Les Histoires Qui Finissent

Par COHEN MARY. Présentation Egbert ! Egbert est un petit garçon paresseux, qui n'aime pas beaucoup pratiquant son violon - jusqu'à ce qu'un jour sa mère lui dit où il peut trouver une vieille carte de l'île de Vi-O'Lyn, avec ses trésors enfouis pirate. Soudainement, le temps de pratique de violon devient FUN, Egbert et son ami Polly le perroquet a déclenché sur leurs aventures à travers la terre de musique. D'abord ils sont cast away dans un bateau à l'île au Trésor, mais ils parviennent à atteindre la terre ferme et finissent par se joindre à M. Bim-Bam du cirque. Découvrez ce qui leur arrive, dans cette charmante histoire avec intermèdes musicaux et d'exercices pour vous aider dans les premiers stades de violon jouant. Et tous vos amis peuvent participer, trop, en se costumer que les pirates et les clowns et en agissant de l'histoire alors que vous jouez. Vous adorerez EGBERT !/ Recueil / Violon

« Jolly Roger » est le nom donné au célèbre et terrifiant pavillon pirate à tête de mort. Hissé peu avant l?abordage pour intimider l?équipage du bateau convoité il lui intimait l?ordre de se rendre sans résistance. Le pavillon noir est devenu un symbole de la piraterie cruelle mais aussi pleine d?aventures romantiques. Jolly Roger d?Armin Kofler raconte l?histoire d?un bateau pirate voguant en haute mer. L?ouverture est sereine ; la mer est calme. Mais le calme est trompeur c?est le calme avant la tempête. Le climat change la musique se fait plus sinistre. Le pavillon noir est hissé. Le bateau toutes voiles dehors file sur la mer quand soudain les piratesrepèrent une proie. Commence alors une poursuite dramatique chaotique et pleine de rebondissements. Après un passage puissant la musique dessine la fin du combat. Le « thème du pavillon noir » réapparaît et trouve sa conclusion dans un accord Majeur qui modifie complètement le décor : la menace pirate s?est enfin éloignée. La musique se focalise sur la fin heureuse de l?équipage du bateau abordé. On ressent un soulagement un signal d?apaisement. Les débuts sont hésitants fragiles ; le doute s?efface progressivement. Les marins finissent par comprendre que le danger est définitivement écarté. La ligne mélodique serpente vers le finale de l?œuvre dans lequel le thème principal légèrement modifié se présente sous une forme majestueuse.

Retraçant l'histoire de la guitare blues de Robert Johnson, Eric Clapton, John Lee Hooker, Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix, Peter Green et beaucoup d'autres, Neville martre explique définitif de chaque joueur jouant techniques, montrant comment émuler leurs solos et développer leurs astuces pour développer votre propre vocaulary musicale. Jouant des styles, des caractéristiques et des marques personnelles sont explique et illustre clairement la notation et l'onglet, ainsi qu'a joué plein sur le CD. Le CD comprend deux licks de chaque joueur, un solo à l'aide de ces licks et, enfin, une piste de confiture qui vous pouvez jouer avec, finissent par créer votre propre solo. Une courte biographie de chaque joueur évalue leur position historique dans le développement du genre, tandis que les traditions musicales de génération sont examinées. / Guitare

Jéricho met en musique la célèbre histoire du livre de Josué qui décrit la prise de la ville de Jéricho par les Israélites.La première partie dépeint l?inexorable traversée du désert à destination de la terre promise la terre de Canaan. Une cantilène entraînante célèbre le mal du pays l?envie de mettre fin à une existence faite d?errance.La prise de Jéricho constitue le thème de la deuxième partie. La tâche s?avère difficile ; six jours durant une impressionnante armée commandée par Jéhovah encercle la ville. Le septième jour l?armée fait sept fois le tour de la ville. Les pr?tres soufflent dans leurs trompettes et le peuple crie à tel point que les murs de Jérichofinissent par s?effondrer. Les Juifs en profitent pour prendre la ville d?assaut et en chasser tous les habitants. D?un point de vue musical on reconnaît clairement les bruits de bottes d?une armée marchant au pas et les murs s?effondrer dans un fracas assourdissant et ce bien que l?histoire ne soit pas retracée littéralement.Une mélodie à la fois majestueuse et grandiose traduit le sentiment de victoire ressenti à la suite de la prise de la ville fortifiée (troisième partie).Une oeuvre romancée qui débouche finalement sur une f?te populaire juive (quatrième partie) o? les mélodies virtuoses des bois et les rythmes entraînants renvoient à la musique traditionnelle juive. Tous les thèmes reviennent sous différentes formes dans cette dernière partie souvent m?me tous ensemble dans un contrepoint de contrastes. Au final le thème principal de la première partie revient par bribes en majeur : le calme est retrouvé.

Présentation Ces vocalises sont faites pour trouver la virtuosité de sa voix, et sa fluidité dans une écriture d'aujourd'hui. Vous y trouverez quelques fondamentaux comme les grands intervalles, la longue tessiture, pour toutes les voix, le chromatisme, le tempo rapide vocalisé, les slanci ou glissati, les quarts de tons, les nuances ainsi que les tenuti pianissimi ou encore le decrescendo finissant sur un fil di voce. La valeur ajoutée sur le plan rythmique habituera le chanteur à combiner les textes sur une pulsation interne permanente malgré l'exécution de la mélodie étudiée. Les tenuti ouvriront l'imaginaire du chanteur en y plaçant le texte, ad libitum. Les respirations inaudibles pour certains textes - proches de la mélodie ou du récitatif - côtoieront quelques inspirations et expirations audibles, ou sons-bruits fantômes. J'accorde beaucoup d'importance à l'articulation du texte en bouche, et à la place des lèvres dans l'acoustique du son. En effet, le chanteur transporte son propre théâtre à l'italienne partout et son palais devient alors le fin connaisseur de la place des aigus et sur-aigus. Le chanteur est un gourmet de sa bouche et de tout son appareil phonatoire et respiratoire. Le sprechgesang aura une large part dans ces vocalises. Quelques nouvelles idées d'écritures apparaissent comme celles des agrégats ou arpèges, les pleurs, les rires, la main devant la bouche, le rauco, les sons soufflés, le bruit des lèvres, la langue sortie roulée sur la lèvre supérieure, les claquements de langue, le vibrato glottique. La présence du chanteur sera indispensable pour donner du sens aux textes empruntés au répertoire des opéras classiques choisis. Ces Airs connus par coeur par chaque chanteur, que ce soit Carmen, Adolar, Méphistophélès, Mab, Pédrillo, Marina, Anna Bolena, Lucrezia, Philippe II, Urbain, La Reine de la nuit, Vulcain, Sarastro ou Erda, pour n'en citer que quelques-uns, glisseront peu à peu dans des traitements - stylistiques et vocaux - déformés par tout ce que j'ai cité plus haut : à savoir que la virtuosité prend le pas sur la texture du texte et de la voix : des phonèmes en lien avec la compréhension du texte, ou non, agrémenteront la réactivité du chanteur, vers une attitude ludique, inventive et drôle, bien que précise et technique. La sûreté des attaques sera appréciée, comme l'apprentissage des différents effets vocaux (une vingtaine, en tout) et de leurs cryptogrammes respectifs. Si cette collection s'adresse à des chanteurs expérimentés et sûrs de leur technique globale, elle provoquera certainement des prises de conscience sur le couple voix et répertoire, peu évident à mettre en place chez de jeunes artistes, appelés à mûrir, à expérimenter, donc à évoluer dans leur répertoire, et leur confort d'émission. La beauté de l'instrument est indispensable pour défendre le cadre scénique de chaque vocalise : j'invite les jeunes chanteurs à croiser la voix, sa technique avec le jeu, l'amusement et sa virtuosité. La soif et le bonheur de chanter se mesureront à la discipline de l'apprentissage. Jeunes artistes doués et patients, devenez ces êtres-bouches à la fois chanteurs-conteurs-hypnotiseurs et connaisseurs alchimiques du pouvoir colossal de la voix humaine. Ouvrez vos cerveaux et vos bouches : le monde vous réclame ! J'ai écrit 10 textes de vocalises avec humour pour désacraliser le mot virtuosité et style contemporain d'écriture ou effets vocaux. En effet, beaucoup de chanteurs sont craintifs devant la liberté demandée à leurs voix, pour réaliser théatralement ou dramaturgiquement un texte au service de la fluidité vocale sûre. Je me suis appuyée sur les arcanes de type de rôles chez les Mezzos. Ainsi, 4 catégories ont été privilégiées : a) mezzo lyrique (2 vocalises) : Arianna, La sentimentale b) mezzo colorature (2 vocalises : C'est à Séville, Il paggio) c) mezzo dramatique (2 vocalises : Lucrézia, Marina) d) contralto (4 vocalises : Fata Morgana, Le temps des lilas, Torture-moi, Elena-Lila) J'espère que les chanteuses s'amuseront en déchiffrant ces 10 vocalises, reprenant une technique classique avec, en plus, quelques effets dits contemporains. Aujourd'hui, ces manières d'écrire sont habituelles chez de nombreux compositeurs qui servent la voix et ne la desservent pas, comme on l'entend souvent dire, à propos de techniques vocales contemporaines. Un dernier point : toutes mes vocalises sont sur du texte en plus des voyelles classiques et indispensables à mettre en place dans la bouche du chanteur. Le texte sert de fil rouge à l'histoire racontée, souvent farfelue et se doublant d'auto-dérision (même si certains textes choisis sont sortis de rôles phares de Mezzos). En effet, les mots permettent une utilisation plurielle de l'appareil phonatoire et permettent de passer plus aisément des vocalises à texte aux oeuvres écrites par les compositeurs d'aujourd'hui. Contenu I. Arianna (mezzo lyrique) - II. La sentimentale (mezzo lyrique) - III. C'est à Séville (mezzo colorature) - IV. Il paggio (mezzo colorature) - V. Lucrezia (mezzo dramatique) - VI. Marina (mezzo dramatique) - VII. Fata Morgana (contralto) - VIII. Le temps des lilas (contralto) - IX. Torture-moi (contralto) - X. Elena-Lila (contralto)

Jéricho met en musique la célèbre histoire du livre de Josué qui décrit la prise de la ville de Jéricho par les Israélites.La première partie dépeint linexorable traversée du désert à destination de la terre promise la terre de Canaan. Une cantilène entraînante célèbre le mal du pays lenvie de mettre fin à une existence faite derrance.La prise de Jéricho constitue le thème de la deuxième partie. La tâche savère difficile ; six jours durant une impressionnante armée commandée par Jéhovah encercle la ville. Le septième jour larmée fait sept fois le tour de la ville. Les pr?tres soufflent dans leurs trompettes et le peuple crie à tel point que les murs de Jérichofinissent par seffondrer. Les Juifs en profitent pour prendre la ville dassaut et en chasser tous les habitants. Dun point de vue musical on reconnaît clairement les bruits de bottes dune armée marchant au pas et les murs seffondrer dans un fracas assourdissant et ce bien que lhistoire ne soit pas retracée littéralement.Une mélodie à la fois majestueuse et grandiose traduit le sentiment de victoire ressenti à la suite de la prise de la ville fortifiée (troisième partie).Une oeuvre romancée qui débouche finalement sur une f?te populaire juive (quatrième partie) o? les mélodies virtuoses des bois et les rythmes entraînants renvoient à la musique traditionnelle juive. Tous les thèmes reviennent sous différentes formes dans cette dernière partie souvent m?me tous ensemble dans un contrepoint de contrastes. Au final le thème principal de la première partie revient par bribes en majeur : le calme est retrouvé.