Allemanden

SKU: BT.EMBZ14837

Hungarian-English-German-French.

This is a sequel to the highly successful Child Prodigy Composers volume. In this second volume, the majority of the pieces are works recommended for pupils in the upper music school classes, and indeed some can be used successfully in secondary level teaching as well. Here too, most of the compositions were written before the age of 14 - it is amazing what highly developed piano technique some of these young composers already possessed at the age of 13 or 14!In addition to Muzio Clementi's A flat Major Sonata, the Allemandes by Carl Maria von Weber, Schubert's surprisingly mature C minor fantasia, the prodigiously talented Clara Schumann's two polonaises, Mussorgsky'sbrilliant polka, a sensitive waltz by Scriabin and Borodin's showy (but not difficult) four-hand polka, this volume also contains works by a Hungarian composer: the hitherto unpublished mazurkas by Ern Dohnányi, written around ages 11-12.

This is a sequel to the highly successful publication entitled Child Prodigy Composers (EMBZ14773). In this second volume the majority of the pieces are works recommended for pupils in the upper music school classes, and indeed some can be used successfully in secondary level teaching as well. Here too, most of the compositions were written before the age of 14 - it is amazing what a highly developed piano technique some of these young composers already possessed at the age of 13 or 14! In addition to Muzio Clementi's A flat major sonata, the Allemandes by Carl Maria von Weber, Schubert's surprisingly mature C minor fantasia, the prodigiously talentedClara Schumann's two polonaises, Mussorgsky's brilliant polka, a sensitive waltz by Scriabin and Borodin's showy (but not difficult) four-hand polka, this volume also contains works by a Hungarian composer: the hitherto unpublished mazurkas by Ern Dohnányi, written at the age of 11 and 12.

Dies ist die Fortsetzung der Erfolgsausgabe Wunderkinder als Komponisten (EMBZ14773). In diesem zweiten Band sind mehrheitlich Werke für die höheren Klassen der Musikschulen vertreten, manche Stücke können auch in der Mittelstufe eingesetzt werden. Bemerkenswert ist, dass ein Großteil der Werke mit unter 14 komponiert wurden. Verblüffend, über welche Klaviertechnik ein Teil der dreizehn-vierzehnjährigen Komponisten schon verfügten!Neben der Sonate in As-Dur von Muzio Clementi, den Allemanden von Carl Maria von Weber, der überraschend reifen Phantasie in c-Moll von Schubert, den beiden entzückenden Polonaisen von Clara Schumann, der brillanten Polka von Mussorgsky,dem sensiblen Walzer von Skrjabin und der effektvollen, aber nicht allzu schwierigen Polka für vier Hände von Borodin, erscheinen auch in diesem Band Werke eines ungarischen Komponisten - die Erstveröffentlichungen der im Alter von elf und zwölf Jahren entstandenen Masurken und Scherzandi von Ern Dohnányi.

SKU: BT.DHP-1115037-140

9x12 inches. English-German-French-Dutch.

Satoshi Yagisawa is well known for his dramatic symphonic band compositions. Even though he has written relatively few marches, they are also very popular: March Willing and Able is based on a chorale while March Bou Shu is based on a Japanese folk song. The Memory of Our Native Place is a rather unusual piece for Yagisawa, as it actually closely resembles a traditional march. The piece opens with a lively fanfare and is contrasted by the following theme. The trio features a chorale-like melody.

Satoshi Yagisawa is vooral bekend van zijn dramatische orkestwerken. Marsen schreef hij nog maar weinig. Die paar die hij schreef, zijn inmiddels allemaal wel erg geliefd en populair; March Willing and Able is gebaseerd op koraalmuziek en in March Bou Shu is een Japanse volksmelodie verwerkt. Deze nieuwe mars, The Memory of Our Native Place, begint met een stralende fanfare. Daarna klinkt een innig thema. In het triodeel komt een koraalachtige melodie naar voren. Kortom: hieraan houdt uw publiek zeker een mooie herinnering!

Satoshi Yagisawa ist bekannt für seine dramatischen Blasorchesterwerke - Märsche hat er bisher nur sehr wenige, dafür aber sehr beliebte geschrieben. Zwei davon sind March Willing and Able und March Bou Shu - der eine auf choraler Musik, der andere auf einem japanischen Volkslied basierend. The Memory of Our Native Place beginnt mit einer strahlenden Fanfare, bevor ein inniges Thema erklingt. Im Trio tritt eine choralartige Melodie hervor.

The Memory of our Native Place n’est pas une marche conventionnelle, mais contient néanmoins quelques éléments standard. Elle s’ouvre avec une fanfare brillante, suivie par un thème pétillant de fraîcheur marqué par une joyeuse alternance de réponses entre bois, cuivres et cuivres graves. La mélodie chantante du trio mène fi nale haut en couleurs faisant de The Memory of our Native Place une incontournable marche de concert.

Satoshi Yagisawa ha composto oltre cento brani per fi ati, ma solamente quattro marce, tra le quali ricordiamo le acclamate March Willing and Able e March Bou Shu, la prima basata su musica corale, la seconda su una canzone folk giapponese. Con The Memory of our Native Place, Yagisawa si allontana dal suo stile poco convenzionale, componendo una marcia che si avvicina agli schemi standard. L’inizio vede protagonista una fanfara brillante, seguita da un tema più intimo. Il trio espone una melodia simile a un corale.

SKU: TM.01333SC

Ed. by Einstein. Soli and cem in set. Soli and ripieno parts together on same page.

SKU: HL.44011968

12.0x16.75x1.051 inches. English-German-French-Dutch.

Namase Rhapsody differs in several respects from most other concert works by Jan Van der Roost, with its impressive twists and turns and musical allusions to the work of John Adams. A first, minimalist movement, is followed by a lyrical andexpressive second movement for various soloists in different ranges. The third movement sees a stark change of mood with a rigid metrical figure before a powerful and energetic close.

Met Namase Rhapsody kiest componist Jan Van der Roost voor het experiment en slaat hij nieuwe verrassende muzikale wegen in. Zo refereert hij in het eerste, bijna minimalistische deel hier en daar naar de muziek van John Adams. In het tweede,zeer expressieve deel komen verschillende solisten en instrumentengroepen aan bod om dan over te gaan in een spectaculair en dynamisch slotdeel waarin een star metrisch patroon centraal staat. Verrassend!

Namase Rhapsody weicht in mehrerlei Hinsicht von den meisten anderen Blasorchesterwerken von Jan Van der Roost ab und besticht mit uberraschenden Wendungen und Anspielungen auf die Musik von John Adams. Auf den ersten, minimalistischanmutenden Satz, folgt ein lyrischer, expressiver zweiter Satz fur diverse Solisten und Register. Der dritte Satz bringt mit einem starren metrischen Muster einen Stimmungswechsel ins Spiel, bevor das Werk kraftvoll und energisch endet.

a divers points de vue, Namase Rhapsody sort quelque peu de l'ordinaire par rapport a la plupart des oeuvres de Jan Van der Roost. Le premier mouvement de la piece est particulierement inhabituel : un motif rythmiquede trois mesures repete par les cuivres sur des intervalles varies. Le deuxieme mouvement quant a lui est beaucoup plus melodieux et lyrique. Le troisieme developpe et elabore un impressionnant bouillonnement. Survient un passage lentet court, dramatiquement interrompu pour reprendre en un dernier eclat d'energie et de puissance.

Sotto molti aspetti Namase Rhapsody si allontana dallo stile tipico di Van der Roost. La composizione colpisce per i suoi numerosi riferimenti alla musica di John Adams. Il primo movimento, minimalista ed elegante, precede una seconda parteespressiva per diversi solisti e banda. Il terzo movimento, prima dell'energico finale, apporta un cambiamento di atmosfere attraverso un sistema metrico molto accentuato.

SKU: BT.DHP-1135389-140

9x12 inches. English-German-French-Dutch.

Namasé Rhapsody di_x001E_ffers in several respects from most other concert works by Jan Van der Roost, with its impressive twists and turns and musical allusions to the work of John Adams. A first, minimalist movement, is followed by a lyrical and expressive second movement for various soloists in different ranges. The third movement sees a stark change of mood with a rigid metrical _x001F_figure before a powerful and energetic close.

Met Namasé Rhapsody kiest componist Jan Van der Roost voor het experiment en slaat hij nieuwe verrassende muzikale wegen in. Zo refereert hij in het eerste, bijna minimalistische deel hier en daar naar de muziek van John Adams. In het tweede, zeer expressieve deel komen verschillende solisten en instrumentengroepen aan bod om dan over te gaan in een spectaculair en dynamisch slotdeel waarin een star metrisch patroon centraal staat. Verrassend!

Namasé Rhapsody weicht in mehrerlei Hinsicht von den meisten anderen Blasorchesterwerken von Jan Van der Roost ab und besticht mit überraschenden Wendungen und Anspielungen auf die Musik von John Adams. Auf den ersten, minimalistisch anmutenden Satz, folgt ein lyrischer, expressiver zweiter Satz für diverse Solisten und Register. Der dritte Satz bringt mit einem starren metrischen Muster einen Stimmungswechsel ins Spiel, bevor das Werk kraftvoll und energisch endet.

divers points de vue, Namasé Rhapsody sort quelque peu de l’ordinaire par rapport la plupart des oeuvres de Jan Van der Roost. Le premier mouvement de la pièce est particulièrement inhabituel : un motif rythmique de trois mesures répété par les cuivres sur des intervalles variés. Le deuxième mouvement quant lui est beaucoup plus mélodieux et lyrique. Le troisième développe et élabore un impressionnant bouillonnement. Survient un passage lent et court, dramatiquement interrompu pour reprendre en un dernier éclat d’énergie et de puissance.

Sotto molti aspetti Namasé Rhapsody si allontana dallo stile tipico di Van der Roost. La composizione colpisce per i suoi numerosi riferimenti alla musica di John Adams. Il primo movimento, minimalista ed elegante, precede una seconda parte espressiva per diversi solisti e banda. Il terzo movimento, prima dell’energico _x001E_finale, apporta un cambiamento di atmosfere attraverso un sistema metrico molto accentuato.

SKU: UT.DM-30

ISBN 9790215305687. 9 x 12 inches.

La scelta di questo strumento come uno dei mezzi di conoscenza del linguaggio musicale (meglio sarebbe dire la sua riconferma, dato l’utilizzo assai frequente in molte scuole italiane), ha ragioni semplici e perciò tanto più convincenti: innanzi tutto il basso costo e un ingombro ed un peso minimi; in secondo luogo la facile comprensione e messa in pratica della tecnica d’uso oltre alla sua secolare tradizione ricca anche di repertorio originale; infine la possibilità dello strumento di costituire un valido sostegno all’intonazione e all’emissione vocale.
Per queste ragioni il testo presenta un breve itinerario, indispensabile al bambino per procedere con la lettura intonata e la tecnica strumentale.
Questo quaderno comprende un percorso graduale di avviamento allo strumento utilizzando il linguaggio tradizionale. Il lavoro qui raccolto ha come presupposto la consapevolezza di aver tralasciato quegli ambiti di espressione che non si avvalgono dei codici tradizionali, vale a dire quelle esperienze che presumono l’utilizzo e la conoscenza di repertori che si allontanano dal linguaggio tonale e che si esprimono attraverso altre grafie di codifica. In questa direzione il volume avrebbe avuto tutt’altra impostazione e, pur ribadendo l’importanza di un approfondimento dei terreni musicali meno battuti e della loro esplicitazione anche attraverso uno strumento forse poco flessibile ad esperienze di questo tipo (almeno per i principianti) come il flauto dolce, si è ritenuto di mettere a disposizione un itinerario strumentale che ha dalla sua una validità consolidata nel tempo.
Il repertorio, certamente non esaustivo, ha avuto come criteri di scelta quegli ambiti geografici e temporali che più hanno messo in evidenza le caratteristiche dello strumento. È per questo motivo che per i brani d’autore si è privilegiato l’ambito rinascimentale e barocco e per ciò che riguarda la provenienza geografica ci si è rivolti verso quelle tradizioni che hanno fatto del flauto uno strumento protagonista.
Per ciò che riguarda i brani d’insieme, ci preme sottolineare che le indicazioni degli strumenti non sono vincolanti poiché a tutti è nota la proverbiale carenza di attrezzature nelle scuole che impedisce l’utilizzo di diversi organici. Ogni insegnante si adatti quindi alle risorse che la scuola fornisce. Inoltre, le brevi strumentazioni dei brani proposti sono da considerarsi solo un supporto di completezza qualora si intenda dare forma più compiuta all’esecuzione. Il percorso, pertanto, può proseguire anche con la semplice esecuzione dei brani al flauto dolce senza il corredo delle elaborazioni per un organico più ampio.
Relativamente agli equilibri sonori e timbrici tra le parti, ogni insegnante li adatti in base al numero degli allievi delle proprie classi e degli strumenti disponibili. In linea generale è bene ricordare che, in fase esecutiva, una sufficiente intensità sonora si ottiene con almeno 5-6 flauti dolci, ma se il registro sale all’acuto possono essere sufficienti anche la metà. Un’utile strategia di lavoro può essere quella di decidere insieme agli allievi le possibilità di distribuzione numerica degli strumenti. Sostegno sempre indispensabile all’insegnante è uno strumento armonico (chitarra o pianoforte) utilizzato per accompagnare e sostenere le esecuzioni.
I brani qui raccolti serviranno di collegamento e supporto alle attività di esercitazione ritmica, melodica, armonica, vocale, di ascolto e di analisi delle forme, tutti temi approfonditi dagli altri quaderni della collana.