Trois Enfantines

This new, completely revised and reset centenary edition of Satie?s complete piano music in three volumes has returned to Satie?s manuscripts and first editions to give pianists completely accurate and reliable texts to play from. As well as presenting every piece for piano solo or piano reduction that Satie published, this edition also includes some previously unknown pieces, like the Petite Sonate that he wrote for Vincent d?Indy at the Schola Cantorum, as well as some interesting first versions of well-known pieces, like San Bernardo, a trial version of Españaña (1913) and the markedly different first version of Les Pantins dansent (1914). In addition, there areexamples of the different types of exercises that Satie completed at the Schola between 1905 and 1912, some extra trial Enfantines, and some earlier drafts of his famous Sports et divertissements. To help pianists, suggested metronome marks have been added throughout, and there are also some performance suggestions for the Rose Croix pieces of the 1890s, which otherwise appear to be all quiet and slow. The notation has been made as user-friendly as possible, without detracting from Satie?s concerns about the ?extériorisation? of his musical thought in print.

Valse du chocolat aux amandes (Menus Propos enfantines)Ce que dit la petite Princesse des Tulipes (Menus Propos enfantines)Berceuse (Trois nouvelles Enfantines)Exercices: Allegretto (Carnet d'esquisses et de croquis)1.ère Gymnopédie (Trois Gymnopédies)Désespoir agréableSur un Vaisseau (Descriptions automatiques)D'Edriophthalma (Embryons desséchés)Exercices: Modérément (Carnet d'esquisses et de croquis)1.ère Gnossienne (Trois Gnossiennes)3.ème Gnossienne (Trois Gnossiennes)D'Holothurie (Embryons desséchés)Gambades (Carnet d'esquisses et de croquis) / Piano

Cette nouvelle édition de lâ??intégrale de la musique pour piano dâ??Erik Satie en trois volumes est une version totalement révisée et regravée de lâ??édition centenaire de son oeuvre pianistique. Elle revient aux sources manuscrites et premièreséditions des pièces de Satie et offre aux interprètes des textes musicaux fi ables et pertinents.Ces volumes proposent toutes les pièces pour piano solo ou en réduction pour piano publiées par Satie incluant quelques pièces antérieures inconnues telles la Petite Sonate que Satie écrivit pour Vincent dâ??Indy à la Schola Cantorum et quelquespremières versions de pièces très connues comme San Bernardo version dâ??essai dâ??Españaña(1913) ou encore les premières versions très différentes de Les Pantins dansent (1914).On trouvera également quelques exemples des différents exercicesque Satie exécuta à la Schola entre 1907 et 1912 quelques tentatives supplémentaires dâ??Enfantines et quelques brouillons antérieurs de ses célèbres Sports et divertissements.Des indications métronomiques ont été ajoutées afi n dâ??aider lesinterprètes de même que certaines suggestions de jeu pour les oeuvres relatives à la période Rose Croix des années 1890 pièces qui sinon pourraient ne sembler que lentes et tranquilles. La notation a été envisagée sous lâ??angle le plus pratiquepossible sans pour autant négliger le soucis de Satie quant à lâ?? « extériorisation » de sa pensée musicale sur papier.

Twinkling Tunes rassemble deux chants qui s?inscrivent dans la pure tradition de Noël composés spécialement pour les enfants. Le premier Lights of Christmas (Lumières de Noël) raconte une soirée agréable autour du sapin de Noël alors que Song of the Kings (La chanson des Rois) remet au goût du jour l?histoire originale des trois Rois Mages. Afin de préserver la simplicité des mélodies originelles le compositeur a fait en sorte que l?arrangement instrumental puisse être joué par tout orchestre. La partie chantée ad libitum (textes en néerlandais) peut être interprétée en solo ou par un choeur d?enfants. Cependant même en l?absence de voix enfantines cettemusique crée une chaleureuse ambiance de Noël.

Twinkling Tunes rassemble deux chants qui s?inscrivent dans la pure tradition de Noël composés spécialement pour les enfants. Le premier Lights of Christmas (Lumières de Noël) raconte une soirée agréable autour du sapin de Noël alors que Song of the Kings (La chanson des Rois) remet au goût du jour l?histoire originale des trois Rois Mages. Afin de préserver la simplicité des mélodies originelles le compositeur a fait en sorte que l?arrangement instrumental puisse être joué par tout orchestre. La partie chantée ad libitum (textes en néerlandais) peut être interprétée en solo ou par un choeur d?enfants. Cependant même en l?absence de voix enfantines cettemusique crée une chaleureuse ambiance de Noël.

Twinkling Tunes rassemble deux chants qui s?inscrivent dans la pure tradition de Noël composés spécialement pour les enfants. Le premier Lights of Christmas (Lumières de Noël) raconte une soirée agréable autour du sapin de Noël alors que Song of the Kings (La chanson des Rois) remet au goût du jour l?histoire originale des trois Rois Mages. Afin de préserver la simplicité des mélodies originelles le compositeur a fait en sorte que l?arrangement instrumental puisse être joué par tout orchestre. La partie chantée ad libitum (textes en néerlandais) peut être interprétée en solo ou par un choeur d?enfants. Cependant même en l?absence de voix enfantines cettemusique crée une chaleureuse ambiance de Noël.

Ce recueil propose des petites pièces faciles, que tous les débutants apprécieront. En solo ou en duo avec le professeur, on pourra s'entraîner et faire entendre des petites chansons, des pièces classiques, des danses, du blues, des tangos, des airs traditionnels? Des styles variés, des structures simples qui permettent très tôt de jouer de la '?vraie?' musique sur sa guitare. À consommer sans modération?! / Guitare

Ce recueil format poche vous propose 20 chansons pour les petits, avec accords, paroles et lignes mélodiques. Pour jouer en famille, lors des fêtes et autres anniversaires, ou tout simplement pour les initier au plaisir du chant.

Par PESSON GERARD. Méditée depuis 2007, aiguisée par la lecture des cantates de Bach, la création de Gérard Pesson marque sa première rencontre avec l'électronique et la lutherie virtuelle. Toute la poétique du compositeur français, un théâtre de lumières et d'intermittences, investit l'espace scénique des cantates : une machinerie minutieuse de gestes instrumentaux, d'objets trouvés, détournés ou fabriqués - les 'ciels acoustiques', l'orgue de verre. La dramaturgie se souvient du découpage baroque avec ses mouvements à configuration variable, les rythmes de danse ou l'alternance entre solistes et ensemble. Dans ce 'pays-cantate' qui est tout à la fois trace et mémoire, origine et destination, l'écriture vive du présent (les textes du jeune Mathieu Nuss ou d'Elena Andreyev) est interrompue par la visitation du passé, ici l'immense poésie de Gérard Manley Hopkins et sa vision d'une nature transfigurée. Extrait du programme du Festival Agora J'ai voulu ces cantates comme un théâtre intérieur, un théâtre de mots où le paysage de la musique, son mouvement panoramique, sa vitesse, sont le poème. Poème ami, d'abord supputé, appelé, discuté, biffé, dit et redit. Texte construit par lectures passionnées qui devient la préfiguration exacte du temps de la musique. Alors, musique et poème font territoire. Ils sont l'un à l'autre le pays. La cantate est opéra de climats, respiration articulée dans laquelle la musique devient didascalie du poème, son envers scandé. La cantate est une et fragmentée, c'est une narration librement relancée, souvent interceptée par son propre commentaire. Son fonds d'images serait comme partagé, ainsi que devait l'être, à l'époque de Bach, l'histoire biblique. J'ai souhaité que ces cantates, qui sont une dramaturgie sans action explicite, soient pourtant mises en profondeur, en lumières, en mots aussi, par un artiste venant du spectacle. J'en ai fait la proposition à Daniel Lévy avec qui j'ai déjà eu la chance de collaborer. Ces trois cantates sont distinctes, elles ont des effectifs vocaux et instrumentaux légèrement différents, mais une diagonale les traverse, qui passe par la poésie profonde et sidérante de Gerard Manley Hopkins (1844-1889) où se concentrent une méditation sur la présence de Dieu et une observation de la nature, de ses éléments dont la musique elle-même est une part atmosphérique. On retrouve un écho à 'la question de Dieu' et au 'décor planté' dans les deux textes contemporains des cantates 1 (Mathieu Nuss) et 3 (Elena Andreyev). Ces cantates adoptent une forme en numéros successifs, souvent brefs, enchaînés ou non. On trouve, par exemple dans la première, des chorals, des airs, des récitatifs, même si rien dans la musique (à part peut-être le son d'un orgue) ne fait allusion à l'univers baroque - si ce n'est aussi (dans la deuxième cantate) l'utilisation du poème de Manley Hopkins en hommage à Henry Purcell. L'électronique est ici la tentative qui prolonge et met en danger le poème (et non moins le musicien). Elle est pour moi l'aventure par excellence - ma première véritable incursion dans ce domaine. Foi en le poème, doute en l'électronique. Ce qui les lie est une sorte d'instrumentalisation dont la technique du sample devient le précipité poétique, changé ici en un clavier de sensations. Samples de voix, de vents, de pluies, de souffles, de train dans le lointain, d'horloges et d'oiseaux. Le murmure du monde - ce Naturlaut dont parlait Gustav Mahler - rentre tout entier dans une boîte à merveilles, laissant voir ses coutures (jusqu'aux gimmicks des boîtes à rythmes), mais non moins son aspiration presque enfantine à se fondre dans toutes les voix, à les épouser, à les déplier comme un de ces génies des contes orientaux qui sortent de la lampe à huile si on la frotte - et ici, on frotte beaucoup. Puis à son tour le sample, qui est affaire de cadrage serré, réensemence les instruments qui deviennent greffons de clavier. L'électronique, dans les trois cantates, est délibérément non spatialisée. Elle doit former avec les instruments et les voix, tous amplifiés, un son homogène et centré qui délimite l'espace du jeu, celui de la parole. L'électronique (sauf dans la cantate 2, où elle assume davantage la fonction d'un 'décor sonore') est le plus souvent fondue avec les musiciens en un méta-instrument. A aucun moment l'électronique n'affirme de puissance, de brillance. Sa présence, souvent indiscernable, est un point de fuite de l'écoute, comme une perturbation qu'on peut intégrer pleinement à l'image sonore, ou bien laisser opérer comme un venin légèrement urticant du timbre. God's Grandeur Cette cantate, d'après quatre poèmes de Gerard Manley Hopkins, forme un moment suspendu, découpé selon des unités poétiques auxquelles correspondent ce que j'ai appelé des 'ciels acoustiques', sortes de monochromes électroniques, cyclos sonores minimaux sur lesquels les voix et les instruments se posent : basse fréquence, ou hyper aiguë, impression sonore de ciel étoilé, bruit de vaporetto au loin, etc. Le son peut sembler parfois comme un léger parasite qui 'entame' l'écoute. Un petit clavier de verre dialogue avec des échantillonnages d'orgue véritable. C'est la plus hiératique, la plus chantée et récitative, la plus sombre aussi des trois cantates. Gérard Pesson / contemporain / Répertoire / Voix, Ensemble et Electronique

MURAIL Tristan Une relecture des Kinderszenen de Robert Schumann Discipline / Instrument : Relecture pour flûte, violoncelle et piano Création 03/03/2019 - Segry, Abbaye de La Prée - Samuel Bricault (flûte), Marie Ythier (violoncelle), Marie Vermeulin (piano) Notice [...] Enfin, pour bien illustrer cette rencontre qui est le thème de cet album, l'idée a germé, et s'est rapidement imposée, d'une réalisation que je ferais d'une oeuvre de Schumann, et qui constituerait le lien le plus évident entre les deux mondes sonores. Cette réalisation serait donc naturellement écrite pour les trois partenaires du disque, violoncelle, flûte et piano. L'idée m'est vite venue que les Kinderszenen (Scènes d'enfants) seraient parfaites pour ce projet. En effet, les Scènes d'enfants ont un potentiel musical, expressif, évocateur, qui dépasse de loin la réalisation pour piano de Schumann. Sans doute a-t-il voulu rester simple et facile - dans son esprit, les pièces devaient être jouables par des enfants. Je ne suis pas sûr que ce soit vraiment le cas... certaines pièces ne sont pas si faciles, d'autres supposent des écarts inaccessibles à une main d'enfant. Mais presque toutes sont de petits chefs-d'oeuvre, avec une grande puissance imaginative, reposant pourtant sur des idées simples et concises. Comment alors aborder cette réalisation, ou plutôt ce qui deviendra une relecturs : le regard d'un compositeur sur un autre compositeur ? J'ai vite écarté l'idée d'une instrumentation dans un style d'époque plausible - qui n'aurait presque rien apporté aux pièces originales, aussi bien que celle d'une trop profonde réécriture risquant d'aboutir à une trahison. J'ai cherché, finalement, à faire bénéficier les pièces de Schumann d'une mise en couleurs (comme on colorise de vieux films originellement en noir et blanc), d'une amplification des idées et des sentiments, tout en restant le plus fidèle à la lettre comme à l'esprit de la partition. J'ai repensé, toutes choses égales par ailleurs - car nous ne sommes là pas du tout à la même échelle -, à l'exemple magnifique des Tableaux d'une exposition orchestrés par Ravel. Ravel n'avait pas simplement orchestré le piano, il avait cherché à retrouver, cachée derrière la réalisation pianistique de Moussorgski, l'essence même des idées musicales qui avaient en fait préludé à la réalisation pour le piano, qui n'en était clairement qu'une des réalisations possibles. Fort de ces réflexions, je n'ai pas hésité, pour mon regard sur les Scènes d'enfants, à utiliser toute la moderne palette des techniques instrumentales, démultipliant ainsi les timbres disponibles et les effets acoustiques résultants de leurs combinaisons. Le flûtiste joue souvent la flûte alto, au timbre si chaud et expressif, au registre grave qui permet par endroit au violoncelle de chanter la voix supérieure. Le violoncelle est employé dans toutes ses possibilités d'articulations, de timbre, et de registre, changeant très vite d'un mode de jeu et d'une sonorité à l'autre. Réutilisant une approche de l'instrumentation que j'avais déjà mise en oeuvre dans des pièces telles que La Barque mystique, je fais rapidement changer de rôle chaque instrument, donnant ainsi l'illusion d'une orchestration bien plus nombreuse qu'un simple trio. J'ai donc cherché à accentuer le caractère de chacune des pièces, et à retrouver les intentions cachées derrière la simplicité du piano de Schumann, et j'ai ainsi obtenu des contrastes que la version originale ne permet pas - ou permet moins. Pour amplifier le côté enfantin ou féérique de la musique, je me suis autorisé quelques ajouts, que j'évoquerai plus loin ; néanmoins j'ai voulu respecter le texte intégralement, en ce sens que pas une note ne manque de la partition originale, que les harmonies tonales sont intégralement respectées, de même que l'écriture rythmique. En revanche, de concert avec les interprètes, nous n'avons pas toujours suivi les mouvements métronomiques indiqués par Schumann, qui paraissaient souvent trop rapides (il y a d'ailleurs parfois quelques contradictions entre les commentaires de Schumann sur ses pièces, et les tempi indiqués). Les pièces originales, probablement en raison des contraintes mentionnées plus haut, sont cantonnées dans les registres médium et médium-grave. J'ai décidé de les éclaircir par endroit, en ajoutant des résonances ou doublures aiguës, ou à l'inverse d'ajouter quelques notes plus graves pour donner plus de corps à la sonorité. C'est donc ainsi qu'une étrange sonorité (bisbigliando de flûte, trille d'harmoniques du violoncelle) introduit la première pièce, puis plane au-dessus d'elle (Von fremden Ländern und Menschen = Des Pays et des hommes étrangers - ou étranges), que Hasche-Mann (Colin-Maillard) deviendra encore plus furtif, tandis que le Cheval de bois (Ritter vom Steckenpferd) claquera, soufflera et hennira. Fürchtenmachen fera vraiment peur ! Dans l'ultra-célèbre Rêverie (Traümerei), après l'énoncé du thème dans ce registre si expressif de l'aigu du violoncelle, le piano prendra soudain la parole, comme dans un concerto romantique. Comme je le disais plus haut, quelques éléments enfantins viendront, à l'occasion, s'ajouter à la trame sonore : petite boîte à musique (dans l'aigu du piano) dans la première et la dernière pièce, sons percussifs col legno du violoncelle dans Wichtige Begebenheit (Evénement important) - transformé pour l'occasion en marche militaire pour soldats de plomb... Et finalement, l'enfant s'endormira (Kind im Einschlummern), bercé par le violoncelle se balançant entre ponticello et ordinario, et apaisé par les sons éoliens de la flûte... J'espère que les auditeurs partageront le plaisir que j'ai eu à imaginer cette relecture, et que nous avons eu à l'enregistrer ; un grand merci aux trois interprètes, Marie Ythier, Marie Vermeulin, et Samuel Bricault, pour leur participation enthousiaste à cette entreprise, et pour leurs nombreuses et judicieuses suggestions.