Format : Score and PartsLangue : Français
/ Exemplaire Complet / niveau : Or:2 / Partition
SKU: BT.AMP-202-010
9x12 inches. English-German-French-Dutch.
This piece is about a medieval legend, The Treasure of Zolverknapp, thatis associated with the region around the village Zolver in Luxembourg.It tells the tale of hidden treasure, brave knights, fierce battles, silverand jewels and a devil?s curse! All of these combine to make The Legendof Celobrium a legendary concert work. The Legend of Celobrium is geschreven in opdracht van de Harmonie de Soleuvre uit Luxemburg, ter gelegenheid van het honderdjarig bestaan in 2007. Celobrium was de Romeinse naam voor Soleuvre (Zolwer in het Luxemburgs, Zolverin het Duits). Het werk beschrijft een beroemde sage die al eeuwen bekend is in de regio. Een muzikaal verhaal boordevol avontuur!Dieses Stück handelt von einer mittelalterlichen Sage aus der Region um das Dorf Zolver (lateinisch Celobrium) in Luxemburg. Sie erzählt von einem Silberschatz in einer alten Burg. Raubritter, Krieg, Flucht, Silber und Juwelen, der Teufel und ein Fluch, der heute noch jene trifft, die versuchen, den Schatz zu heben, machen The Legend of Celobrium zu einem spannenden Konzertwerk. The Legend of Celobrium (“La légende de Celobriumâ€) est une œuvre de commande pour l’Orchestre d’Harmonie de Soleuvre au Luxembourg l’occasion de la célébration de son centenaire, en 2007.Celobrium est le nom donné par les Romains la ville de Soleuvre (Zolwer en luxembourgeois ou Zolver en allemand). La composition raconte une célèbre légende liée la région depuis des siècles : la légende du Trésor du Zolwerknapp.Le Zolwerknapp (signifiant littéralement « bouton de Soleuvre ») est un des points les plus élevés du Luxembourg. Jadis, il abritait le ch teau d’Alexandre, un noble chevalier descendant du prestigieux Ordre médiéval des Templiers, qui y vivaitavec sa famille et son armée. Non loin du Zolwerknapp, près de Belvaux, vivait au sommet d’une colline boisée, un puissant voleur du nom de Tara. Les deux hommes étaient constamment en conflit, chacun voulant régner sur les terres alentours. Tara finit par remporter le conflit et consentit une seule concession. Il autorisa l’épouse d’Alexandre quitter les lieux avec son ne et emporter avec elle tous les biens précieux que l’ ne pouvait porter. Il lui accorda le droit de s’installer en lieu s r aussi loin que l’ ne pouvait la mener. Magnanime, elle choisit d’emmener son mari avec elle, consciente que sa fuite serait ainsi ralentie. Avant de partir, elle jeta son or et ses précieux joyaux dans un puits profond du ch teau.Le voyage fut long et difficile. force de ténacité, ils réussirent se mettre en sécurité au sommet d’une colline avoisinante. Ils s’y installèrent et érigèrent un nouveau ch teau, le ch teau de Differdange.Les siècles passèrent et le ch teau du Zolwerknapp n’était plus qu’un amas de ruines. Jamais personne n’avait osé y chercher le trésor qui sommeillait dans les profondeurs du puits. Mais un jour, le prêtre local réussit persuader sept hommes braves de descendre au fond de l’obscur goulot pour récupérer l’or. Pour ce faire, il leur donna une corde et leur conseilla de garder le silence une fois le fond atteint. Les sept.
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SKU: HL.44011313
UPC: 884088891480. 9x12 inches. English(US)/Espanol.
Gaudi is het eerste deel van een tweedelige symfonie die Ferrer Ferran opdroeg aan de beroemde Spaanse architect Antoni Gaudi. In verschillende stappen beschrijft Ferran het leven van de geniale architect die bekend stond om zijn ronde, organische vormen: van het bescheiden begin tot aan de Sagrada Familia, zijn levenswerk. De muzikale lijnen zijn vloeiend en organisch en de structuur is groots, kleurrijk en fascinerend. Net zoals de bouwwerken van de Catalaanse meester zelf...!Gaudi is het eerste deel van een tweedelige symfonie die Ferrer Ferran opdroeg aan de beroemde Spaanse architect Antoni Gaudi. In verschillende stappen beschrijft Ferran het leven van de geniale architect: van het bescheiden begintot aan de Sagrada Familia, zijn levenswerk. Gaudi stond bekend om stond zijn ronde, organische vormen. De muzikale lijnen van dit werk zijn vloeiend en organisch en de structuur is groots, kleurrijk en fascinerend. Net zoals debouwwerken van de Catalaanse meester zelf...!Gaudi ist der erste Teil einer zweiteiligen Symphonie, die Ferrer Ferran dem berühmten spanischen Architekten Antoni Gaudi widmete. In mehreren Etappen zeichnet Ferran darin das Leben des genialen Architekten und Meisters der runden, organischen Formen nach: von den bescheidenen Anfangen bis zur Sagrada Familia, die zu einer Lebensaufgabe wurde. Wie Gaudis Architektur sind die musikalischen Linien flüssig und organisch und die Struktur gross angelegt, farbenreich und faszinierend.Fils d'un modeste chaudronnier, Antoni Gaudi i Cornet nait a Reus dans la province de Tarragone, le 25 juin 1852. Souffrant de rhumatismes articulaires particulierement invalidants, Gaudi fut contraint a de longues periodes de repos des son plus jeune age. Il passait des heures a observer la nature. Gaudi a octroye un nouveau langage artistique a l'architecture. Son style unique se caracterise par des lignes souples et des formes organiques inspirees de la nature. Il experimentait de nouveaux materiaux et de nouvelles formes. Selon sa maniere habituelle de travailler, Gaudi realisait quelques esquisses du batiment a construire et improvisa la construction au fur et a mesure queles travaux avancaient. Selon l'un de ses biographes : << [Gaudi] vit clairement que [les] formes geometriques simples ne se trouvent pratiquement jamais dans la nature, qui, d'autre part, construit d'excellentes structures, accreditees par de larges siecles d'efficacite. La structure d'un arbre est d'une perfection rare, bien plus complexe et plus aboutie que les structures creees par les architectes. >> Le simple changement geometrique opere par Gaudi devint une revolution stylistique indolore, car la conception de la geometrie architecturale du maitre catalan reposait sur des concepts bien plus anciens que les normes geometriques inventees par les autres architectes. Antoni Gaudi a consacre toute sa vie a son art, au point de s'isoler des autres pendant les dernieres annees de sa vie. Le 7 juin 1926, il est renverse par un tramway au croisement de la Gran Via et de la rue Bailen, a Barcelone. Vetu de vetements elimes et uses, personne ne reconnut en lui le celebre architecte, gisant sur le sol. Il mourut trois jours plus tard, et fut inhume dans la crypte de la Sagrada Familia. Gaudi e la prima parte della sinfonia in due parti che Ferrer Ferran ha dedicato al famoso architetto spagnolo Antoni Gaudi. Ferran ripercorre a tappe la vita del geniale architetto: dai suoi modesti debutti fino alla costruzione della Sagrada Familia, progetto di tutta una vita. Le linee musicali sono fluide e curve come l'architettura di Gaudi, la trama luminosa colorita e aff ascinante come gli edifici da lui realizzati.
SKU: BT.DHP-1206253-130
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In 1989, the demonstration named the Baltic Way also known as the Baltic Chain— was held in the Baltic states of Estonia, Latvia and Lithuania by its citizens in a call for independence from the Soviet Union. On 23rd August 1989, some two million participants formed a human chain, hand-in-hand all the way from the Estonian capital of Tallinn its Latvian counterpart, Riga, through to the Lithuanian capital of Vilnius - six hundred kilometres long. It became the longest human chain ever created and turned out to be the final push needed for much sought-after independence. This historic event became the source of inspiration for this composition. The introduction of thefirst movement, ‘Struggle for Independence’, is based on a nocturne for piano by the renowned Lithuanian composer and painter Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911), thematic material from which has been incorporated throughout the whole composition. The melancholic beginning is followed by a powerful theme which reflects the resolve of the Baltic people. The sudden aggressive, dissonant chords and a dominant and—in rhythmic terms—contrary bass drum announce that the resistance is not going smoothly. Just for a moment, we hear the anthem of the Soviet Union in the lower brass, but this is relentlessly pushed to the background by the rest of the band playing the Lithuanian national anthem, ‘Tautiška giesm ’ (Lithuania, our homeland). The second movement, ‘Decades of Suffering’, echoes life under the Soviet Union's thumb. In the pursuit of independence, a peaceful protest is planned in which a human chain is formed across the Baltic states of Estonia, Latvia and Lithuania. This ‘Chain of Freedom’ is depicted in the final movement of the work. De Baltische Weg (The Baltic Way) was een demonstratie van de bevolking van de Baltische staten die in 1989 plaatsvond als een roep om onafhankelijkheid van de Sovjet-Unie. Deze historische gebeurtenis vormde de inspiratiebron voor deze compositie. Van Vilnius via Riga naar Tallinn werd een zeshonderd kilometer lange keten van naar schatting twee miljoen mensen gevormd. Op 23 augustus 1989 gaven al die mensen elkaar de hand en werd De Baltische Weg de langste menselijke keten ooit. Het bleek de uiteindelijke opmaat tot de zo gewenste onafhankelijkheid. De inleiding van het eerste deel, ‘Struggle for Independence’, is gebaseerd op een nocturne voor piano van devooraanstaande Litouwse componist en kunstschilder Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911). Het thematische materiaal van deze nocturne is door de hele compositie heen verwerkt. Na het melancholische begin volgt een krachtig thema, waarmee de strijdbaarheid van de Baltische bevolking wordt uitgebeeld. De plotselinge agressieve dissonante akkoorden en een dominante en ritmisch gezien tegendraadse grote trom laten horen dat het verzet niet eenvoudig verloopt. Even klinkt het begin van het volkslied van de Sovjet-Unie in het lage koper, maar dat wordt door de rest van de band onverbiddelijk naar de achtergrond verwezen door het Litouwse nationale volkslied ‘Tautiška giesm ’ (Litouwen, ons vaderland). In deel twee, ‘Decades of Suffering’, wordt het leven onder het juk van de Sovjet-Unie verklankt. In het streven naar onafhankelijkheid worden plannen gemaakt om als vreedzaam protest tegen de onderdrukking een menselijke keten te vormen over de wegen van de Baltische staten Litouwen, Letland en Estland. Deze ‘Chain of Freedom’ wordt in het laatste deel van het werk muzikaal weergegeven. Der sogenannte Baltischer Weg (The Baltic Way) auch unter dem Namen Baltische Kette bekannt war 1989 eine Demonstration von Bürgern in den baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen mit dem Aufruf zur Unabhängigkeit von der Sowjetunion. Am 23. August 1989 bildeten rund zwei Millionen Teilnehmer eine sechshundert Kilometer lange Menschenkette, die von der estnischen Hauptstadt Tallinn über das lettische Riga bis zur litauischen Hauptstadt Vilnius reichte. Die längste Menschenkette, die jemals geschaffen wurde, erwies sich als der letzte Schritt, der zur lang ersehnten Unabhängigkeit führte. Dieses historische Ereignis diente der Komposition alsInspirationsquelle. Die Einleitung des ersten Satzes, Struggle for Independence“, basiert auf einem Nocturne für Klavier des bekannten litauischen Komponisten und Malers Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875 1911), dessen thematisches Material in der gesamten Komposition verwendet wird. Dem melancholischen Anfang folgt ein mitreißendes Thema, das die Entschlossenheit der baltischen Bevölkerung widerspiegelt. Die plötzlichen aggressiven, dissonanten Akkorde und eine dominante und rhythmisch gegenläufige Bewegung in der Basstrommel kündigen an, dass der Widerstand nicht reibungslos verläuft. Für einen kurzen Moment erklingt die Hymne der Sowjetunion in den tiefen Blechbläsern, aber diese wird unerbittlich vom restlichen Orchester in den Hintergrund gedrängt, welches die litauische Nationalhymne Tautiška giesm “ (Litauen, unser Heimatland“) spielt. Der zweite Satz, Decades of Suffering“, spiegelt das Leben unter dem Joch der Sowjetunion wider. Für das Streben nach Unabhängigkeit war ein friedlicher Protest geplant, bei dem eine Menschenkette durch die baltischen Staaten Estland, Lettland und Litauen gebildet wurde. Diese Chain of Freedom“ wird im letzten Satz des Werkes beschrieben. En 1989, la manifestation nommée « La Voie balte » (The Baltic Way) s’est tenue en Estonie, en Lettonie et en Lituanie, les pays baltes dont les citoyens demandaient être indépendants de l’Union soviétique. Le 23 ao t 1989, quelque deux millions de personnes se tenant par la main ont formé une chaîne humaine de 600 km de long reliant les trois capitales Tallinn (Estonie), Riga (Lettonie) et Vilnius (Lituanie). Cette chaîne humaine, la plus longue ce jour, donna une impulsion décisive au rétablissement d’une indépendance vivement souhaitée. Cet événement historique est devenu source d’inspiration pour cette composition. L’introduction du premier mouvement,« Struggle for Independence », est fondée sur un nocturne pour piano du célèbre compositeur et peintre letton Mikalojus Konstantinas iurlionis (1875-1911). Du matériel thématique emprunté ce nocturne est parsemé travers la présente composition. Un début mélancolique est suivi d’un thème puissant qui reflète la détermination des peuples baltes. La présence soudaine d’accords agressifs et dissonants, associés une grosse caisse dont le décalage rythmique domine, indiquent que la résistance rencontre des obstacles. Nous entendons momentanément l’hymne soviétique dans les cuivres graves, mais cet air est inexorablement repoussé l’arrière-plan par le reste de l’orchestre interprétant l’hymne national de Lettonie, « Tautiška giesm » (Lettonie, notre patrie). Le deuxième mouvement, « Decades of Suffering », dépeint la vie sous le joug de l’Union soviétique. la recherche de l’indépendance, une manifestation pacifique est organisée sous la forme d’une chaîne humaine traversant les trois pays baltes l ’Estonie, la Lettonie et la Lituanie. Le dernier mouvement de la pièce, « Chain of Freedom », exprime cet appel la liberté.
SKU: BT.DHP-1206253-030
SKU: HL.14044454
ISBN 9788850705863. French.
Play-backs, Exercices, Technique, Histoire, Theorie, Astuces. Le ukulele n'a jamais ete aussi populaire qu'aujourd'hui. Avec plus de 100 ans d'histoire et une popularite croissante au cours du 20eme siecle, le ukulele (Uke pour les intimes) est uninstrument qui a une longue tradition. Aujourd'hui le ukulele reste un des instruments les plus populaires, a la mode aussi bien dans la musique qu'au cinema. Cet ouvrage vous permettra d'apprendre tres facilement a jouer du Ukulele et vous donneraen plus une multitude de trucs et astuces. Il aborde les sujets les plus importants pour un debutant ; l'accompagnement rythmique, les structures et les techniques de strumming, les techniques de pincement des cordes et l'art de jouer les melodies.Les conseils sont vraiment tres simples et vous pourrez jouer soit en dechiffrant les partitions soit en lisant les tablatures. Cet ouvrage vous donne egalement des notions de bases de solfege, des exercices sur les accords et leurs enchainements.Enfin, le CD propose plusieurs exercices et pas moins de 11 morceaux populaires a ecouter et a jouer. Cet ouvrage fait du Ukulele un compagnon musical de poche pour toutes les occasions.
SKU: ML.013780090
The Spanish war galleon with 64 cannons, built in Cuba between 1770 and 1771 for an English shipowner in the service of the King of Spain left Peru for Cadiz in 1784 with a huge cargo of copper, gold, silver and other valuables on board. There were also more than 400 people on board, including passengers, crew and Inca prisoners after a revolt. The Atlantic crossing went smoothly, passing Portugal to take advantage of favourable winds. The shipwreck off Peniche was the result of human error, apparently due to French maps with dramatic errors in the position of the islands of Berlengas and neighbouring islets. On 2 February 1786, the sea was calm and the night clear, but they hit the rock formation Papoa and the hull immediately broke in two. The bottom sank quickly, while the deck remained afloat for some time. 128 people lost their lives, including many Indians who were trapped in the basement. This shipwreck is considered one of the most important in maritime history.What the composer wants to convey, and what can be felt as one listens, is first of all the sound of power, of hope, of the glory of conquest, of the splendour of wealth. This is followed by the perception of the maritime environment, the harmony with the softness of the ocean, the gliding of the hull in the foam of the sea on sunny, blue days. But along with this tranquillity, you soon hear a rhythmic chain that makes you feel a representation of the hustle and bustle, of the busy crew, of the hard work of a sailor, of the desperation of an exotic people imprisoned in a dark, damp cellar. A distinct rhythm that reminds us of the salero of Andalusia, with its Arab influences and its people, the soothing of the resignation of others who are forced to submit. Then we clearly hear a crescendo that makes us imagine the agony of the collision that precedes the shipwreck. The breaking of the hull, the water flooding everything, the despair, the clash of bodies on the rocks, the tragedy to come. Before the grand finale, in which the return of musical softness reminds us that the story is over. The supremacy of nature over human greed. The waves, though gentle, sweep the wreckage, the lives and the treasures of the New World to the bottom of the sea.Het Spaans oorlogsgaljoen met 64 kanonnen, gebouwd in Cuba tussen 1770 en 1771 voor een Engelse reder in dienst van de koning van Spanje vertrok in 1784 vanuit Peru naar Cádiz met een enorme lading koper, goud, zilver en andere kostbaarheden aan boord. Er waren ook meer dan 400 mensen aan boord, waaronder passagiers, bemanning en Inca gevangenen na een opstand. De oversteek van de Atlantische Oceaan verliep vlot, waarbij Portugal werd gepasseerd om te profiteren van gunstige winden. De schipbreuk bij Peniche was het resultaat van een menselijke fout, blijkbaar te wijten aan Franse kaarten met dramatische fouten in de positie van de eilanden Berlengas en naburige eilandjes. Op 2 februari 1786 was de zee kalm en de nacht helder, maar ze raakten de rotsformatie Papoa en de romp brak onmiddellijk in tweeën. De bodem zonk snel, terwijl het dek nog enige tijd bleef drijven. 128 mensen verloren het leven, waaronder veel indianen die vastzaten in de kelder. Dit scheepswrak wordt beschouwd als een van de belangrijkste in de maritieme geschiedenis.Wat de componist wil overbrengen, en wat men kan voelen als men luistert, is allereerst het geluid van macht, van hoop, van de glorie van verovering, van de pracht van rijkdom. Dit wordt gevolgd door de perceptie van de maritieme omgeving, de harmonie met de zachtheid van de oceaan, het glijden van de romp in het schuim van de zee op zonnige, blauwe dagen. Maar samen met deze rust hoor je al snel een ritmische ketting die je een voorstelling geeft van de drukte, van de drukke bemanning, van het harde werk van een zeeman, van de wanhoop van een exotisch volk dat gevangen zit in een donkere, vochtige kelder. Een duidelijk ritme dat ons doet denken aan de salero van Andalusië, met zijn Arabische invloeden en zijn mensen, het sussen van de berusting van anderen die gedwongen worden zich te onderwerpen. Dan horen we duidelijk een crescendo dat ons de lijdensweg doet voorstellen van de aanvaring die voorafgaat aan de schipbreuk. Het breken van de romp, het water dat alles overspoelt, de wanhoop, het botsen van lichamen op de rotsen, de tragedie die komen gaat. Vóór de grote finale, waarin de terugkeer van de muzikale zachtheid ons eraan herinnert dat het verhaal voorbij is. De overmacht van de natuur over de hebzucht van de mens. De golven, hoewel zacht, vegen het wrak, de levens en de schatten van de Nieuwe Wereld naar de bodem van de zee.Le galion de guerre espagnol de 64 canons, construit à Cuba entre 1770 et 1771 pour un armateur anglais au service du roi d'Espagne, a quitté le Pérou pour Cadix en 1784 avec à son bord une énorme cargaison de cuivre, d'or, d'argent et d'autres objets de valeur. Il y avait également plus de 400 personnes à bord, dont des passagers, des membres d'équipage et des prisonniers incas à la suite d'une révolte. La traversée de l'Atlantique s'est déroulée sans encombre, en passant par le Portugal pour profiter des vents favorables. Le naufrage au large de Peniche est le résultat d'une erreur humaine, apparemment due à des cartes françaises comportant des erreurs dramatiques dans la position des îles de Berlengas et des îlots voisins. Le 2 février 1786, alors que la mer est calme et la nuit claire, le navire heurte la formation rocheuse de Papoa et la coque se brise immédiatement en deux. Le fond coule rapidement, tandis que le pont reste à flot pendant un certain temps. 128 personnes ont perdu la vie, dont de nombreux Indiens qui étaient coincés dans les sous-sols. Ce naufrage est considéré comme l'un des plus importants de l'histoire maritime.Ce que le compositeur veut transmettre, et ce que l'on ressent à l'écoute, c'est d'abord le son de la puissance, de l'espoir, de la gloire de la conquête, de la splendeur de la richesse. C'est ensuite la perception de l'environnement maritime, l'harmonie avec la douceur de l'océan, le glissement de la coque dans l'écume de la mer par des journées bleues et ensoleillées. Mais à côté de cette tranquillité, on entend bientôt une chaîne rythmique qui nous fait ressentir une représentation de l'agitation, de l'équipage affairé, du dur labeur d'un marin, du désespoir d'un peuple exotique emprisonné dans une cave sombre et humide. Un rythme distinct qui nous rappelle le salero d'Andalousie, avec ses influences arabes et son peuple, l'apaisement de la résignation des autres qui sont obligés de se soumettre. Puis on entend clairement un crescendo qui nous fait imaginer l'agonie de la collision qui précède le naufrage. La rupture de la coque, l'eau qui envahit tout, le désespoir, le choc des corps sur les rochers, la tragédie à venir. Avant le grand final, où le retour de la douceur musicale nous rappelle que l'histoire est terminée. La suprématie de la nature sur la cupidité humaine. Les vagues, bien que douces, emportent les épaves, les vies et les trésors du Nouveau Monde au fond de la mer.Die spanische Kriegsgaleone mit 64 Kanonen, die zwischen 1770 und 1771 auf Kuba für einen englischen Reeder im Dienste des spanischen Königs gebaut wurde, verließ Peru 1784 in Richtung Cádiz mit einer riesigen Ladung Kupfer, Gold, Silber und anderen Wertgegenständen an Bord. An Bord befanden sich auch mehr als 400 Menschen, darunter Passagiere, Besatzungsmitglieder und Inka-Gefangene nach einem Aufstand. Die Atlantiküberquerung verlief reibungslos, wobei Portugal passiert wurde, um die günstigen Winde zu nutzen. Der Schiffbruch vor Peniche war das Ergebnis menschlichen Versagens, das offenbar auf französische Karten zurückzuführen war, die in Bezug auf die Position der Inseln Berlengas und der benachbarten Eilande dramatische Fehler enthielten. Am 2. Februar 1786 stießen sie bei ruhiger See und klarer Nacht auf die Felsformation Papoa und der Rumpf brach sofort entzwei. Der Boden sank schnell, während das Deck noch einige Zeit über Wasser blieb. 128 Menschen kamen ums Leben, darunter viele Indianer, die im Keller eingeschlossen waren. Dieses Schiffswrack gilt als eines der bedeutendsten Was der Komponist vermitteln will und was man beim Zuhören spürt, ist zunächst der Klang der Macht, der Hoffnung, des Ruhms der Eroberung, des Glanzes des Reichtums. Es folgt die Wahrnehmung der maritimen Umgebung, die Harmonie mit der Sanftheit des Meeres, das Gleiten des Schiffsrumpfes im Schaum des Meeres an sonnigen, blauen Tagen. Doch neben dieser Ruhe hört man bald eine rhythmische Kette, die die Hektik, die geschäftige Mannschaft, die harte Arbeit eines Seemanns, die Verzweiflung eines exotischen Volkes, das in einem dunklen, feuchten Keller gefangen ist, wiedergibt. Ein ausgeprägter Rhythmus, der an den Salero Andalusiens erinnert, mit seinen arabischen Einflüssen und seinen Menschen, der die Resignation der anderen besänftigt, die gezwungen sind, sich zu fügen. Dann hören wir deutlich ein Crescendo, das uns die Qualen des Zusammenstoßes, der dem Schiffbruch vorausgeht, erahnen lässt. Das Zerbrechen des Rumpfes, das Wasser, das alles überflutet, die Verzweiflung, das Aufeinanderprallen der Körper auf den Felsen, die bevorstehende Tragödie. Vor dem großen Finale, in dem die Rückkehr der musikalischen Sanftheit uns daran erinnert, dass die Geschichte zu Ende ist. Die Vorherrschaft der Natur über die menschliche Gier. Die Wellen, so sanft sie auch sein mögen, spülen die Trümmer, das Leben und die Schätze der Neuen Welt auf den Grund des Meeres.
SKU: DY.DO-1522
ISBN 9782897963026.
Francis Bebey est né à Douala en juillet 1929, dans une grande famille où son père, pasteur, luttait pour nourrir ses enfants. Mais Francis a eu l'opportunité d'aller à l'école. Admirant son frère aîné, Marcel Eyidi Bebey, il s'est éduqué, s'est distingué, et a finalement reçu une bourse pour passer son baccalauréat en France.Nous approchions de la fin des années 1950 lorsqu'il est arrivé à La Rochelle. Plus que jamais, dans cette France où les Africains étaient regardés avec curiosité, condescendance ou dédain, Francis s'appuyait sur ses ressources intellectuelles. Travailleur assidu, il a obtenu son baccalauréat, puis s'est installé à Paris où il a commencé des études d'anglais à la Sorbonne. Un jour, il a su ce qui l'attirait vraiment : il voulait faire de la radio. Francis a appris son métier en France et aux Ã?tats-Unis.Après avoir travaillé quelques années comme reporter, il a été embauché en 1961 en tant que fonctionnaire international au Département de l'information de l'UNESCO.Parallèlement, Francis a toujours été attiré par la création musicale. Son activité diurne très sérieuse ne l'empêchait pas de fréquenter les clubs de jazz le soir. Ã? Paris, le jazz, la musique à la mode à cette époque, mais aussi la rumba et la salsa l'attiraient. Il collectionnait les disques et assistait à de nombreux concerts. Avec son complice Manu Dibango, Francis montait sur scène et jouait de la musique.Francis aimait la musique classique depuis son enfance. Il avait grandi en écoutant les cantates et les oratorios de Bach ou Handel que son père chantait au temple. Il s'est passionné pour la guitare, impressionné par les maîtres espagnols et sud-américains, et a décidé d'apprendre à jouer de l'instrument lui-même.Il a commencé à composer des pièces pour guitare, mêlant les diverses influences qui le traversaient avec la musique traditionnelle africaine qu'il portait en lui depuis son enfance. Son approche a captivé le directeur du Centre culturel américain (alors situé dans le quartier de Saint-Germain à Paris), qui lui a offert l'opportunité de se produire devant un public. Francis y a donné son premier récital de guitare (1963) devant un public hypnotisé. Son premier album solo est sorti peu de temps après.Progressivement, Francis est devenu reconnu comme musicien et compositeur. Plusieurs albums de l'ambassadeur africain de la guitare, comme le décrivait la presse, sont sortis. Il a également écrit des livres, au point que sa carrière artistique est devenue difficile à concilier avec sa carrière de fonctionnaire. En 1974, même s'il était devenu le directeur général chargé de la musique à l'UNESCO, il a fait le saut audacieux et a démissionné de cette prestigieuse institution pour se consacrer aux trois activités qui l'intéressaient : la musique, la littérature et le journalisme.Il a exploré le patrimoine musical traditionnel du continent africain, notamment à travers le piano à pouce sanza et la musique polyphonique des pygmées d'Afrique centrale, ou en chantant dans sa langue maternelle et en composant des chansons humoristiques en français !Le succès a suivi. Francis Bebey a parcouru le monde : de la France au Brésil, du Cameroun à la Suède, de l'Allemagne aux Caraïbes, ou du Maroc au Japon... la liste des pays où il a été invité à se produire, à donner des conférences ou à rencontrer des lecteurs est très longue. En plus de la reconnaissance publique, il bénéficiait de la reconnaissance de ses collègues musiciens, tels que le guitariste John Williams ou le Vénézuélien Antonio Lauro, qui l'ont invité à faire partie du jury d'un concours de guitare classique à Caracas.Sa vie était le voyage d'un pionnier africain, un homme enraciné dans son patrimoine culturel et portant un message de partage et d'espoir pour le monde. Son originalité continue de résonner dans le monde entier depuis son décès à la fin du mois de mai 2001.Francis Bebey was born in Douala in July 1929, into a large family where his father, a pastor, struggled to feed his children. But Francis had the opportunity to go to school. Admiring his elder brother, Marcel Eyidi Bebey, he educated himself, distinguished himself, and eventually received a scholarship to go and take his baccalaureate in France.We approached the end of the 1950s when he arrived in La Rochelle. More than ever, in this France where Africans were looked at with curiosity, condescension, or disdain, Francis relied on his intellectual resources. A diligent worker, he obtained his Baccalaureate, then moved to Paris where he started English studies at the Sorbonne. One day, he knew what truly attracted him: he wanted to do radio. Francis learned his craft in France and in the USA.After working for a few years as a reporter, he was hired in 1961 as an international civil servant in the UNESCO Information Department.In parallel, Francis had always been drawn to musical creation. His very serious daytime activity didnâ??t prevent him from frequenting jazz clubs in the evenings. In Paris, the Jazz, the trendy music of that time, but also rumba and salsa attracted him. He collected records and attended numerous concerts. With his accomplice Manu Dibango, Francis took the stage and played music.Francis liked classical music since his childhood. He grew up listening to the cantatas and oratorios of Bach or Handel that his father had sung in the temple. He became passionate about the guitar, impressed by the Spanish and South American masters, and decided to learn to strum the instrument himself.He started composing guitar pieces, blending the various influences that flow through him with the traditional African music he had carried within since childhood. His approach captivated the director of the American Cultural Center (then located in the Saint-Germain neighborhood of Paris), who offered him the opportunity to perform in front of an audience. Francis gave his first guitar recital there (1963) in front of a mesmerized audience. His first solo album was released shortly thereafter.Gradually, Francis became recognized as a musician and composer. Several albums of the African guitar ambassador, as described by the press, were released. He also wrote books, to the point that his artistic career became challenging to reconcile with his career as a civil servant. In 1974, even though he had become the General Manager in charge of music at UNESCO, he took the bold leap and resigned from this prestigious institution to dedicated himself to the three activities that interested him: music, literature, and journalism. He explored the traditional musical heritage of the African continent, notably through the thumb piano sanza, and the polyphonic music of the Central African pygmies, or singing in his native language and composing humoristic songs in French!Success followed. Francis Bebey traveled the world: from France to Brazil, Cameroon to Sweden, Germany to the Carribean, or Morocco to Japan... the list of countries where he was invited to perform, gives lectures, or meets readers is very long. In addition to public recognition, he enjoyed the recognition of his fellow musicians, such as guitarist John Williams or Venezuelan Antonio Lauro, who invited him to be a part of the jury for a classical guitar competition in Caracas.His life was the journey of an African pioneer, a man rooted in his cultural heritage and carrying a message of sharing and hope for the world. His originality continues to vibrate around the world since his passing at the end of May 2001.
SKU: BU.EBR-530
ISBN 9790560154565. 9.45 x 13 inches.
En décembre 2011, Chilly Gonzales déménagea son piano au studio Pigalle à Paris. Tout seul pendant 10 jours, il enregistra une sélection de ses compositions parmi une centaine de mélodies composées depuis les 8 années qui le séparent du mythique album Solo Piano I.Jour après jour, le processus d’enregistrement pur et minutieux prit place. Chilly Gonzales enregistra ses pièces les unes après les autres, jusqu’à capturer l’essence-même de chacune.Après des années passées à distraire son public avec sa personnalité “larger than life, à défier tous les artistes du monde, les obligeant à se surpasser pour atteindre l’excellence qu’ils doivent à leurs fans, Chilly Gonzales nous présente son argument le plus persuasif : les 14 titres de Solo Piano II contenus dans ce recueil.La route fut riche jusqu’à Solo Piano II pour “le génie musical auto-proclamé. Porté par une nomination Grammy et un record du monde Guinness Book du concert le plus long, Chilly Gonzales reprit enfin la scène après de nombreuses années passées derrière la console d’un studio à travailler pour les autres. Il devient LE pianiste sollicité par Drake, Feist, Daft Punk, …et même Steve Jobs pour sa campagne mondiale pour IPAD 2.A travers ses albums et tournées, Chilly fascine par sa polyvalence en tant qu’interprète et sa virtuosité en tant que pianiste. Rare est l’artiste qui fait danser son public sur les rythmes les plus branchés du moment, puis fait appel à un orchestre symphonique pour l’accompagner durant son concert de rap.Avec Solo Piano II, Chilly Gonzales se distingue une fois de plus comme un authentique “entertainer, conscient que la plus belle marque de respect pour ses fans est avant tout de “shut up and play the piano (dixit Chilly Gonzales dans “The Unspeakable Chilly Gonzales, 2011).
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Der erste Satz des Klarinettenkonzerts, das Allegro, ist kühn und brilliant in seinen technischen Anforderungen in den schnellen Passagen und flüssig und ausdrucksvoll in den lyrischen Abschnitten. Er ist eine spannende Herausforderung für Klarinettisten von heut und war sehr wahrscheinlich ein virtuoses Stück für Klarinettisten im frühen 19. Jahrhundert.Wie so viele Komponisten der Klassik, beschrieb Krommer die Aritkulation von kaum mehr als ein paar Phrasen seiner Soli für Bläser. Infolgedessen nahmen sich die einzelnen Spieler viel Freiheiten, wo und wann sie angestoßen oder gebunden spielten. Artikulation für Bläser, genau wie Bogenbewegung für Streicher, mussflexibel in ihrer Auslegung und Durchführung sein. Die richtige Spielweise ergibt aus dem technischen Können und der Ausdrucksstärke des jeweiligen Spielers. Der Dirigent sollte dies zusammen mit seinem Solisten erarbeiten. Le compositeur et violoniste tchèque Frantisek Vincenc Kramar dont le nom fut germanisé en Franz Vinzenz Krommer, est né le 27 novembre 1759 Kamenice en Moravie occidentale et mort le 8 janvier 1831 Vienne en Autriche. l’adolescence, il est initié l’art du violon et l’orgue par son oncle Anton Matthias Krommer lui-même organiste et chef de chœur. En 1785, il fait un premier séjour Vienne avant de rejoindre l’orchestre du Comte de Limburg-Stirum dont la résidence se trouve Simontornya en Hongrie. Il est engagé d’abord en tant que violon solo de l’orchestre puis plus tard en tant que maître de chapelle. Vers 1790, il obtient le poste de chef de chœur la cathédrale de Pécs. Il quitte cette fonction en 1793 pour entrer au service du Comte Károlyi puis du Prince Antal Grassalkovich. En 1795, suite au décès du prince hongrois, Franz Krommer revient Vienne. Après une longue période d’infortune, il entre comme Maître de Chapelle au service du Duc Ignaz Fuchs, en 1806. Quatre ans plus tard, il est nommé au poste de directeur musical du Thé tre Royal et Impérial de Vienne (Wiener Hoftheater). En 1818, succédant Leopold (Johann Anton) Kozeluch, il devient le dernier Maître de musique de chambre et compositeur de la cour des Habsbourg. Il gardera ses fonctions jusqu’ sa mort en 1831.Franz Krommer était l’un des plus illustres compositeurs tchèques de la Vienne impériale vers la fin du XVIIIe siècle. Sa musique était très appréciée de son vivant et certains le considéraient comme le digne héritier de Joseph Haydn. Son style est indéniablement apparenté ce dernier mais aussi celui de Mozart. Franz Krommer a composé de nombreuses symphonies, des concertos (essentiellement pour instruments vent solistes), des duos pour violons, des quatuors cordes, de la musique de chambre et des œuvres sacrées. Le Concerto pour Clarinette Opus 36 de Krommer a été publié pour la première fois en 1803 chez l’éditeur allemand Johann Anton André.
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And It Came to Pass, Emmanuel: A compelling musical triumph that invites the listener on a journey that ultimately leads to worship of the Christ Child. The text of the Christmas story blends seamlessly with original narrative and exquisite lyric writing from Rose Aspinall, and Jay Rouse's incredible ability to fashion original melodies and arrange Christmas favorites with nuance and passion is on full display. The musical opens with an ethereal underscore that leads effortlessly into a 6/8 interpretation of Adeste Fideles, followed directly by the theme song and anchor ballad for the musical, And It Came to Pass. Also included are a song written specifically for this work that gives voice to Joseph's fears and longings; a traditional gospel setting of the all-time favorite Jesus, What a Wonderful Child; a syncopated, upbeat angel and shepherd announcement song titled Fire in the Sky; and a tender worship moment at the manger called Jesus, Prince of Peace. With a little something for everyone, this creative work is sure to be an important part of your Christmas season.