De La Sonorite: Art et Technique

Trevor Wye. Une addition inestimable d'étude pour tous les flûtistes. Chaque livre se concentre sur un problème technique différent, couvrant ainsi tous les aspects du jeu de l'instrument. / Flûte Traversière / 44 pages / niveau : Débutant / Partition

On Sonority: Art and Technique / Ãœber Tonbildung: Kunst und Technik-This is the Japanese version of De la Sonorité a book published in 1934 and written by the French flautist and composer Marcel Moyse (1889-1984) proposing a method to acquire a beautiful sonority on the Flute. Created for the use of advanced flautists the exercises should give a means to the players to transform their sounds and obtain a different and better tone. De la Sonorité is divided into five parts: 1. Timbre and homogeneity of tone in the 3 registers 2. Suppleness of tone (especially in the low register) 3. Attacking and slurring notes 4.Fullness of tone 5. Management of tone in interpretation Considered as a maestro by some musicians Marcel Moyse has composed many Flute methods and exercise books also published by Alphonse Leduc such as Gammes et Arpèges (1933) Exercices Journaliers (1922) and Mécanisme-Chromatisme (1927). His methods are widely used and recognised worldwide.

Francais - Anglais - Allemand-Published in 1934 and written by the French flautist and composer Marcel Moyse (1889-1984) De la Sonorité proposes a method to acquire a beautiful sonority on the Flute. Created for the use of advanced flautists the exercises should give a means to the players to transform their sounds and obtain a different and better tone. De la Sonorité is divided into five parts: 1. Timbre and homogeneity of tone in the 3 registers 2. Suppleness of tone (especially in the low register) 3. Attacking and slurring notes 4. Fullness of tone 5. Management of tone in interpretation Considered as a maestro by some musicians Marcel Moyse has composed many Flute methods and exercise books such also published by Alphonse Leduc such as Gammes et Arpèges (1933) Exercices Journaliers (1922) and Mécanisme-Chromatisme (1927). His methods are widely used and recognised worldwide.

Cette leçon d'archivage par le bassiste fin et très-raté, Rick Danko, nous donne une occasion d'entendre, de première main, comment son jeu propulsées par fusion unique du groupe The du pays, de blues et de racines-rock. Dans une rare séance d'une heure d'instruction enregistrée en 1987, Rick en détail certains des exercices, choix des techniques et des idées musicales qui forment son style de la marque de commerce. Avec son enthousiasme caractéristique et la bonne humeur, il montre la bonne façon de construire des échelles - montre comment il utilise un flatpick pour obtenir sa sonorité percussion - fournit des exercices pour le développement de lignes de basse - et donne 'à l'intérieur des conseils sur comment verrouiller dans une rainure avec un batteur. Rick parle avec le producteur de l'étoffe Happy Traum de certains de ses influences et les expériences et est ensuite rejoints par quelques amis de Woodstock musicales pour une confiture informel. Ce DVD est un régal merveilleux, non seulement pour les joueurs de bass mais pour quiconque s'intéresse à la musique de cette artiste légendaire. / Guitare Basse

Par VEILHAN FRANCOIS. 9 études, approche et prolongement qui permettent aux flûtistes un premier travail sur les nouvelles techniques qui les orienteront vers une recherche particulière de la qualité du son, des attaques ou de la conduite d'une phrase. Un tableau récapitulatif permet l'organisation d'un travail méthodique. / Niveau : Elémentaire / méthode - études / Méthode / Flûte Traversière

sur un chant traditionnel de l'Aubrac. Par KLEYNJANS FRANCIS. Voici un thème et variation composés par Francis Kleynjans sur un thème traditionnel originaire d'Auvergne. Le caractère populaire de cette danse paysanne à 3 temps est valorisé par la guitare. Dans les 6 variations qui vont suivre, le compositeur emploie pour chaque variation des techniques peu orthodoxes et élargit ainsi le champs des possibilités de la guitare. Il y a du 'taping' avec les deux mains dans la première variation, caractérisant les deux lignes mélodiques. La deuxième variation prend une touche humoristique grâce a l'emploi de glissandi et de coulés en appogiatures. On trouvera dans la troisième variation un mode de jeu utilisant une technique rare. Celle-ci consiste à jouer des notes derrière la main gauche qui appuie sur certaines notes. Ainsi, on obtient un son très doux, 'en son de mandoline', comme le mentionne l'auteur. Chaque variation utilise une technique très particulière et nécessite une grande attention pour produire l'effet souhaité. L'ingéniosité réside dans les différentes techniques employées dans ces variations offrant des sonorités nouvelles et permettant d'aborder de nouveaux effets sur la guitare. Cette musique laisse paraître clairement l'empreinte du guitariste Francis Kleynjans maîtrisant parfaitement les possibilités de son instrument. Ce nouveau chef-d'oeuvre va permettre d'enrichir le répertoire moderne de la guitare. Effet de surprise garanti ! Cette pièce pourra être jouée par un élève de milieu de deuxième cycle. Lionel Fraschini L'Education Musicale no128 (janv-fév 2020) / Niveau : Intermédiaire / Classique / Répertoire / Guitare

Création 26/08/2015 - Sion (Suisse) - Finale du Concours International de violon Tibor Varga - Orchestre de Chambre de Lausanne Commanditaire Concours International de violon Tibor Varga Notice Le futurisme italien fut, au début du XXe siècle, le premier véritable mouvement d'avant-garde qui, en Europe, refusa l'art dans sa totalité, décréta l'abolition du passé et prétendit rénover tous les aspects de la vie humaine en cherchant à exprimer la nature et les problèmes du monde moderne. Le mouvement fut inauguré par Marinetti en 1909, suivi un an plus tard du manifeste de la peinture futuriste signé par Giacomo Balla, Carlo Carrà, Umberto Boccioni et Luigi Russolo. La bataille futuriste, qui mobilisa le vif de l'art italien de 1910 à 1916, naquit d'une violente polémique contre la tradition figurative et la conception de l'image-spectacle. La philosophie futuriste, nourrie d'élan vital, d'utopie machiniste et d'ardeur dionysiaque entendait dynamiter la culture antiquaire de l'Italie officielle. Marinetti exalte la vitesse, le mouvement, le bruit, la guerre. Mais aussi la pulsion, la déraison, la transgression, le débridement des ambitions et des désirs humains. Le caractère novateur et visionnaire du futurisme italien fut toutefois passablement terni par ses imprécations et ses fourvoiements politiques. Laissant de côté l'orientation réactionnaire du mouvement et son esprit de clocher extrémiste, on retiendra, parmi les traits les plus originaux du futurisme pictural, la recherche de la représentation du mouvement, avant l'invention du cinéma et avant l'art cinétique. S'inspirant des séquences photographiques d'Eadward Muybridge et de la chronophotographie d'Etienne-Jules Marey, les futuristes italiens sont parvenus à un incontestable degré de réussite dans le domaine proprement plastique. Le processus du devenir est représenté comme tel, et se déploie selon des lignes de force et des formes en croissance. La couleur est également saisie dans son dynamisme, avec ses foyers et ses aires de diffusion. Dans Le mani del violinista, une huile sur toile de 1912 aujourd'hui à Londres, Giacomo Balla s'est également livré à un exercice de synesthésie, cherchant à transposer en images un processus qui fait appel à d'autres modalités sensorielles. Le geste du violoniste, le placement de l'instrument à hauteur d'épaule, les mouvements combinés de la main et du bras, l'écartement et l'échelle d'appui des doigts de la main gauche, la mise en vibration des cordes, l'élan et le rebondissement de l'archet, sa vivacité et son exactitude, tous ces facteurs qui d'ordinaire demeurent imperceptibles et indissociables sont ainsi décomposés, puis réunis et rendus en une impression unique. Les mouvements successifs de la main et les morsures d'archet se séparent selon des procédés pointillistes, puis s'assemblent en une séquence accélérée et se lient dans le même fondu qui restitue l'unité et les inflexions de la tension musculaire. Ce qui est donné à voir n'est pas une illustration réaliste ni une nomenclature des possibilités instrumentales mais un condensé des allures de l'exécution transcendante, montrant les réflexes d'une main rompue au mécanisme de son instrument. Ma propre version musicale de la toile de Giacomo Balla s'inspire des caractères de cette vision futuriste de l'art. La virtuosité même de l'instrumentiste, son habileté d'exécutant, est ici expressément représentée comme un art de l'art. La partition porte une attention aigüe à la technique spécifique de l'effet sonore, à la justesse du geste instrumental dans la dépense de l'archet et la souplesse des déplacements. La grande école des violonistes consistait à faire disparaître le manteau rugueux des aspérités naturelles de l'instrument sous une surface lisse et parfaite de sonorités épurées. Ce grand art évolue aujourd'hui sous la pression d'une esthétique contemporaine plus sensible au grain, aux effets de texture voire aux effets raboteux de l'archet. Un autre type de virtuosité se fait jour, qui intègre les coups d'archets, les accents, les sons dénaturés, dans une sorte de formalisme instrumental pris au second degré. Les interférences entre les différents modes de jeu importent plus désormais que leur intégration dans une sonorité optimale. Cet art insatiable ne recherche plus la magnificence mais l'épreuve. La partition se divise en trois grandes parties. La première est une cadence confiée au soliste, centrée sur les accords, la rythmique et les enjambements d'une articulation qui ne se plie pas aux divisions métriques de la mesure. La seconde partie est l'enfer des violonistes et met aux prises, parmi toutes les cordes de l'orchestre, des figures contrapuntiques hachées, heurtées et contrastées. La troisième partie est davantage tournée vers des études d'équilibre de sonorités, dont la cohérence est délicate à obtenir car les notes se situent dans des registres extrêmes ou paradoxaux. Le soliste est confronté à un type nouveau de virtuosité, celui des sons harmoniques - groupes d'harmoniques naturels ou artificiels. Commande du Concours International de Violon Tibor Varga Sion Valais, la partition est écrite pour l'Edition 2015 de ce Concours. L'oeuvre est dédiée à Enzo Restagno. Hugues Dufourt

La méthode Hal Leonard Classical Guitar est conçue pour tous ceux qui apprennent à jouer de la guitare classique. Ce guide complet et facile à utiliser, rédigé par le célèbre guitariste classique et professeur Paul Henry, utilise la musique des maîtres compositeurs pour approfondir votre compréhension du style et de la technique classiques. Le 2e volume comprend : la sonorité; la dynamique ; l\'étouffement ; la sixième corde accordée en ré ; les notes au-dessus de la position ouverte ; le déplacement de la main gauche ; les notes d\'agrément, les glissades et les articulations ; les harmoniques naturelles et artificielles ; les barrés complèts et partiels ; les trilles et les mordants ; les gammes à deux octaves ; le vibrato ; le contrepoint ; la révision de la technique de la main gauche et de la main droite ; les exercices de liaisons ; et plus encore ! Ce recueil comprend également l\'accès à plus de 50 pistes audio pour la démonstration et l\'accompagnement. L\'accès aux fichiers audio se fait en ligne à l\'aide du code unique qui se trouve dans le livre et peut être écouté en continu ou téléchargé. Les fichiers audio comprennent PLAYBACK , un lecteur audio multifonctionnel qui vous permet de ralentir l\'audio sans modifier la hauteur, de définir des points de boucle, de changer de tonalité et d\'effectuer un panoramique à gauche ou à droite. / Méthodes et pédagogie / Guitare / Guitare acoustique / HAL LEONARD

Par BORSARELLO FREDERIC. Tous les ensembles dits de « Musique de Chambre » s?efforcent de construire leur technique, de façon à obtenir une parfaite homogénéité (timbre, justesse, rythmes et nuances). Ce recueil en trois parties, unique en son genre, permet d?exercer et de préparer l?oreille à cette finalité, essentielle à l?écoute de ces concepts. Toutes les pièces peuvent être jouées dans un ordre choisi par l?enseignant, selon le degré de l?élève. L?auteur ayant pris soin de donner au premier et deuxième violoncelle les mêmes difficultés, il sera plus facile de réunir deux élèves d?un même niveau (surtout si leurs cours sont consécutifs), et ce, afin de favoriser la musique collective, objectif du recueil. Ces relais de sons enchaînés et alternés d?un violoncelle à l?autre, incitent les interprètes à écouter leur partenaire note à note, développant ainsi la mémoire auditive, et à faire preuve d?une extrême concentration. Pour éviter les difficultés dues à la juxtaposition des deux mains, la première de ces trois parties sera réservée aux relais de cordes à vide ; la conclusion de cette partie propose une criture plus conventionnelle. Considérons la deuxième partie comme un intermède musical plus divertissant, soit le résultat d?un travail d?écoute. La troisième et dernière partie du cahier, montre que les sonorités contemporaines sont également adaptables à cette technique. Elle peut être pratiquée à partir de deux musiciens, quelle que soit la famille d?instruments. Puisse cet ouvrage intéresser les Chambristes et les faire progresser dans leur Art ! Frédéric BORSARELLO / Date parution : 2023-03-21/ Recueil / 2 Violoncelles

Cette méthode historique (1926) correspond à un principe de base parfaitement juste et toujours d'actualité : au début, la technique de l'archet et celle de la main gauche sont entièrement séparées l'une de l'autre. L'élève continue les exercices d'archet sur corde à vide jusqu'à ce qu'il ait obtenu une certaine aisance d'archet et jusqu'à ce qu'on puisse noter en lui l'éveil et le développement de sa sensibilité à la sonorité. Ce travail systématique est excellent et il est certain que les élèves ayant travaillé avec cette méthode posséderont, à la fin de la première année, des qualités de sonorité infiniment meilleures que ceux qui ont travaillé avec d'autres méthodes existantes.

Par BONODOT-MARTIN CLAUDINE. Professeure de flûte traversière, animée par la passion de la transmission depuis de nombreuses années, j\'ai eu le désir de proposer une progression en douceur des acquisitions techniques et musicales des élèves flûtistes, dès la fin du cycle 1. Ainsi, j\'ai réuni dans cet ouvrage, un parcours pédagogique original qui permet aux élèves comme aux professeurs de prendre plaisir à jouer en duo, tout en développant la connaissance du répertoire de la flûte. Le recueil peut également servir de support pour le déchiffrage instrumental auprès d\'élèves de niveau plus avancé. En parfait accord! est constitué de 18 étapes articulées sur deux pages. Chacune offre les rubriques suivantes: - Sonorité : une préparation pour l\'écoute, l\'intonation et la détente de l\'embouchure. - Agilité: une gamme (avec mineurs mélodiques ascendant et descendant pour les gammes mineures), suivie de tierces et arpèges avec articulations variées. - Étude Mosaïque : une composition originale de Gilles Martin abordant un aspect technique et rythmique spécifique, toujours au service de la musicalité. - Répertoire : un arrangement d\'extrait de sonate, concerto, solo ou trait d\'orchestre mettant en valeur la flûte traversière, de l\'époque baroque jusqu\'au XXe siècle. Comme dans une mosaïque byzantine, le flûtiste assemblera ses multiples compétences dont la combinaison fera de lui, je l\'espère, un musicien accompli et heureux ! En vous souhaitant beaucoup de plaisir dans la découverte de cet ouvrage, Claudine BONODOT-MARTIN / Date parution : 2022-07-20/ Etude / Flûte Traversière

Cette pièce repose presque entièrement sur les transformations successives d'un son grave (le ré dièse que l'on entend longuement au début), dont se développe progressivement le contenu harmonique.
La technique instrumentale utilise beaucoup le jeu sur les timbres, qui développent les harmoniques ou mettent en valeur une polyphonie au niveau des formes.
La pièce étant écrite à partir de spectres , donc de fréquences non tempérées, les micro-intervalles sont utilisés de façon systématique, en particulier les quarts de ton. Les ondes Martenot se prêtent assez bien à ce type d'écriture, contrairement à la plupart des instruments classiques ou modernes.
On remarquera aussi l'emploi d'équivoques, d'ambiguïtés entre les divers modes de jeu (jeu au clavier-jeu au ruban, résonances des haut-parleurs-résonances jouées, etc.).
La pièce se veut une sorte d'antidote aux sonorités, souvent qualifiées de sirupeuses , des ondes Martenot, et tente de traiter l'instrument pour ce qu'il est : un générateur instrumentalisé de sons électroniques.
Elle était aussi destinée à servir de pièce de démonstration à mon propre usage, pour les innombrables concerts-lectures et autres pre-concert talks que j'ai été amené à faire avec l'instrument. D'où d'assez grandes difficultés techniques, d'un type inusuel, qui effraient plus d'un ondiste ...
Le titre est une allusion à la période de modernisme optimiste des années vingt-trente (période où sont apparus les ondes Martenot et d'autres instruments électroniques), où les artistes célébraient volontiers le triomphe des nouvelles découvertes (Delaunay, Léger, Dufy...)

Tristan Murail / Partition /

Professeure de flûte traversière, animée par la passion de la transmission depuis de nombreuses années, j'ai eu le désir de proposer une progression en douceur des acquisitions techniques et musicales des élèves flûtistes, dès la fin du cycle 1.Ainsi, j'ai réuni dans cet ouvrage, un parcours pédagogique original qui permet aux élèves comme aux professeurs de prendre plaisir à jouer en duo, tout en développant la connaissance du répertoire de la flûte. Le recueil peut également servir de support pour le déchiffrage instrumental auprès d'élèves de niveau plus avancé.En parfait accord! est constitué de 18 étapes articulées sur deux pages. Chacune offre les rubriques suivantes:- Sonorité : une préparation pour l'écoute, l'intonation et la détente de l'embouchure.- Agilité: une gamme (avec mineurs mélodiques ascendant et descendant pour les gammes mineures), suivie de tierces et arpèges avec articulations variées.- Étude Mosaïque : une composition originale de Gilles Martin abordant un aspect technique et rythmique spécifique, toujours au service de la musicalité.- Répertoire : un arrangement d'extrait de sonate, concerto, solo ou trait d'orchestre mettant en valeur la flûte traversière, de l'époque baroque jusqu'au XXe siècle.Comme dans une mosaïque byzantine, le flûtiste assemblera ses multiples compétences dont la combinaison fera de lui, je l'espère, un musicien accompli et heureux !En vous souhaitant beaucoup de plaisir dans la découverte de cet ouvrage,Claudine BONODOT-MARTIN / Flute / Billaudot

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre