ADLER Samuel Etude de l'orchestration Discipline / Instrument : tous instruments Genre : Méthode - études Média : Livre Nombre de pages : 1136 (17,8 x 25,4 cm) Editeur : Lemoine Date de parution : 15/06/2011 ISBN / ISMN : 9790230982122 plus de 150 ans après Hector BERLIOZ, plus de 50 ans après Charles KOECHLIN ou Nikolaï RIMSKI-KORSAKOV, et quelques années après... un long travail, Les éditions Henry Lemoine ont le plaisir de vous présenter, enfin en langue française, de Samuel ADLER : Etude de l'orchestration TRAITE PRATIQUE Titre original : The Study of Orchestration, traité d'orchestration de réputation internationale Véritable défi éditorial, l'ouvrage est proposé ici sous la forme d'une édition française, augmentée de 280 pages ( 33%) par rapport à la version traduite. En effet, le texte original, déjà riche, est complété : - par Gilbert Amy, d'un chapitre nous offrant son regard sur l'orchestre en musique contemporaine aujourd'hui, - par Bruno Gillet, de trois chapitres concernant la voix humaine, - de 60 pages de commentaires et annotations, à vocation pédagogique, du traducteur de l'ouvrage Philippe Vernier - enfin, d'un index complet et performant (accru de 150%) sans lequel une telle ampleur de contenu se révélerait assez rapidement vaine. Samuel Adler Compositeur et chef d'orchestre américain d'origine allemande parti très jeune aux états-unis, Samuel Adler a composé plus de quatre cents oeuvres publiées, dont cinq opéras, six symphonies, douze concerti, huit quatuors à cordes, quatre oratorios et bien d'autres pièces orchestrales, chorales, vocales ou pour band. Elève notamment de Paul Hindemith, Aaron Copland et Sergei Koussevitski, il enseigna à son tour à l'University of North Texas (1957-1966) puis à l'Eastman School of Music de l'university of Rochester (1966-1995), et depuis 1997 reste membre intervenant à la Juilliard School of Music au sein du département composition. Auteur d'autres ouvrages que celui-ci (Choral Conducting et Sight Singing), Samuel Adler a reçu plusieurs prix et distinctions pour sa contribution exceptionnelle au monde musical comme compositeur, chef d'orchestre et auteur - en 2001, il entre à l'American Academy of Arts and letters. En tant que chef, il s'est produit avec de nombreux orchestres prestigieux, aux états-unis ou ailleurs - plus d'une cinquantaine de ses oeuvres furent enregistrées et sont distribuées par des labels américains ou européens de premier plan. Gilbert Amy Elève de Milhaud et Messiaen au Conservatoire de Paris, Gilbert Amy est un compositeur dont le talent a été salué par de multiples prix et dont les oeuvres sont jouées dans les plus hauts lieux mondiaux de la création musicale. Succédant à Pierre Boulez à la direction des concerts du Domaine musical, Gilbert Amy a ensuite poursuivi une carrière de chef d'orchestre. Fondateur du Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France, il en sera le premier chef et directeur artistique jusque dans les années 1980. Pédagogue reconnu, il a enseigné la composition et l'analyse musicale à l'Université de Yale puis occupé le poste de directeur du C.N.S.M. de Lyon de 1984 à 2000. Bruno Gillet Compositeur, Bruno Gillet a beaucoup écrit pour la voix, en formations de chambre, en duos avec divers instruments, en ensemble vocal, et avec orchestre. Au théâtre, il a collaboré, entre autres auteurs, avec Italo Calvino et Georges Perec. Au C.N.S.M. de Paris, il a inauguré la classe d'analyse et culture musicale spécialement destinée aux chanteurs, et assuré au C.N.A.D. la formation musicale des acteurs. Philippe Vernier Philippe Vernier se passionne très tôt pour les musiques orales dont il approfondit la connaissance d'abord en autodidacte (chanson, folk music...) puis sous l'impulsion du guitariste Alain Berkès (manouche, blues, jazz...). Après une expérience pop-rock, il étudie la théorie classique, suit l'enseignement des compositeurs Alain Roizenblat, Michel Decoust et Philippe Leroux - il reçoit alors plusieurs Premiers Prix (Orchestration, Composition...) et un D.E.M. en électro-acoustique. Compositeur de pièces pour bande , ensemble, chansons, musiques de film ou de scène, il a remporté le Prix de la Création Musicale au festival Paris-Tout-Court (2002).

Pièces Polyrythmiques En Onomatopées. Par POZZI MIRTHA. Onomatotek présente des polyrythmies vocales, faisant parfois intervenir des jeux avec les mains et les pieds, sur place ou en mouvement. La superposition de cellules rythmiques permet un jeu d'ensemble ainsi qu'un travail sur l'écoute individuelle et collective. Le jeu polyrythmique offre la possibilité d'une participation active à la création d'une musique forte et entrainante, impliquant tout le corps dans le processus sonore. L'instrument-voix, les phénomènes vocaux - respiration, phonation, vibrations... - sont mis au service de la production des sons dans l'espace. Cette pratique des polyrythmies est une composante des musiques traditionnelles de percussion en Afrique, Amérique Latine, Inde... mais elle a aussi attiré des compositeurs de musique contemporaine, notamment Steve Reich avec Clapping music, Terry Riley avec IN C, et bien d'autres. Une volonté pédagogique anime en permanence ce projet : donner des outils pour pratiquer le rythme de façon organique, avec une dimension ludique ainsi que de s'épanouir par la pratique de la musique d'ensemble. Les cellules rythmiques sont construites à partir d'onomatopées, d'interjections, de locutions, de mots inventés, de mots en français, de 'mots de bruits', d'expressions empruntées au langage imagé, souvent insolites ou surprenantes. Les mots sont choisis pour leurs sonorités. L'orthographe des mots en français peut être modifiée afin de donner un caractère plus proche de 'l'écriture d'un brui'. Il s'agit d'enlever aux mots leur signification et de les extraire de leurs rôles habituels. Il y a dans ces polyrythmies une absence de hiérarchie entre les parties. Toutes ont la même importance - on peut cependant trouver des degrés de difficultés. Il faut faire comprendre aux musiciens qui la pratiquent que chaque voix appartient à un 'tout'. La difficulté et la complexité ne se trouvent pas seulement dans chacune d'elles mais dans leurs imbrications, la précision de la mise en place et la cohésion de l'ensemble. La méthode conseillée pour l'étude de la partition est : transmission orale / reproduction / critique et autocritique / mémorisation / et finalement la lecture. Si on souhaite aborder les partitions par la lecture (le déchiffrage), cela devrait se faire à haute voix afin d'être d'emblée dans la production de l'univers sonore. Des jeux musicaux préparatoires sont proposés afin de se familiariser avec le matériel musical. Tous les participants sont invités à étudier et pratiquer toutes les parties de la polyrythmie. L'étude des cellules doit précéder celle de la structure. L'écriture des notes est empruntée aux partitions de percussions. Les valeurs de notes sont généralement brèves, la hauteur est indéterminée, proche du langage parlé. La position de notes dans la portée indique des hauteurs relatives. L'indication métronomique peut être observée avec une certaine souplesse. C'est la pratique qui doit la déterminer, en veillant à préserver la force rythmique de l'ensemble. Le caractère répétitif fait partie de cette musique - comme on peut le trouver dans multiples formes de polyrythmies, notamment en percussion. Il faut éviter la mécanisation dans la répétition des cellules, chercher à avoir toujours une écoute vigilante et conserver l'énergie qui nourrit l'ensemble tout au long de l'exécution. La musique est sans cesse recréée.../ Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale

L?Opus 5 de Musicologies nouvelles est le premier à s?affranchir des thématiques régulièrement abordées dans notre revue, liées aux sujets du baccalauréat et du concours d?agrégation, que nous continuerons à traiter dans les prochains numéros. Il inaugure un projet éditorial que nous espérons pouvoir développer à plus long terme, visant à offrir une image des tendances et des centres d?intérêt les plus marquants dans la musicologie d?aujourd?hui. Livre 21 X 28 cm 140 pages L?Opus 5 de Musicologies nouvelles est le premier à s?affranchir des thématiques régulièrement abordées dans notre revue, liées aux sujets du baccalauréat et du concours d?agrégation, que nous continuerons à traiter dans les prochains numéros. Il inaugure un projet éditorial que nous espérons pouvoir développer à plus long terme, visant à offrir une image des tendances et des centres d?intérêt les plus marquants dans la musicologie d?aujourd?hui.

Préface : Zhu Xiao-Mei
Présentation des textes musicaux : Marcel Bitsch

Sous la forme d'un plaisant scenario de vingt-quatre courts épisodes, l'auteur donne les clés d'une lecture et d'une écoute éclairées du Clavier bien tempéré de Jean-Sébastien Bach à travers un choix de 14 fugues appartenant aux deux Livres.

Les propos échangés entre deux jeunes gens avides de décrypter cette oeuvre monumentale et un Maître contemporain de Bach conduisent le lecteur à la découverte des principes de base d'une écriture dont les aspects contrapuntiques et harmoniques ont façonné les fondements de la musique occidentale.

S'adressant à tout mélomane en quête d'un cheminement musical personnel et à tout étudiant musicien désireux de construire son savoir sur la connaissance des procédés compositionnels, cet ouvrage guide les premiers pas d'une initiation à l'analyse.

A la fois support d'écoute et de mise en oeuvre au clavier grâce au recueil de partitions* annexé, le texte permet d'éclairer nombre de notions telles que sujet, contre-sujet, strette, inversus...

En même temps, Le Voyage à Leipzig révèle le contenu sensible d'un langage musical et fait partager, par la voix des protagonistes mis en scène, tout l'attachement de l'auteur à l'oeuvre de Jean-Sébastien Bach. / Méthodes and études instrumentales / Livre /

Par LABROUSSE MARGUERITE. Ce manuel couvre les acquis techniques et musicaux de la 8e année de formation musicale. Observons cependant que les niveaux dans les conservatoires et écoles de musique sont différents, de même que le temps consacré à la formation musicale est variable - de ce fait la correspondance niveau/année est aléatoire et doit être interprétée avec souplesse. Ce volume est divisé en six chapitres: cette répartition se fait soit par forme musicale (choral, prélude, quatuor) soit par époque (oeuvres contemporaines) soit par une rubrique de spécialisation technique (lecture et transposition). Toutes les rubriques de la formation musicale sont travaillées dans les chapitres 'forme musicale' ainsi que dans celui 'oeuvres contemporaines'. Dans le chapitre 'Lecture', le travail sera plus systématique - il se divise ainsi : - 1. Lecture rythmique en exercice et sur des textes musicaux, idem pour les lectures de clés. - 2. L'intonation et les difficultés intervalliques sont étudiées progressivement et en corrélation avec la lecture. Pour cela, différentes clés sont utilisées. - 3. Les dictées à la volée, qui sont le pendant écrit de l'intonation, peuvent être pratiquées avec profit en corrélation étroite avec celle-ci. - 4. Enfin huit lectures chantées (mélodies du répertoire) permettront à l'étudiant de mettre en oeuvre tout son savoir et son savoir-faire, afin de les interpréter. Ces différents chapitres ne sont pas à étudier dans leur ordre de pagination. Le professeur pourra, avec bonheur et plaisir, naviguer en toute liberté, mais avec sa logique pédagogique, dans la haute mer d'une année scolaire. / méthode - études / Méthode / Formation Musicale

Par SIRON JACQUES. En quelques années d'existence, La Partition intérieure s'est largement imposée dans les domaines du jazz et des musiques improvisées. Chacun s'y retrouvera, selon ses besoins du moment - qu'il soit débutant, improvisateur chevronné, enseignant, critique, musicien curieux, esprit ouvert. - Abondance des matériels, des matières et des manières: Chaque partie approfondit un aspect de l'action (l'improvisation, le son, le rythme, la mélodie, l'harmonie, les formes et la construction du récit, le jeu en orchestre). On y retrouve chaque fois un déroulement progressif : notions de base, pratique habituelle, et enfin démarches plus complexes. - Passerelles: Plusieurs traditions se mêlent : non seulement le jazz et les musiques improvisées actuelles, mais également les musiques classiques, populaires, contemporaines, extra-occidentales. De nombreux points de vue se croisent sans cesse - les matières dialoguent avec les manières, l'action avec la réflexion, la technique avec l'expression personnelle, la précision avec l'inspiration. Le lecteur choisira ses manières de cheminer : creuser un sujet, grappiller selon ses envies, rebondir grâce aux multiples chemins de traverse. - Danse intérieure: L'abondance et les passerelles ne sont là que pour mettre en appétit. Pas question de se substituer à l'essentiel - l'écoute, la mémoire, la sensibilité, la verve intelligente, la fragilité et l'incertitude, la fraîcheur de l'imagination, le plaisir du jeu. La Partition intérieure, en faisant dialoguer action et réflexion, technique et expression, invite le lecteur à élargir ses horizons afin d'éveiller la danse intérieure qui donne vie à toute improvisation. / Méthode en français / Théorie / Théorie Solfège

Ce choix de textes propose de développer sous forme de pratique orale (instrumentale et vocale, solistique et orchestrale) les trois fondamentaux d'un cours de formation musicale classique :

- La lecture
- L'audition
- L'analyse.

Le prétexte à l'improvisation, omniprésent, doit permettre non pas de reproduire mais de produire, créer quel que soit le type de source musicale : rock, jazz, musiques contemporaines, électroniques, classiques ou traditionnelles...

Cet ouvrage s'adresse à des élèves instrumentistes de 2e et 3e cycle. / Solfège / Livre /

Les Cahiers du Jazz rendent compte des dimensions historique, sociologique, technique, poétique ou philosophique de cette musique tout en se faisant l'écho des progrès rapides de la musicologie française et internationale. Chaque numéro accueille, après un ' Dossier ' consacré à une figure incontournable du jazz vivant, une série de ' Textes ' autonomes ainsi que quatre ' Rubriques ' régulières : ' Evénements ' relate les manifestations et publications essentielles pour la réflexion et la recherche - ' Témoignages ' donne la parole à un acteur et témoin essentiel du jazz - ' Anachroniques ' puise dans les archives un article présenté à la lumière contemporaine - ' Techniques ' soulève enfin un point important de la technique ou de l'analyse du jazz. No 3 - Dossier Martial Solal / Divers / Livre

Un ensemble (livre et CD) pour découvrir les instruments de musique en classe, à l'école de musique ou à la maison qui comprend plus de 400 dessins d'instruments avec les textes sur l'histoire, la fabrication, l'apprentissage, le coût des instruments, le répertoire. Le CD, de 1 h 15, réunit 63 instruments de musique enregistrés par des artistes professionnels avec un souci pédagogique constant. Le fichier inclut aussi des jeux de reconnaissance : 16 séries de 4 instruments à reconnaître (64 dessins inclus dans le livret, 4 enregistrements dans le CD). Tous les types d'instruments et de musiques sont abordés : jazz, traditionnel, classique et contemporain. L'ouvrage est recommandé par la Commission pédagogique de la Fédération des Ecoles et Conservatoires de Musique (FNUCMU). Fichier et CD réalisés avec le concours des professeurs et musiciens de l'école de musique intercommunale du Relecq-Kerhuon (Finistère)./ Solfège/Formation Musicale / Formation Musicale