Mouvement Pour Harpe

Voici une partition musicale pour Harpe et plus spécialement pour Grande Harpe Ou Harpe A Simple Mouvement que vous pouvez acquérir pour moins de 10C. Classée dans la catégorie Classique, cette partition a pour titre MELODIES HEBRAIQUES, POUR GDE HPE OU HPE A SIMPLE MOUV. VOLUME 1. C'est l'éditeur Billaudot sous la référence GB5498 qui a les droits pour éditer cette partition. / Grande Harpe Ou Harpe A Simple Mouvement / Partition

Par DECRUCK FERNANDE. Le Concerto pour harpe et orchestre, dédié au harpiste et pédagogue français Pierre Jamet et créé par lui le 31 mars 1946 avec l'orchestre des Concerts Colonne sous la baguette de Paul Paray, n'est pas sans rappeler la Sonate pour harpe de Germaine Tailleferre. C'est un concertino de style léger, chaleureux et plein de surprises. À la première représentation par les Concerts Colonne, Henry Malherbe a déclaré qu'il s'agissait d'une œuvre « au sentiment délicat et animé » et que « Pierre Jamet, harpiste de renom, a accompli une belle réussite. » Pierre Jamet deviendra d'ailleurs professeur de harpe au Conservatoire de Paris deux années plus tard (c'est-à-dire en 1948). Toutefois, Decruck semble en être restée sur sa faim. En effet, dans sa partition définitive, elle déclare que le quatrième mouvement, une fughetta, devrait être coupée. Ce concerto a été enregistré en 2022 par le harpiste Chen-Yu Huang et le Jackson Symphony Orchestra dirigé par Matthew Aubin (Claves Records 3046). / Date parution : 2022-10-12/ Répertoire / Harpe et Piano

La référence EFM1901 de l'éditeur Billaudot dont l'auteur célèbre est Larhantec Marie-Anne, qui a pour titre MOUVEMENTS A LA CORDE LISSE, a été écrite et composée pour Harpe et plus particulièrement pour Harpe Celtique. Cette partition musicale appartient à la catégorie Classique. / Harpe Celtique / Partition

Par WERNER OSKAR. Après la 'Rhapsody in Zigeunerton' (RL 40 910), voici de travail d'un compositeur. La sonate est en quatre mouvements et est basé sur la forme sonate classique. La première série de motifs traités le thème de la Sonate pour piano en la majeur, Op. 2, #2 de Ludwig van Beethoven, le deuxième mouvement est un espressivo Larghetto, le troisième mouvement est un scherzo avec un trio que le travail se termine par un Allegretto sereine./ Répertoire / Harpe et Piano

L'écriture d'un concerto pour harpe et orchestre est très difficile sans doute, mais tout à fait fascinante et inspirante. L'idée de ce concerto m'a été suggérée par la harpiste tchèque Jana Bouskova. L'oeuvre s'inspire de la ville de Prague. Encadrées par huit mouvements, maintes séquences reflètent sans aucune logique narrative divers phénomènes, situations, images et allusions étroitement liés à cette ville. Ce sont de simples dédicaces. J'aimerais un jour écrire une version pour harpe, quatuor à cordes et percussions dynamiques avec des mouvements sans déplacement. Les nouvelles dimensions de la musique sont la profondeur, la transparence, la fluidité et la luminosité.Krystof Maratka / Harpe Et Orchestre

'Pour moi, c'était d'avoir un titre de travail ont déjà un an avant la réelle composer l'un de ces rares expériences. Il a été créé au cours d'une conversation avec la harpiste Marshall McGuire (pour lequel il a été écrit) autour d'un café.Une pièce en un seul mouvement, avec 13 accords, qui sont divisés en groupes vau-l'eau. La pièce est dominée par une sorte d'horreur jeux harmonies riches que j'ai développé à travers les différentes étapes pour découvrir la richesse des couleurs de la harpe. '(Elena Kats-Chernin) / Harpe

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Conçu en trois mouvements, ce concerto pour hautbois évoque trois « états poétiques » de la journée. L'heure bleue, c'est la période entre le jour et la nuit où le ciel se remplit d'un bleu plus foncé que le bleu ciel du jour. C'est aux premiers instants de l'heure bleue que l'ensemble des oiseaux se met à chanter et qu'en été le parfum des fleurs devient plus intense. L'heure exquise, c'est le moment d'« Un vaste et tendre apaisement » comme l'écrit Verlaine dans le poème que je cite en exergue de ce mouvement lent. L'heure fugitive, c'est le temps des plaisirs et de l'amour, le « Carpe diem » d'Horace, avec en exergue ces vers de Lamartine : « Aimons donc, aimons donc ! de l'heure fugitive, hâtons-nous, jouissons ! » Le premier mouvement (le plus long des trois), L'heure bleue, est bâti sur deux thèmes : le premier, disjoint et délicat, est exposé par le soliste, le deuxième, très chantant, est donné par les violons. Le développement des thèmes passe tour à tour du scherzando au lyrique pour aboutir à une cadence du soliste accompagné par un orchestre frémissant. La nature s'emplit de chants, de murmures, de bruissements. Puis, dans la réexposition, après le retour forte et exultant du premier thème, tout se calme dans un miroitement orchestral. Le deuxième mouvement, L'heure exquise, est de forme ternaire et de caractère rêveur. La tendre confidence du soliste mène à la partie centrale sur pédale de Ré : le temps semble suspendu et le soliste en apesanteur. La troisième partie retrouve le motif tendre du début, mais ralenti dans une lente extase. Le troisième mouvement, L'heure fugitive, affirme une pulsation presque ininterrompue sur un motif funky. Seules quelques mesures plus lyriques, accompagnées par la harpe, forment une respiration avant le retour de la transe rythmique qui s'achève dans la frénésie du soliste et de l'orchestre. / Hautbois / Billaudot

Par LESVENAN HERVE. À la veille du passage à l?an 2000, architectes, charpentiers, tailleurs de pierre, maîtres verriers mettaient fin à un long travail de restauration et sept siècles de construction, pour redonner à la cathédrale de Quimper sa splendeur initiale. Fêter la fin des travaux était l?occasion de rassembler dans un même hommage ceux qui ont participé à sa restauration et tous ceux qui l?ont fondée, bâtie, transformée au cours des siècles. Cette double commande musicale et littéraire de la Direction des affaires culturelles, a été faite auprès de Philippe Le Guillou pour le texte et d?Hervé Lesvenan pour la musique. Leurs réalisations toutes deux mêlées deviennent un Hymne aux bâtisseurs, création originale interprétée pour la première fois le 11 décembre 1999, par les ensembles vocaux de Quimper et des concertistes de Bretagne, sous la direction de Philippe Nahon, et reprise en 2011, avec une nouvelle orchestration, sous la direction d?Hervé Lesvenan et Marta Gliozzi pour les ch?urs. / Date parution : 2011-01-30/ Répertoire / Partie de Choeur

Vous sentez-vous enfin prêt vous procurer un recueil de chansons après avoir suivi des cours ? La collection First 50 mène les musiciens en herbe dans la bonne direction. Ces recueils rassemblent des arrangements de chansons incontournables, allant du niveau facile intermédiaire. Chaque arrangement est simplifié tout en capturant l'essence de la mélodie. Maintenant disponible pour une plus large gamme d?instruments, cette collection est un article indispensable en stock pour tout magasin de musique !
All I Ask Of You (from THE PHANTOM OF THE OPERA)
All You Need Is Love
Amazing Grace (Tune Name: NEW BRITAIN)
And So It Goes
Ashokan Farewell (Theme from PBS Series THE CIVIL WAR)
At Last (from ORCHESTRA WIVES)
Beauty And The Beast (from BEAUTY AND THE BEAST)
Bring Him Home (from LES MISERABLES)
Can You Feel The Love Tonight (from THE LION KING)
Can't Help Falling In Love (from the Paramount Picture BLUE HAWAII)
Canon In D (featured in ORDINARY PEOPLE)
Could I Have This Dance (from URBAN COWBOY)
Danny Boy (featured in the Television Series THE DANNY THOMAS SHOW)
Fields Of Gold
From This Moment On
Fur Elise, WoO 59
Greensleeves
Hallelujah (featured in the DreamWorks Motion Picture SHREK)
Here, There And Everywhere
Hymne
I Dreamed A Dream (from LES MISERABLES)
I Just Called To Say I Love You (from THE WOMAN IN RED)
I Will
Let It Go (from FROZEN)
Lullaby (Cradle Song)
Lullabye (Goodnight, My Angel)
Memory (from CATS)
Morning Has Broken
My Heart Will Go On (Love Theme From 'Titanic') (from the Paramount and Twentieth Century Fox Motion Picture TITANIC)
Nocturne
Ode To Joy (from SYMPHONY NO. 9 IN D MINOR, FOURTH MOVEMENT CHORAL THEME)
Open Arms
Over The Rainbow (from THE WIZARD OF OZ)
River Flows In You
The Rose (from the Twentieth Century-Fox Motion Picture Release THE ROSE)
Scarborough Fair/Canticle
Send In The Clowns (from A LITTLE NIGHT MUSIC)
September Song (from the Musical Play KNICKERBOCKER HOLIDAY)
Sunshine On My Shoulders
Sweet Child O' Mine
A Thousand Years (from the Summit Entertainment film THE TWILIGHT SAGA: BREAKING DAWN - PART 1)
Time To Say Goodbye
Unchained Melody (from the Motion Picture UNCHAINED)
Water Is Wide
What A Wonderful World (featured in the Motion Picture GOOD MORNING VIETNAM)
Wonderful Tonight
Yesterday (featured in YESTERDAY)
You Light Up My Life (from YOU LIGHT UP MY LIFE)
You Raise Me Up
You'll Be In My Heart (from TARZAN (R))
/ Partitions variété - pop - rock / Variété internationale / Cordes / HAL LEONARD

Symphony No. 3-La troisi?me symphonie de Philip Sparke A Colour Symphony fut command?e par le Sinfonisches Blasorchester Wehdel dont le chef d???orchestre est Thomas Ratzek. Dans chacun des cinq mouvements (white yellow blue red and green) le compositeur ?tablit un rapport entre l???instrumentation et les ?l?ments harmoniques et la couleur r?elle attribu?e au mouvement sp?cifique. Pour cr?er autant de richesse que possible Philip Sparke utilise une instrumentation vari?e qui comprendles bois de registre grave harpe piano et violoncelles. A Colour Symphony est un ajout impressif et iconique au r?pertoire de norme des grands orchestres d???harmonie.

Philip Harper a créé une transcription formidable de l?énergétique troisième mouvement du Concerto pour piano no.3 en ré mineur de Rachmaninoff. Ce mouvement comprend des variations sur un thème du premier mouvement de ce concerto. Les dernières notes deviendront la signature musicale de Rachmaninoff. Un morceau exceptionnel et très spectaculaire !

Par NEWTON ABBY. Aujourd'hui le violoncelle est habituellement considéré comme un instrument classique, mais la fin XVIIe au début du XIXe siècle, il a été utilisé dans des ensembles folkloriques à fournir des rythmes faibles, conduites danse tunes et à rendre haunting airs écossais. Au sein de la Renaissance de la musique folklorique du passé quarante ans il y a eu un mouvement petit mais dédié à restaurer la richesse unique du violoncelle à la musique traditionnelle et Newton Abby a été à l'avant-garde de ce mouvement. Abby a été profondément impliqué avec la musique écossaise depuis, voyageant à et d'effectuer, en Ecosse, plusieurs fois. Les airs, les planxties et les bobines, cet ouvrage proviennent de sources traditionnelles et contemporaines, y compris le violoneux du XVIIIe siècle Neil Gow, harper Turlough O'Carolan, Daithi Sproule, David Hornung, Alasdair Fraser, Ronnie Aimes et autres. Tous les 19 de la mélodie sont écrites pour violoncelle solo avec corde symboles inclus sur la plupart des airs pour un instrument d'accompagnement. Le texte comprend également des notes de l'auteur sur l'origine de chaque morceau. / Niveau : Débutant à Intermédiaire / Scottish - Transcribed Solos / Recueil / Violoncelle

C'est le samedi 28 juillet 1855, au Conservatoire de Paris, que le concours de la classe de trombone eut lieu. Cette année-là, une matinée suffit à auditionner tous les candidats pour la raison qu'explique Paul Smith, dans la Revue et Gazette musicale: «?Toute la famille des instruments à vent [?] s'était donné rendez-vous avec une harpe dans une seule et même matinée. La guerre s'est chargée d'abréger le concours: beaucoup d'élèves avaient forcement quitté les classes pour suivre leurs régiments en Crimée. Néanmoins, il en restait encore assez pour que le concours fût honorable.?» Le professeur, Antoine Dieppo, présenta ce jour-là deux étudiants qui furent récompensés: Jean-Baptiste-Frédéric Masset (né en 1828) obtint un premier prix tandis que François-Achille-Alfred Dauger (né en 1825) recueillit un deuxième prix. En plus de l'exécution du morceau imposé - le Solo de Trombone de Charles Gounod (1818-1893) présentement édité -, les élèves étaient également soumis à une épreuve de lecture à vue. En 1855, il s'agit d'un allegro pour trombone avec accompagnement de violoncelle d'un compositeur anonyme, morceau déjà imposé en 1852.Le Solo de Trombone de Gounod ne fut jamais publié et la partition disparut bientôt de la circulation, étant déclarée perdue par l'ensemble de biographes du compositeur jusqu'à très récemment. Deux manuscrits ont permis la reconstitution de la présente édition. Le premier - une partie de trombone seul - fut découvert dans une brocante à la fin des années 1990, le second appartient à Frantz Couvez, tromboniste, qui en possède une photocopie reçue de son professeur, Gilbert Moisand. Différents éléments stylistiques confirmèrent rapidement qu'il s'agit bien d'une pièce de Gounod: le style général, proche des Six mélodies pour cor et piano de 1839, certains détours harmoniques - même si la main n'est pas encore tout à fait personnelle - et l'accompagnement de piano, qui ne fut pas sans poser quelques problèmes. L'aspect non pianistique d'autres oeuvres du compositeur, déjà frappant dans les Mélodies pour cor, se retrouve en effet ici : Gounod n'était pas pianiste et détestait réaliser ce genre de réduction, détail confirmé par Gérard Condé. La présente édition réaménage donc certains passages (harmonie complétée ou redistribuée, figurations pianistiques améliorées, superpositions de mains réaménagées?).Ce Solo est écrit en deux mouvements. Le premier, en sol mineur, débute par une introduction andante, étonnement développé par rapport à l'ensemble de la pièce. Ce tutti débouche sur un adagio cantabile en 6/8, véritable aria à la sensualité toute italienne. La ligne instrumentale, soutenue par un balancement régulier de triolet, épouse les contours d'une phrase vocale caractéristique de Bellini ou Donizetti, alors en pleine vogue à Paris. La seconde partie de la pièce en molto pomposo e ben marcato en si bémol majeur, fait office de cabalette, achevant par des figures en triolets d'une difficulté non négligeable.Laurent MadeufParis, septembre 2018Cette première publication du Solo de Gounod est enrichie par la pièce de la lecture à vue (déchiffrage) donnée à la même année. Cette courte pièce avec accompagnement de violoncelle d'un auteur anonyme suit une longue tradition de juger le candidat par sa capacité de lire et d'interpréter avec une très brève préparation. / Trombone / Bim