Toujours les hommes

Par ROTA NINO. Nino Rota a été principalement pour ses musiques de film pour 'Le Parrain' (Francis Ford Coppola) et des films de Federico Fellini (La Dolce Vita / The Sweet Life, mezzo Otto e / huit ans et demi, Il Casanova et autres) et Luchino Visconti (Il Gattopardo / Le Leopard, Rocco ei suoi fratelli / Rocco et ses frères) est connu. En outre, il a également toujours composé la musique de chambre et musique vocale, la musique chorale a une signification particulière. Voici quelques mélodie accrocheuse et l'harmonie, et le faible niveau de difficulté rend ses pièces chorales ainsi que des choeurs amateurs atteindre. Et juste au panem Unum sont choeur, enfants de choeur et orgue utilisé efficacement. / Feuillet / Choeur d'Hommes SSTT et Orgue

Océan est une longue pièce que l'on peut classer dans les musiques à programme. En effet, il s'agit là d'une longue odyssée retraçant la vie des pêcheurs en mer, ceux qui partent parfois de longs mois pour de grandes campagnes de pêche loin de chez eux.Cette pièce m'a été inspirée par la lecture de 'Pêcheurs d'Islande' de Pierre LOTTI. Ce roman puise sa force dans la nature dangereuse mais attirante de la mer et la particularité de ses habitants qui en vivent. La mer source de nourriture mais source de malheurs avec le nombre encore important de marins disparus dans les tempêtes.J'ai voulu retransmettre tout ceci dans Océan qui est une pièce d'un niveau assez élevé et qui demandera un travail intéressant à votre orchestre.A noter que la partition de piano est difficilement remplaçable et que celle-ci apporte beaucoup dans les différentes ambiances que j'ai voulu y dépeindre.Océan commence par 'l'aube sur la grève', longue introduction, comme le soleil qui se lève. Mais à peine est-il apparu que la vie du port se réveille et les pêcheurs sont sur le départ. Les dangers guettent bientôt ces téméraires marins qui s'en sortent malgré tout et qui ont alors le temps de penser à leurs familles restées au port.'Loin de tes yeux', mouvement lent et mélancolique dépeint ce sentiment, lourd de solitude qui s'empare parfois des hommes seuls au milieu de l'océan...Mais déjà le travail reprend, les filets sont pleins et prêts à être remontés à la surface, le travail et l'esprit d'équipe qui anime ce métier prend alors tout son sens.Après de longs mois passés en mer, il est alors temps de rentrer au port, les cales remplies de poissons. Il est aussi temps pour les marins de retrouver leurs femmes et leurs enfants qu'ils n'ont pas vus depuis si longtemps. De grandes fêtes sont organisées et les héros de la mer profitent un maximum de leur escale.Mais déjà sonne l'heure du départ et les hommes doivent quitter leurs familles pourun éternel recommencement...Mais l'appel de l'océan est toujours le plus fort, ce qui peut parfois provoquer des disputes, les familles se retrouvant à nouveau dans l'attente...Océan se termine dans le ressac des vagues et dans la plus grande quiétude.Puisse cette pièce de musique rendre hommage à ces hommes qui donnent parfois leur vie pour nourrir une population.Nomenclature : Flûte 1 - 2 (picc)HautboisClarinette 1 SibClarinette 2 - 3 SibSaxophone alto 1 - 2Saxophone ténorSaxophone baryton Trompette 1 - 2 SibCor 1 - 2 en FaTrombone 1 - 2Euphonium Basse Piano MalletsBatteriePercussion 1Percussion 2Timbales Parties optionnelles : Cor 1 en MibCor 2 en MibBaryton BbBasse Bb clé de Fa et clé de Sol / Orchestre D'Harmonie

En 1868 Sir Arthur Sullivan (1842-1900) publie une série de sept chants polyphoniques (Seven Part Songs) pour Choeur d?Hommes. The Long Day Closes est probablement le chant qui a le mieux résisté aux vicissitudes du temps. Il figure toujours au répertoire de nombreux Choeurs d?Hommes ou Choeurs Mixtes et sa mélodie reste appréciée pour l?intensité émotionnelle et les sonorités diaphanes qui l?exaltent. Les secrets d?un beau rendu orchestral résident dans le respect de l?approche structurée des nuances.

Sa vie est un roman. Lui qui avait écrit Je ne suis pas un héros pour Johnny Hallyday et avait fini par reprendre cette chanson à son compte, fut en effet un héros bien malgré lui. Didier Varrod a décidé de raconter Daniel Balavoine, sa vie et son ?uvre inachevée, avec son propre regard, subjectif. Avec ses mots, mais aussi et surtout ceux du chanteur, puisqu'on pourra lire dans cet ouvrage la totalité des interviews qu'il avait accordées au journaliste au long de trois années de rencontres régulières. Les deux hommes, qui s'étaient liés d'amitié, se sont en effet beaucoup fréquentés entre 1983 et fin 1985. " C'est lui-même qui avait souhaité que l'on se rencontre. J'avais écrit une discographie détaillée et il avait, semble-t-il, apprécié mon regard. Je lui avais confié que j'étais un admirateur de la première heure ou presque. J'étais alors un journaliste débutant et lui un artiste enfin reconnu pour ce qu'il était. Un chanteur citoyen. " Homme de presse, de radio et de télévision, Didier Varrod tente au quotidien de s'en inspirer dans la passion comme dans la colère " Sa vie et ses propos m'ont marqué au point qu'il est le seul chanteur dont je trimbale la photo en permanence. Il ne se passe pas un mois sans que je me dise : " Et lui, qu'aurait-il pensé ? " Je lui devais ce livre. Parce qu'il m'a tant appris... " Ainsi Le Roman de Daniel Balavoine est-il un témoignage de paroles d'un artiste toujours en mouvement, disparu tragiquement le 14 janvier 1986, à l'âge de 33 ans, ainsi que de ses proches et des professionnels qui l'ont toujours accompagné. Un artiste sans frontières qui, tout comme son ami Coluche, utilisait son crédit médiatique pour se mettre au service des autres et disait : " Je m'emporte pour ce qui m'importe ".

The Story of Balloons-L?un des plus grands rêves des hommes a toujours été de voler dans les airs comme un oiseau dans le ciel. Nous connaissons les légendes de la Grèce antique de Dédale et d?Icare et il semble qu?il y eut même des essais de vol en Arabie au IXe siècle. Ce n?était qu?en 1783 pourtant que l?invention des ballons à air chaud par les frères Montgolfier en France a propulsé les hommes dans les airs pour la première fois. Cette ?uvre colorée dépeint chaque étape de l?histoire aventureuse des montgolfières.

after Pieter Brueghel the Elder-Gigantesques tours carrées à étages les ziggourats mésopotamiennes ont toujours fasciné les hommes. L?une des plus célèbres est celle de l?ancienne Babylone ville que le roi Nemrod appelait Babel. La Tour de Babel devait être la porte du ciel mais elle devint le symbole de l?orgueil et de la confusion des langues. L?une des plus célèbres représentations de la Tour de Babel est le tableau éponyme de Pieter Bruegel l?Ancien (vers 1520-1569). Wouter Lenaerts s?en est inspiré pour réaliser cette toile musicale impressionnante.

uvre vertigineuse, à l'élégance foudroyante et à l'actualité toujours brûlante, tant elle sonne juste de pudeur, de profondeur, d'intégrité. Barbara reste l'une des artistes les plus singulières de la chanson française, qui continue d'influencer la jeune génération. le 24 novembre 1997 Barbara disparaissait à 67 ans, de ne s'être jamais épargnée, d'avoir brûlé sa vie avec la même ardeur qu'elle mettait à la chanter. Mais disparue ou pas, Barbara est plus que jamais là. Retrouvez dans ce songbook 50 titres incontournables de l'artiste, mêlant les tubes et des chansons jamais éditées en partitions, en transcriptions intégralement retravaillées en piano, voix et diagrammes d'accords guitare. Agrémenté de nombreuses photos exclusives, de citations exclusives tirées d'interview, d'anectodes originales et de documents inédits. A chaque fois - A mourir pour mourir - Amours incestueuses - Attendez que ma joie revienne - Au bois de Saint-Amand - Bref - Ce matin-là - Chapeau bas - Dis ! Quand renviendras-tu ' - Drouot - Du bout des lèvres - Femme piano - Gare de Lyon - Göttingen - Je ne sais pas dire - Joyeux Noël - L'aigle noir - L'amour magicien - L'amoureuse - L'enfant laboureur - L'homme en habit rouge - La colère - La dame brune - La musique - La solitude - Le bel âge - Le mal de vivre - Le soleil noir - Les insomnies - Les mignons - Les rapaces - Ma plus belle histoire d'amour - Marienbad - Mes hommes - Moi, je me balance - Mon enfance - Monsieur Victor - Nantes - Parce que (je t'aime) - Paris 15 août - Perlimpinpin - Pierre - Quand ceux qui vont - Rémusat - Si la photo est bonne - Sid'Amour à mort - Toi - Une petite cantate - Vienne - Y aura du monde (L'enterrement)

Proposant une approche globale et sociologique de la musique, la collection Mélomaniac s'est construite sur l'idée forte de toujours placer l'oeuvre musicale, la vie instrumentale ou la pratique vocale au coeur de l'histoire des Hommes. Qu'il s'agisse d'un Pacific 231 d'Honegger illustrant le machinisme du début du XXe siècle, d'une présentation du didjeridoo en relation avec les cultures aborigènes en Australie, ou encore d'un chant sacré gdang des moines tibétains, vous trouverez dans les différents ouvrages Mélomaniac une réelle prise entre les faits musicaux et leur contexte d'existence. A lire, à regarder et à écouter, voici un merveilleux tour d'horizon des musiques dans le monde : de la salsa cubaine aux chants inuit, des cornemuses celtiques aux tambours africains, vous approcherez les pratiques les plus colorées de la planète ! Avec son ouvrage de 176 pages et ses 3 CD, ce coffret se présente comme un guide passionnément rédigé qui offrira à tous une aventure étonnante au coeur des peuples qui font la richesse musicale de l'Humanité : - 9 zones géographiques principales du monde, présentées à travers leurs populations, ethnies, langues, religions et patrimoines. Les zones : Europe, Afrique, Moyen-Orient, Asie Méridionale, Asie Orientale, Amérique du Nord, Amérique Centrale et Caraïbes, Amérique du Sud, Océanie. - 50 exposés autour des diverses cultures musicales rencontrées (chants scandinaves, polyphonies corses, fado portugais, musiques berbères, ragas indiens, gagaku japonais...) - 50 dessins originaux réalisés et 150 photographies - 1000 monuments et sites naturels référencés - 90 extraits musicaux illustrant la spécificité des musiques des pays du monde. Auteur : régis Haas Coffret contenant :livre de 176 pages 3 CD audio

Quand Tom Adès et le Los Angeles Philharmonic m'a demandé quelque chose, je l'ai dit The Importance of Being Earnest. J'ai toujours aimé les sens extatique Wilde de non-sens - comme Alice au pays des merveilles en quelque sorte. Wilde a un humour noir indifférent, un délice dans le mensonge - et c'est ma maison. Je ne sais pas si c'est une chose irlandais ou pas - tout ce que je sais, c'est que c'est tout ce que je sais. - Bien que je coupe les deux tiers environ de la pièce, je n'ai pas coupé toutes les références à la nourriture et l'alimentation, et il ya beaucoup de personnes dans l'original. Les hommes sont aussi intéressés à la nourriture car ils sont dans les femmes. Il ya un moment étrange quand Cecily répond Algernon pour la première fois dans l'acte 2, et à l'improviste, dit-il, 'j'ai faim'. La mise en scène dit: 'Ils passent dans la maison.' C'est étrange. Vous ne savez pas ce qui pourrait arriver. Et quand Lady Bracknell dit: 'J'ai eu quelques crumpets avec Lady Harbury, qui semble vivre uniquement pour le plaisir maintenant', l'orchestre est soudainement silencieuse et sombre. Il ya quelque chose d'innommable là. Je dirais que si vous n'aviez jamais lu la pièce avant, et lire mon dernier tiers, vous ne savez pas tout ce qui manquait. Il montre comment la structure forte de Wilde est. Les os du jeu sont unshatterable. Ma version est une radiographie de celui-ci. Sa mise était dur et étrange de commencer et une joie après. Au début, je me demandais comment gérer les lignes comme 'Un homme qui se marie sans savoir Bunbury a un moment très pénible de lui.' J'ai décidé de les traiter comme des chorals chantés par un choeur, comme dans la Passion selon saint Matthieu, ou comme des slogans détenues par les manifestants. Mais après avoir utilisé la chorale pendant environ 90 secondes, j'ai vu le texte plus clair et distribués avec eux. C'est pourquoi ils n'apparaissent que dans l'acte 1 et jamais plus. Ils sont préenregistrées et sont comme des messages des Dieux. Les deux Lady Bracknell et Miss Prism sont germanophiles, alors j'ai fait les compositeurs. Ils ont tous deux se rendre à chanter leurs propres paramètres de Ode à la Joie de Schiller, et quand Lady Bracknell s'emballe, elle rompt naturellement en allemand. - Quand Miss Prism est invité à identifier le sac à main, elle entre dans un état de retrait de l'inspection, naturellement fredonner l'hymne national allemand, car l'Allemagne est crucial pour elle et Lady Bracknell. Par le troisième acte, Lady Bracknell est plus déséquilibré. Elle peut se concentrer, et poser des questions, mais si les réponses sont plus que son cerveau ne peut supporter, elle les ignore et passe à autre chose. - J'entre dans la folie de la pièce à des degrés divers tout au long. L'un d'eux est l'endroit où le Dr Chasuble dit: 'Tout est quasiment prêt pour les baptêmes'. Au lieu du texte de Wilde en réponse à Chasuble, l'ensemble du casting répondre aux glissandi vocale répétée. Ils sont comme une ménagerie d'animaux criant, au-delà des mots. - Les gens m'ont dit que la comédie est la chose la plus difficile. Je ne pense jamais à ce sujet. Je viens de jouer. Mes actes corporels, mon système nerveux. Les choses se passent. Quand le public se mit à rire à Los Angeles j'ai été surpris de commencer. Je riais seul à ce que j'avais fait, mais il n'est jamais venu à l'esprit que mon rire privée serait rendue publique. - Dans la scène de l'Acte 2 entre Cecily et Gwendolen, où ils lancent des insultes à l'autre, 40 assiettes sont cassées. Je pensais, à l'exception de tuer quelqu'un, ce qui est une bonne expression de la colère. Et bien sûr, casser des choses en est une. C'est comme ça que c'est arrivé. Et parce que la méchanceté et le fascisme ne font qu'un, j'utilise cloutés bottes jack marche aussi bien. Et comme je me sentais plus a été nécessaire, j'ai les filles tuer un autre à la fin de la scène. Ayant fait cela, ils vont juste à prendre le thé l'après-midi, parce qu'ils sont les morts-vivants. - La chanson Auld Lang Syne traverse l'opéra. Algernon joue son propre réglage de celui-ci hors de la scène au début. Il ya donc trois compositeurs de l'opéra! J'ai oublié de lui. - Le solo est pré-enregistré par moi. Il est vraiment difficile et je ne la joue pas avec précision. Il a été commandé par Betty Freeman peu de temps avant sa mort. J'utilise Auld Lang Syne que je pourrais utiliser une tasse à boire de. Dans l'opéra, c'est un objet entouré d'un monde parallèle tourbillonnant retiré. Ils se déplacent ensemble, mais n'ont rien à voir avec l'autre. La mélodie est à la base du duo d'amour entre Jack et Gwendolen, et le duo entre Jack et Algernon, et est habituellement utilisé par le majordome Lane et Merriman d'annoncer personnes. C'est donc un pilier structurel en son genre. - Les différents types de musiques utilisées dans les travaux Earnest dans la façon dont nous nous sentons, voyons, entendons myriades de choses tout le temps, qui n'ont pas de lien évident. Ils sont la vie. - Lors de l'utilisation de ces musiques il ya une raison sous-jacente en général. Au lieu de la musique dite série après le début de l'opéra, j'avais écrit à l'origine profonde (bien sûr!) Musique et quand je l'ai mis avec le texte, ça sonnait faux. Et quand j'ai remplacé la musique sérielle faux, c'était vrai. Je pense que la raison est quelque chose comme: texte de Wilde est incroyablement artificielle, et quand je suis allé à la vitesse supérieure pour le faire correspondre avec l'originalité même, il était trop sincère et devient insipide. Il a trahi le texte de Wilde - ce qui en fait ordinaire. La tension a disparu. Quand j'ai adapté artificialité de Wilde, avec le sérialisme très artificiel, les deux étaient à l'aise avec l'autre, et il n'y avait aucune fausse note. On était comme des faux (artificielle) que l'autre. Ils étaient heureux ensemble surréaliste. - Peut-être que c'est que Wilde + Emotion conventionnel est moins bonne que Wilde + Artifice. Et considérant qu'il ya tromperie tant dans le jeu, et sa propre vie est remplie d'elle, mon sérialisme faux était plus fidèle à son monde de trucage. - Gerald Barry (2012) / Ensemble

Présentation Ces vocalises sont faites pour trouver la virtuosité de sa voix, et sa fluidité dans une écriture d'aujourd'hui. Vous y trouverez quelques fondamentaux comme les grands intervalles, la longue tessiture, pour toutes les voix, le chromatisme, le tempo rapide vocalisé, les slanci ou glissati, les quarts de tons, les nuances ainsi que les tenuti pianissimi ou encore le decrescendo finissant sur un fil di voce. La valeur ajoutée sur le plan rythmique habituera le chanteur à combiner les textes sur une pulsation interne permanente malgré l'exécution de la mélodie étudiée. Les tenuti ouvriront l'imaginaire du chanteur en y plaçant le texte, ad libitum. Les respirations inaudibles pour certains textes - proches de la mélodie ou du récitatif - côtoieront quelques inspirations et expirations audibles, ou sons-bruits fantômes. J'accorde beaucoup d'importance à l'articulation du texte en bouche, et à la place des lèvres dans l'acoustique du son. En effet, le chanteur transporte son propre théâtre à l'italienne partout et son palais devient alors le fin connaisseur de la place des aigus et sur-aigus. Le chanteur est un gourmet de sa bouche et de tout son appareil phonatoire et respiratoire. Le sprechgesang aura une large part dans ces vocalises. Quelques nouvelles idées d'écritures apparaissent comme celles des agrégats ou arpèges, les pleurs, les rires, la main devant la bouche, le rauco, les sons soufflés, le bruit des lèvres, la langue sortie roulée sur la lèvre supérieure, les claquements de langue, le vibrato glottique. La présence du chanteur sera indispensable pour donner du sens aux textes empruntés au répertoire des opéras classiques choisis. Ces Airs connus par coeur par chaque chanteur, que ce soit Carmen, Adolar, Méphistophélès, Mab, Pédrillo, Marina, Anna Bolena, Lucrezia, Philippe II, Urbain, La Reine de la nuit, Vulcain, Sarastro ou Erda, pour n'en citer que quelques-uns, glisseront peu à peu dans des traitements - stylistiques et vocaux - déformés par tout ce que j'ai cité plus haut : à savoir que la virtuosité prend le pas sur la texture du texte et de la voix : des phonèmes en lien avec la compréhension du texte, ou non, agrémenteront la réactivité du chanteur, vers une attitude ludique, inventive et drôle, bien que précise et technique. La sûreté des attaques sera appréciée, comme l'apprentissage des différents effets vocaux (une vingtaine, en tout) et de leurs cryptogrammes respectifs. Si cette collection s'adresse à des chanteurs expérimentés et sûrs de leur technique globale, elle provoquera certainement des prises de conscience sur le couple voix et répertoire, peu évident à mettre en place chez de jeunes artistes, appelés à mûrir, à expérimenter, donc à évoluer dans leur répertoire, et leur confort d'émission. La beauté de l'instrument est indispensable pour défendre le cadre scénique de chaque vocalise : j'invite les jeunes chanteurs à croiser la voix, sa technique avec le jeu, l'amusement et sa virtuosité. La soif et le bonheur de chanter se mesureront à la discipline de l'apprentissage. Jeunes artistes doués et patients, devenez ces êtres-bouches à la fois chanteurs-conteurs-hypnotiseurs et connaisseurs alchimiques du pouvoir colossal de la voix humaine. Ouvrez vos cerveaux et vos bouches : le monde vous réclame ! De la même façon que pour toutes les autres tessitures, j'ai écrit 10 vocalises pour ces différentes catégories de Barytons et de Basses. Si le sens de l'humour permet de distancier la difficulté de l'écriture empruntée aux compositeurs contemporains, j'ai voulu donner à ces voix d'hommes - souvent trop cadrées dans la sériosité du propos - une évasion stylistique et légère, parfois émotionnelle non contenue, afin d'ouvrir une fenêtre vers la liberté et le ressenti non pudique des mots ou des textes choisis. J'ose imaginer que certains chanteurs se retrouveront en souriant sur certaines vocalises, les mettant en scène, par la lorgnette des coulisses souvent riches d'enseignement. 7 catégories ont été privilégiées : a) baryton léger (2 textes : Le charmant, MAB) b) baryton Martin (1 texte : L'illuminé) c) baryton Verdi (2 textes : Maudite Marguerite, La loge de scène) d) basse bouffe (2 textes : Una cosa stravagante, Vulcain) e) basse noble (1 texte : O toi, ma Mie, je t'attendrai ce soir) f) basse profonde (1 texte : Sarastromin) g) baryton-basse chantante (1 texte : Le malheureux Philippe) Amusez-vous, Messieurs et donnez-nous du plaisir à vous écouter encore et toujours ! Contenu I. Le charmant - II. MAB - III. L'illuminé - IV. Maudite Marguerite - V. La loge de scène - VI. Una cosa stravagante - VII. Vulcain - VIII. O toi, ma Mie, je t'attendrai ce soir - IX. Le malheureux Philippe - X. Sarastromin

Par MASSIN. Il existe aujourd'hui de nombreux et excellents dictionnaires et encyclopédies de la Musique où trouver les renseignements les plus variés, mais plus rarement sans doute, conduite jusqu'à  nos jours, une véritable histoire de cet art, dans sa merveilleuse trajectoire au travers des siècles, ses rencontres, ses développements, les apparitions des hommes qui n'ont pas cessé de l'inventer et de la réinventer. Nous avons voulu ici retracer une histoire de la pratique et de l'esthétique musicales, de ses instruments et de ses rêgles toujours variables, de ses compositeurs surtout auxquels il est consacré, pour les plus grands de ces génies créateurs, de vastes chapitres. Mais nous avons souhaité également que cette Histoire de la musique ' occidentale ' , avec ses évolutions et même ses révolutions spécifiques, ne soit pas dissociée de l'Histoire générale: Histoire politique, socio-économique, culturelle et religieuse, nous attachant ainsi à  mettre en lumiêre les situations socio-historiques de la musique à  travers les siècles. Destinée à  tous les lecteurs, à  tous ceux qui se sont épris de la musique, la pratiquent ou l'écoutent, à  tous ceux qui veulent en savoir plus, cette histoire s'ouvre, avant que ne commence le récit, sur un ' Lexique musical raisonné ' , un peu comme on livre une usine ' clés en main ' . OEuvre collective, fruit de la participation d'une vingtaine d'éminents collaborateurs, chacun apportant l'originalité de son regard le plus contemporain dans les domaines qui lui sont les plus familiers, le récit s'enrichit ainsi des connaissances de tous au meilleur niveau, faisant de ce livre un ouvrage qui se veut aussi passionnant à  lire qu'enrichissant à  consulter. B. et J. M. Ce volume a été réalisé sous la direction de Brigitte et Jean Massin avec la collaboration de Philippe Beaussant, Dominique Bosseur, Jean-Yves Bosseur, Thierry Chatain, Michel Chion, François Ferrand, Bernard Gagnepain, Gérard Gefen, Stéphane Goldet, Jacques B. Hess, Michel Huglo, Jean-François Labie, Philippe Olivier, Jean-Pierre Ouvrard, Michêle Reverdy, Ivan Supicic, Marc Vignal. / / Date parution : 1987-10-14/ Livre / Livres

MURAIL Tristan Une relecture des Kinderszenen de Robert Schumann Discipline / Instrument : Relecture pour flûte, violoncelle et piano Création 03/03/2019 - Segry, Abbaye de La Prée - Samuel Bricault (flûte), Marie Ythier (violoncelle), Marie Vermeulin (piano) Notice [...] Enfin, pour bien illustrer cette rencontre qui est le thème de cet album, l'idée a germé, et s'est rapidement imposée, d'une réalisation que je ferais d'une oeuvre de Schumann, et qui constituerait le lien le plus évident entre les deux mondes sonores. Cette réalisation serait donc naturellement écrite pour les trois partenaires du disque, violoncelle, flûte et piano. L'idée m'est vite venue que les Kinderszenen (Scènes d'enfants) seraient parfaites pour ce projet. En effet, les Scènes d'enfants ont un potentiel musical, expressif, évocateur, qui dépasse de loin la réalisation pour piano de Schumann. Sans doute a-t-il voulu rester simple et facile - dans son esprit, les pièces devaient être jouables par des enfants. Je ne suis pas sûr que ce soit vraiment le cas... certaines pièces ne sont pas si faciles, d'autres supposent des écarts inaccessibles à une main d'enfant. Mais presque toutes sont de petits chefs-d'oeuvre, avec une grande puissance imaginative, reposant pourtant sur des idées simples et concises. Comment alors aborder cette réalisation, ou plutôt ce qui deviendra une relecturs : le regard d'un compositeur sur un autre compositeur ? J'ai vite écarté l'idée d'une instrumentation dans un style d'époque plausible - qui n'aurait presque rien apporté aux pièces originales, aussi bien que celle d'une trop profonde réécriture risquant d'aboutir à une trahison. J'ai cherché, finalement, à faire bénéficier les pièces de Schumann d'une mise en couleurs (comme on colorise de vieux films originellement en noir et blanc), d'une amplification des idées et des sentiments, tout en restant le plus fidèle à la lettre comme à l'esprit de la partition. J'ai repensé, toutes choses égales par ailleurs - car nous ne sommes là pas du tout à la même échelle -, à l'exemple magnifique des Tableaux d'une exposition orchestrés par Ravel. Ravel n'avait pas simplement orchestré le piano, il avait cherché à retrouver, cachée derrière la réalisation pianistique de Moussorgski, l'essence même des idées musicales qui avaient en fait préludé à la réalisation pour le piano, qui n'en était clairement qu'une des réalisations possibles. Fort de ces réflexions, je n'ai pas hésité, pour mon regard sur les Scènes d'enfants, à utiliser toute la moderne palette des techniques instrumentales, démultipliant ainsi les timbres disponibles et les effets acoustiques résultants de leurs combinaisons. Le flûtiste joue souvent la flûte alto, au timbre si chaud et expressif, au registre grave qui permet par endroit au violoncelle de chanter la voix supérieure. Le violoncelle est employé dans toutes ses possibilités d'articulations, de timbre, et de registre, changeant très vite d'un mode de jeu et d'une sonorité à l'autre. Réutilisant une approche de l'instrumentation que j'avais déjà mise en oeuvre dans des pièces telles que La Barque mystique, je fais rapidement changer de rôle chaque instrument, donnant ainsi l'illusion d'une orchestration bien plus nombreuse qu'un simple trio. J'ai donc cherché à accentuer le caractère de chacune des pièces, et à retrouver les intentions cachées derrière la simplicité du piano de Schumann, et j'ai ainsi obtenu des contrastes que la version originale ne permet pas - ou permet moins. Pour amplifier le côté enfantin ou féérique de la musique, je me suis autorisé quelques ajouts, que j'évoquerai plus loin ; néanmoins j'ai voulu respecter le texte intégralement, en ce sens que pas une note ne manque de la partition originale, que les harmonies tonales sont intégralement respectées, de même que l'écriture rythmique. En revanche, de concert avec les interprètes, nous n'avons pas toujours suivi les mouvements métronomiques indiqués par Schumann, qui paraissaient souvent trop rapides (il y a d'ailleurs parfois quelques contradictions entre les commentaires de Schumann sur ses pièces, et les tempi indiqués). Les pièces originales, probablement en raison des contraintes mentionnées plus haut, sont cantonnées dans les registres médium et médium-grave. J'ai décidé de les éclaircir par endroit, en ajoutant des résonances ou doublures aiguës, ou à l'inverse d'ajouter quelques notes plus graves pour donner plus de corps à la sonorité. C'est donc ainsi qu'une étrange sonorité (bisbigliando de flûte, trille d'harmoniques du violoncelle) introduit la première pièce, puis plane au-dessus d'elle (Von fremden Ländern und Menschen = Des Pays et des hommes étrangers - ou étranges), que Hasche-Mann (Colin-Maillard) deviendra encore plus furtif, tandis que le Cheval de bois (Ritter vom Steckenpferd) claquera, soufflera et hennira. Fürchtenmachen fera vraiment peur ! Dans l'ultra-célèbre Rêverie (Traümerei), après l'énoncé du thème dans ce registre si expressif de l'aigu du violoncelle, le piano prendra soudain la parole, comme dans un concerto romantique. Comme je le disais plus haut, quelques éléments enfantins viendront, à l'occasion, s'ajouter à la trame sonore : petite boîte à musique (dans l'aigu du piano) dans la première et la dernière pièce, sons percussifs col legno du violoncelle dans Wichtige Begebenheit (Evénement important) - transformé pour l'occasion en marche militaire pour soldats de plomb... Et finalement, l'enfant s'endormira (Kind im Einschlummern), bercé par le violoncelle se balançant entre ponticello et ordinario, et apaisé par les sons éoliens de la flûte... J'espère que les auditeurs partageront le plaisir que j'ai eu à imaginer cette relecture, et que nous avons eu à l'enregistrer ; un grand merci aux trois interprètes, Marie Ythier, Marie Vermeulin, et Samuel Bricault, pour leur participation enthousiaste à cette entreprise, et pour leurs nombreuses et judicieuses suggestions.

Es löscht das Meer die Sonne aus-C?est à Venise que naquirent les barcarolles chants des gondoliers au rythme toujours ternaire (6/8 9/8 ou 12/8) qui suggère par la répétition constante d'un même rythme de basse le balancement régulier des embarcations sur la lagune. La mélodie du chant Schifferlied (Chant du batelier) de Friedrich Silcher (1789-1860) dérive non pas d?une barcarolle vénitienne mais d?une barcarolle de Provence.Après avoir arrangé la barcarolle provençale Friedrich Silcher écrit un texte et publie le chant sous le titre Es löscht das Meer die Sonne aus (premier vers du texte) dans un recueil d?airs et de chants traditionnels.Schifferlied développe une ligne simple fluide et limpide à l?instar des mélodies viennoises. L?arrangement pour Orchestre d?Harmonie est fidèle à cette approche. Il peut être accompagné par un Chœur d?Hommes (TB - texte en langue allemande -Set vendu séparément - DHP 1094593-050).