a cantabile melody on euphonium; this is then taken up by the full band after a short bridge passage and further change of key.This takes us back to the home key which sees a quiet staccato version of the main theme lead to a recapitulation and a short coda which brings the march to a close.

Marcho Brioso is geschreven in opdracht van The Brioso Brass, een brassband in Britse stijl uit Hokkaido in Japan. De première vond plaats in januari 2012.De componist kreeg het verzoek een vrolijke, luchtige mars te schrijven die de band als herkenningstune zou kunnen gebruiken. Marcho Brioso past daarom uitstekend in Philip Sparke’s serie van marsen in Broadwaystijl - waarin ook Slipstream, The Bandwagon en Jubiloso thuishoren.

Marcho Brioso wurde von The Brioso Brass, einer britisch geprägten Brass Band aus Hokkaido in Japan, in Auftrag gegeben. Das Stück wurde von der Band im Januar 2012 uraufgeführt.Gewünscht war ein heiterer, flotter Marsch, welcher sich als Erkennungsmelodie der Brass Band eignen sollte. So fällt Marcho Brioso in die Reihe der Märsche des Komponisten im Broadway-Stil, zu denen auch Slipstream, The Bandwagon und Jubiloso zählen.Nach einer kurzen Einleitung spielt ein Solo-Cornet das Hauptthema, begleitet von einer Gegenmelodie im Euphonium. Die Nebenphrase in den Hörnern und Baritonen führen zu einer Tutti-Version des Hauptthemas, die vomtraditionellen Bass“-Solo abgelöst wird. Ein Tonartwechsel kündigt den Trio-Teil an, der eine cantabile gespielte Melodie auf dem Euphonium enthält; diese wiederum wird nach einer kurzen Überleitung und einem weiteren Tonartwechsel von der gesamten Band aufgegriffen.Der letzte Wechsel führt zurück zur ursprünglichen Tonart, in welcher dann eine Staccato-Version des Hauptthemas eine Rekapitulation hervorbringt sowie eine Coda, die den Marsch zu seinem Ende führt.

Marcho Brioso est une œuvre de commande pour le Brioso Brass, un Brass Band de style britannique basé Hokkaido, au Japon. La création mondiale de cette pièce eut lieu en janvier 2012.L’orchestre souhaitant une marche enjouée qui pourrait lui servir d’indicatif musical, Marcho Brioso s’inscrit dans la lignée des marches du compositeur : Jubiloso, Slipstream et The Bandwagon. Un style « broadwayien », des motifs fortement syncopés et quelques surprenantes et capricieuses mesures viennent troubler le rythme régulièrement cadencé de ces marches.Après une courte introduction, le cornet solo joue le thème principal, accompagné d’un contre-chant l’euphonium. Un second motif de huit mesures exécuté par les cors et les barytons mène une version tutti du thème principal. Puis une brève section intermédiaire est déléguée aux basses. Le changement de tonalité qui s’ensuit annonce le trio qui contient une mélodie cantabile confiée l’euphonium ; ce trio est ensuite repris par l’orchestre entier après un bref passage de transition et un autre changement de tonalité.Nous revenons ensuite la tonalité de départ pour un rappel du thème principal en une paisible version staccato et une courte coda, pour conclure cette marche brillante et sémillante.

SKU: BT.AMP-479-130

English-German-French-Dutch.

Sanctuary was commissioned by Eastern Bay of Plenty Brass from New Zealand and was performed as an own choice piece at the 2018 New Zealand National Brass Band Championships. It opens with an expressive cornet solo, hymn-like in mood. A slightly faster central section builds to a change of key and an expansive return of the opening melody, this time scored for full band. After an emotional climax the mood subsides, leading to a quiet close.

Sanctuary werd geschreven in opdracht van Eastern Bay of Plenty Brass uit Nieuw-Zeeland en werd uitgevoerd als zelfgekozen werk tijdens de New Zealand National Brass Band Championships van 2018. Het werk opent met een expressieve kornetsolo, die qua atmosfeer veel weg heeft van een hymne. Een iets sneller middengedeelte werkt toe naar een verandering van toonsoort en een grootse terugkeer van de openingsmelodie, deze keer getoonzet voor de complete band. Na een emotioneel hoogtepunt wordt de muziek kalmer van sfeer en mondt ze uit in een rustig slot.

Sanctuary wurde von der Eastern Bay of Plenty Brass aus Neuseeland in Auftrag gegeben und als Selbstwahlstück bei den New Zealand National Brass Band Championships 2018 aufgeführt. Das Stück beginnt mit einem ausdrucksvollen Kornett-Solo in der Art eines Kirchenliedes. Ein etwas schnellerer Mittelteil führt zu einem Tonartwechsel und einer ausführlichen Rückkehr der Anfangsmelodie, die nun von der gesamten Brass Band gespielt wird. Nach einem emotionalen Höhepunkt beruhigt sich die Stimmung und mündet in einen ruhigen Schluss.

Sanctuary est une commande de l’ensemble néo-zélandais Eastern Bay of Plenty Brass, qui l’a interprétée en tant qu’œuvre libre « contemplative » au Championnat national de brass bands de Nouvelle-Zélande 2018. La pièce s’ouvre avec un solo de cornet expressif évoquant un hymne. Un passage central un peu plus rapide mène un changement de tonalité avant un retour majestueux la mélodie du début, cette fois faisant appel l’orchestre entier. Après un climax chargé d’émotion, la musique s’apaise pour aboutir une conclusion sereine.

SKU: BT.AMP-225-030

9x12 inches. English-German-French-Dutch.

Christmas as celebrated in England is a relatively newtradition dating from the time of Queen Victoria. Herhusband Prince Albert was from Germany and he broughtmany German Christmas traditions with him, including theChristmas tree and Christmascards, and even carols such asHark, the Herald Angels Sing. Philip Sparke has however useda varied selection of English melodies to arrange into his?Festival of Carols?.The choir parts are seperately available (order no. AMP 227-050).

Hoewel de Engelsen een lange traditie kennen in het zingen van carols zijn veel van de melodieën die er worden gezongen afkomstig van het Europese vasteland - of uit Amerika. Desondanks heeft Philip Sparke een gevarieerde selectievan Engelse melodieën kunnen samenstellen voor dit prachtige ‘Festival of Carols’ - dat zowel met als zonder koor kan worden uitgevoerd.

Weihnachten, wie es heute in England gefeiert wird, ist eine relativ junge Tradition aus dem 19, Jahrhundert, die der deutsche Ehemann von Königin Victoria mit in seine neue Heimat brachte. Viele gebräuchliche Weihnachtslieder stammen ebenfalls nichtaus England. Philip Sparke gelang es jedoch, eine abwechslungsreiche Sammlung von Liedern aus seiner Heimat zu diesem schönen englischen Weihnachtslieder-Festival“ zu formen.Die optional einsetzbaren Chorstimmen sind unter der Artikelnummer AMP227-050 separat erhältlich.

« La plupart des traditions de Noël en Angleterre sont relativement récentes. Montée sur le trône en 1837, la reine Victoria (née de Hanovre) régnera jusqu’ sa mort en 1901. En 1840, elle épousa son cousin, le prince Albert de Saxe-Cobourg-Gotha. Leprince consort, originaire d’Allemagne, importa bon nombre de traditions de Noël allemandes au Royaume-Uni. Ainsi, il fit découvrir aux Anglais la coutume du sapin et les cartes de Noël, entre autres, contribuant largement au Noël typiquement anglaistel que nous le connaissons aujourd’hui.Bien que les chants de Noël font l’objet d’une longue tradition en Angleterre, de nombreuses mélodies que nous chantons proviennent ducontinent européen ou des États-Unis. Je savais bien que le célébrissimeSilent Night (Douce nuit) était d’origine autrichienne et que Hark, the Herald Angels Sing (Écoutez le chant des Anges) était d’origine allemande. Pourtant, quelle ne fut pas ma surprise d’apprendre qu’Away in a Manger (Sur la paillefraîche) ou encore We Three Kings nous venaient des États-Unis et que Ding, Dong Merrily on High était un noël d’origine française. Quoiqu’il en soit, j’ai réussi constituer un canevas de mélodies anglaises pour réaliser cefestival de chants de Noël. »Philip SparkeRemarques sur l’interprétation : Cet arrangement est adapté pour une interprétation avec ou sans Chœur. S’il est joué par un Brass Band, les parties vocales seront doublées par des partiesinstrumentales.Les tempi indiqués correspondent une interprétation par un Brass Band seul. Si l’œuvre est donnée avec un Chœur, il est sans doute nécessaire de baisser le tempo en fonction du nombre de choristes et de l’acoustique du lieude concert.Les parties de Chœur (en anglais) sont disponibles séparément (Réf. : AMP 227-050).

SKU: BT.DHP-1206253-030

English-German-French-Dutch.

In 1989, the demonstration named the Baltic Way also known as the Baltic Chain— was held in the Baltic states of Estonia, Latvia and Lithuania by its citizens in a call for independence from the Soviet Union. On 23rd August 1989, some two million participants formed a human chain, hand-in-hand all the way from the Estonian capital of Tallinn its Latvian counterpart, Riga, through to the Lithuanian capital of Vilnius - six hundred kilometres long. It became the longest human chain ever created and turned out to be the final push needed for much sought-after independence. This historic event became the source of inspiration for this composition. The introduction of thefirst movement, ‘Struggle for Independence’, is based on a nocturne for piano by the renowned Lithuanian composer and painter Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911), thematic material from which has been incorporated throughout the whole composition. The melancholic beginning is followed by a powerful theme which reflects the resolve of the Baltic people. The sudden aggressive, dissonant chords and a dominant and—in rhythmic terms—contrary bass drum announce that the resistance is not going smoothly. Just for a moment, we hear the anthem of the Soviet Union in the lower brass, but this is relentlessly pushed to the background by the rest of the band playing the Lithuanian national anthem, ‘Tautiška giesm ’ (Lithuania, our homeland). The second movement, ‘Decades of Suffering’, echoes life under the Soviet Union's thumb. In the pursuit of independence, a peaceful protest is planned in which a human chain is formed across the Baltic states of Estonia, Latvia and Lithuania. This ‘Chain of Freedom’ is depicted in the final movement of the work.

De Baltische Weg (The Baltic Way) was een demonstratie van de bevolking van de Baltische staten die in 1989 plaatsvond als een roep om onafhankelijkheid van de Sovjet-Unie. Deze historische gebeurtenis vormde de inspiratiebron voor deze compositie. Van Vilnius via Riga naar Tallinn werd een zeshonderd kilometer lange keten van naar schatting twee miljoen mensen gevormd. Op 23 augustus 1989 gaven al die mensen elkaar de hand en werd De Baltische Weg de langste menselijke keten ooit. Het bleek de uiteindelijke opmaat tot de zo gewenste onafhankelijkheid. De inleiding van het eerste deel, ‘Struggle for Independence’, is gebaseerd op een nocturne voor piano van devooraanstaande Litouwse componist en kunstschilder Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911). Het thematische materiaal van deze nocturne is door de hele compositie heen verwerkt. Na het melancholische begin volgt een krachtig thema, waarmee de strijdbaarheid van de Baltische bevolking wordt uitgebeeld. De plotselinge agressieve dissonante akkoorden en een dominante en ritmisch gezien tegendraadse grote trom laten horen dat het verzet niet eenvoudig verloopt. Even klinkt het begin van het volkslied van de Sovjet-Unie in het lage koper, maar dat wordt door de rest van de band onverbiddelijk naar de achtergrond verwezen door het Litouwse nationale volkslied ‘Tautiška giesm ’ (Litouwen, ons vaderland). In deel twee, ‘Decades of Suffering’, wordt het leven onder het juk van de Sovjet-Unie verklankt. In het streven naar onafhankelijkheid worden plannen gemaakt om als vreedzaam protest tegen de onderdrukking een menselijke keten te vormen over de wegen van de Baltische staten Litouwen, Letland en Estland. Deze ‘Chain of Freedom’ wordt in het laatste deel van het werk muzikaal weergegeven.

Der sogenannte Baltischer Weg (The Baltic Way) auch unter dem Namen Baltische Kette bekannt war 1989 eine Demonstration von Bürgern in den baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen mit dem Aufruf zur Unabhängigkeit von der Sowjetunion. Am 23. August 1989 bildeten rund zwei Millionen Teilnehmer eine sechshundert Kilometer lange Menschenkette, die von der estnischen Hauptstadt Tallinn über das lettische Riga bis zur litauischen Hauptstadt Vilnius reichte. Die längste Menschenkette, die jemals geschaffen wurde, erwies sich als der letzte Schritt, der zur lang ersehnten Unabhängigkeit führte. Dieses historische Ereignis diente der Komposition alsInspirationsquelle. Die Einleitung des ersten Satzes, Struggle for Independence“, basiert auf einem Nocturne für Klavier des bekannten litauischen Komponisten und Malers Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875 1911), dessen thematisches Material in der gesamten Komposition verwendet wird. Dem melancholischen Anfang folgt ein mitreißendes Thema, das die Entschlossenheit der baltischen Bevölkerung widerspiegelt. Die plötzlichen aggressiven, dissonanten Akkorde und eine dominante und rhythmisch gegenläufige Bewegung in der Basstrommel kündigen an, dass der Widerstand nicht reibungslos verläuft. Für einen kurzen Moment erklingt die Hymne der Sowjetunion in den tiefen Blechbläsern, aber diese wird unerbittlich vom restlichen Orchester in den Hintergrund gedrängt, welches die litauische Nationalhymne Tautiška giesm “ (Litauen, unser Heimatland“) spielt. Der zweite Satz, Decades of Suffering“, spiegelt das Leben unter dem Joch der Sowjetunion wider. Für das Streben nach Unabhängigkeit war ein friedlicher Protest geplant, bei dem eine Menschenkette durch die baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen gebildet wurde. Diese Chain of Freedom“ wird im letzten Satz des Werkes beschrieben.

En 1989, la manifestation nommée « La Voie balte » (The Baltic Way) s’est tenue en Estonie, en Lettonie et en Lituanie, les pays baltes dont les citoyens demandaient être indépendants de l’Union soviétique. Le 23 ao t 1989, quelque deux millions de personnes se tenant par la main ont formé une chaîne humaine de 600 km de long reliant les trois capitales Tallinn (Estonie), Riga (Lettonie) et Vilnius (Lituanie). Cette chaîne humaine, la plus longue ce jour, donna une impulsion décisive au rétablissement d’une indépendance vivement souhaitée. Cet événement historique est devenu source d’inspiration pour cette composition. L’introduction du premier mouvement,« Struggle for Independence », est fondée sur un nocturne pour piano du célèbre compositeur et peintre letton Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911). Du matériel thématique emprunté ce nocturne est parsemé travers la présente composition. Un début mélancolique est suivi d’un thème puissant qui reflète la détermination des peuples baltes. La présence soudaine d’accords agressifs et dissonants, associés une grosse caisse dont le décalage rythmique domine, indiquent que la résistance rencontre des obstacles. Nous entendons momentanément l’hymne soviétique dans les cuivres graves, mais cet air est inexorablement repoussé l’arrière-plan par le reste de l’orchestre interprétant l’hymne national de Lettonie, « Tautiška giesm » (Lettonie, notre patrie). Le deuxième mouvement, « Decades of Suffering », dépeint la vie sous le joug de l’Union soviétique. la recherche de l’indépendance, une manifestation pacifique est organisée sous la forme d’une chaîne humaine traversant les trois pays baltes l ’Estonie, la Lettonie et la Lituanie. Le dernier mouvement de la pièce, « Chain of Freedom », exprime cet appel la liberté.

SKU: BT.DHP-1206265-130

English Dances, Set I, opus 27, is a light classic composition that was written for orchestra by the British composer Malcolm Arnold in 1950. The set contains four dances that continue without pause: the individual movements are indicated by the tempo markings. The work came about at the request of Bernard de Nevers, at the time the head of publisher Alfred Lengnick & Co., who asked Arnold to write a suite of dances as an English counterpart to Dvo ák’s Slavonic Dances and Bartók’s Romanian Folk Dances. The première took place in the spring of 1951, played by the London Philharmonic Orchestra, conducted by Sir Adrian Boult. Following the success of the first set, DeNevers asked the composer to write a second one, which Arnold completed the next year (Op. 33). The Andantino from the first set has been skilfully arranged and orchestrated for brass band by Ray Farr.

English Dances, Set I, opus 27, is een licht klassieke compositie die in 1950 door de Britse componist Malcolm Arnold voor orkest geschreven werd. De set bestaat uit vier dansen die zonder onderbreking in elkaar overgaan: de afzonderlijke delen worden aangegeven met de tempomarkering. Het werk kwam tot stand op verzoek van Bernard de Nevers, destijds het hoofd van uitgeverij Alfred Lengnick & Co., die Arnold vroeg om een reeks dansen te schrijven als een Engelse tegenhanger voor de Slavische dansen van Dvo ák en de Roemeense volksdansen van Bartók. De première werd in het voorjaar van 1951 gebracht door het London Philharmonic Orchestra, onder leiding van Sir Adrian Boult.Na het succes van de eerste set vroeg De Nevers om een tweede, die Arnold een jaar later voltooide (opus 33). Het Andantino uit de eerste set is door Ray Farr meesterlijk gearrangeerd en ge nstrumenteerd voor brassband.

English Dances, Set I, opus 27, ist eine leicht Klassische Komposition, die 1950 von dem britischen Komponisten Malcolm Arnold für Orchester geschrieben wurde. Die Reihe enthält vier Tänze, die ohne Unterbrechung gespielt werden. Die einzelnen Sätze sind mit Tempoangaben versehen. Das Werk entstand auf Wunsch von Bernard de Nevers, dem damaligen Leiter des Verlags Alfred Lengnick & Co., der Arnold bat, eine Reihe von Tänzen als englisches Gegenstück zu Dvo áks Slawischen Tänzen“ und Bartóks Rumänischen Volkstänzen“ zu schreiben. Die Uraufführung fand im Frühjahr 1951 mit dem London Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Sir Adrian Boult statt. Nach demErfolg der ersten Reihe bat de Nevers den Komponisten, eine zweite Reihe zu schreiben, die Arnold im darauffolgenden Jahr fertigstellte (op. 33). Das Andantino aus der ersten Reihe wurde von Ray Farr gekonnt für Brass Band arrangiert und orchestriert.

English Dances, Set I, opus 27, est une composition de musique légère classique pour orchestre écrite en 1950 par le compositeur britannique Malcolm Arnold. La série comprend quatre danses qui s’enchaînent sans interruption, les divers mouvements étant indiqués par des changements de tempo. Cette œuvre fut écrite la demande de Bernard de Nevers, alors directeur de l’éditeur Alfred Lengnick & Co., qui pria Arnold de composer une série de danses qui serait l’équivalent anglais des Danses slaves de Dvo ák et des Danses populaires roumaines de Bartók. L’œuvre fut créée le 14 avril 1951 par le London Philharmonic Orchestra sous la direction de Sir Adrian Boult. la suite du succès de la première série, De Nevers pria le compositeur d’en écrire une seconde, qui fut achevée l’année suivante (Op. 33). L’Andantino de la première série a été habilement arrangé et orchestré pour brass band par Ray Farr.

SKU: BT.DHP-1145332-070

ISBN 9789043136754. 9x12 inches. English-German-French-Dutch.

This new original composition by the Japanese composer Itaru Sakai for ten-part brass ensemble is characterised by two main ideas: a fanfare section, deriving from a literal quotation from the opening of Mahlerâ??s fifth symphony, and a contrasting,wandering theme thatâ??s rather melancholy.

A BOUNDARY ISLAND is geschreven voor het Brass Ensemble Rose en het RivST Brass Quintet. De première vond op 13 april 2010 plaats in de Rose Hall in het Japanse Toyonaka Osaka, tijdens een concert waarin beide blazersensemblesoptraden. De componistwilde met dit werk het karakter van de muziek als universele taal uitdrukken - een taal waarin mensen uit alle delen van de wereld met elkaar kunnen communiceren.
Aan het begin van de compositie worden tweethemaâ??s ge ntroduceerd: het eerste, in fanfareachtige stijl, is ge nspireerd op een citaat uit de opening van Mahlers vijfde symfonie. Het staat in contrast met het tweede, eerder melancholische thema.Het levendige hoofddeel heeftzijn eigen krachtige thema, maar grijpt ook terug op de twee openingsthemaâ??s, die daarbij in een nieuw jasje worden gestoken. Na een korte terugkeer naar het langzamere tempo van de inleiding wordt het werk met eenvlotter gedeelteafgesloten.

Die Hoffnung, dass in der gemeinsamen Sprache der Musik alle Menschen miteinander sprechen können, ist das zentrale Thema von A BOUNDARY ISLAND.

Zu Beginn des Stückes werden zwei Themen vorgestellt: Das erste, fanfarenartige Thema, das aus einem Zitat vom Beginn von Mahlers SINFONIE NR. 5 entwickelt wurde, steht im Kontrast zum zweiten, eher melancholischen Thema. Der bewegte Hauptteilpräsentiert ein eigenes, kraftvolles Hauptthema, bezieht aber auch beide Einleitungsthemen wieder mit ein und rückt diese teilweise in ein neues Licht. Nach einem kurzen Einschub im langsamen Eingangstempo folgt ein stretta-artiger Schluss.

Dans A BOUNDARY ISLAND, le compositeur souhaitait exprimer le caractère universel de la musique en tant que langage qui permet tout le monde de communiquer.
Deux thèmes sont présentés au début de la pièce : le premier, dans un style de fanfare, rappelle un passage de lâ??introduction de la 5e symphonie de Mahler. Il contraste avec le deuxième motif, plus mélancolique. La section principale, très animée,introduit une nouvelle trame puissante tout en reprenant les premières thèmes en les traitant différemment. Après un bref retour au tempo plus lent de lâ??introduction, la pièce sâ??achève sur un rythme rapide.

SKU: BT.DHP-1196178-030

English-German-French-Dutch.

‘No Man’s Land’ was commissioned by the ‘Noordlimburgse Brass Band’. Thierry Deleruyelle has written this work in 2018, 100 years after the end of World War 1. This work is related to his first work written for brass band, Fraternity, which tells the story about the mining accident in Courières, France. Countries such as Belgium and Germany helped France. Eight years later World War 1 broke out. Instead of helping each other, no man’s land arose.

No Man’s Land werd geschreven in opdracht van de ‘Noordlimburgse Brass Band’ uit België. Thierry Deleruyelle schreef dit werk in 2018, exact 100 jaar na het einde van Wereldoorlog 1. Het idee achter dit werk sluit aan bij zijn allereerste werk voor brassband, Fraternity, dat verhaalt over de mijnramp in Courrières, Frankrijk. Daarbij kregen ze enorm veel hulp en steun van buurlanden België en Duitsland. Acht jaar later brak Wereldoorlog 1 uit. In plaats van elkaar te helpen ontstond er een Niemandsland.

No Man’s Land wurde von der Noordlimburgse Brass Band in Auftrag gegeben. Thierry Deleruyelle schrieb das Werk im Jahr 2018 - 100 Jahre nach dem Ende des ersten Weltkrieges. Es ist mit seinem ersten Werk für Brass Band - Fraternity - verwandt, das die Geschichte eines Minenunfalls in Courières, Frankreich, erzählt. Länder wie Belgien und Deutschland halfen Frankreich. Acht Jahre später brach der erste Weltkrieg aus. Anstelle sich gegenseitig zu helfen, erwachte das Niemandsland.

No Man’s Land est une commande du ‘Noordlimburgse Brass Band’. Thierry Deleruyelle a composé cette oeuvre en 2018, 100 ans après la fin de la Première Guerre Mondiale. Elle est liée sa première composition pour brass band, Fraternity, qui retrace l’histoire de la Catastrophe de Courrières. Des pays tels que la Belgique et l’Allemagne ont apporté leur aide la France. Huit ans après, la Première Guerre Mondiale a éclaté. Au lieu de s’aider les uns les autres, les zones de no man’s land sont survenues.’.