Méthode Pour Les Commençants

Lorsque Chopin improvisait, Georges Sand disait qu'il cherchait La note bleue. Le bleu est la couleur de l'âme... Cette méthode s'adresse à l'enfant débutant qui ne sait encore rien de la musique ni du piano. Son propos est de lui apprendre à jouer tout de suite des petits morceaux qui seront agréables à entendre, pour lui et ses parents. Tout en assimilant les premières connaissances de solfège et de grammaire musicale, il devra les interpréter avec une vraie musicalité et simultanément se familiariser avec les bons principes de technique manuelle, car tout doit être développé ensemble. La grande clé de l'art du piano est de comprendre que la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches. C'est pourquoi le petit Mozart a tout de suite joué du piano. Dès les premières leçons, l'enfant doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer, car la raison d'être des signes qu'il voit devant lui est de transcrire des sons vivants, destinés à l'oreille. Cette méthode vise donc à ne jamais séparer la lecture des notes - du chant - de la quête du beau son et du phrasé. La dimension affective est par ailleurs essentielle pour assimiler la musique. C'est pourquoi ces morceaux sont ici proposés avec des paroles, comme des comptines. L'expérience prouve en effet que les images aident beaucoup les petits à chanter et à mémoriser. Les paroles aident en outre l'enfant à phraser naturellement, sans même qu'il ait à penser à cette notion de phrasé qui est bien trop abstraite pour lui au début. Les histoires et les images stimulent ses émotions or, sans émotion, l'on ne retient rien ! Cette méthode contient aussi, outre les éléments de solfège habituels, des conseils techniques expliquant comment il faut toucher le piano et quels gestes il faut faire pour obtenir un beau son, un beau phrasé. Car, si l'on ressent la musique mais que le geste est inadéquat, rien n'est possible ! Un Cd permettra d'écouter les morceaux, joués à deux ou à quatre mains. L'enfant pourra également jouer tout seul, tout en se faisant accompagner par le Cd. Ajoutons enfin l'essentiel : tout le coeur de cette méthode s'appuie sur les conseils que Chopin donnait à ses élèves pour apprendre à jouer du piano. Ils figurent dans Esquisses de Méthode, cet ouvrage élaboré par Chopin lui-même mais qu'il n'a pu achever, et dans le livre incontournable du grand musicologue Jean-Jacques Eigeldinger, le spécialiste mondial de Chopin : Chopin vu par ses élèves (1). A la mesure du débutant, nous tenterons d'appliquer ici pas à pas ces principes du Maître. Chaque chapitre sera ainsi ponctué de phrases de Chopin telles que : Il vous faut chanter si vous voulez jouer du piano ou : Le poignet est la respiration dans la voix, Soyez souple jusqu'au bout des pieds. Emanant de l'un des plus grands musiciens qui ait écrit pour le piano, lui-même génial pianiste et admirable pédagogue, sa pensée mérite d'être gravée dans le coeur de chaque petit(e) pianiste qui se lance dans cette grande aventure du piano... Alexandre Sorel (1) Chopin vu par ses élèves, par Jean-Jacques Eigeldinger, 3e édition revue et commentée, 450 pages, La Baconnière, Neuchâtel, 1998. Réédité par Fayard, octobre 2006, 454 pages / et : Chopin : Esquisses pour une Méthode de piano, Textes réunis et présentés par J. Jacques Eigeldinger, Paris, éditions Flammarion, coll. Harmoniques, 138 p. Mars 2010. Presse La Méthode Rose a formé tant de jeunes pianistes. D'autres méthodes d'Alfred Cortot (Principes rationnels de la technique pianistique) ou d'Isidor Philipp sont conçues pour l'acquisition de la vélocité ; celles de Marie Jaëll (1846-1925) et de Blanche Selva (1884-1942), pour la qualité du son. Tout récemment, sont parus les 2 volumes du vaste et original manuel de piano : A Compianon (fin 2018, en 2 volumes, 300 p.) de Stéphan Patin (né en 1966) - pour débutant et pianiste plus chevronné, reposant sur l'apprentissage mental et digital, et l'appropriation formatrice des quelque 200 morcelets très diversifiés. Voici, cette année, (préfacée par J.-J. Eigeldinger, le spécialiste de Chopin), la Méthode Bleue (en 2 volumes, avec illustrations sonores et conseils pédagogiques) d'Alexandre Sorel selon lequel la musique doit commencer à vivre dans l'oreille et l'imagination de l'enfant avant que celui-ci ne pose ses doigts sur les touches... et qu'il doit donc apprendre à chanter ce qu'il va jouer. A cet effet, il propose des morceaux avec des paroles comme des comptines, ce qui facilite la mémorisation. Au fil des 10 leçons, le débutant est appelé à emprunter la marche à suivre claire et bien pensée du pédagogue. L'auteur précède les questionnements de l'enfant et des parents, et y répond, étape par étape. L'imaginaire enfantin est sollicité grâce à la présence d'un bestiaire engageant (puce, chat, chien, tourterelle, écureuil, grenouille, perroquet...). Le tout est joliment agrémenté de médaillons de caractère assez naïf, du meilleur effet. L'auteur cite les conseils donnés par Frédéric Chopin à ses élèves, les intégrant judicieusement dans le cursus pédagogique jalonné par les différentes étapes indispensables à l'autonomisation progressive du musicien en herbe. Mine de rien, lecture des notes, apprentissage rythmique, incorporation de la gestuelle pianistique, développement de l'appropriation musicale se font dans un contexte délibérément rassurant (familial, amical) et un climat de confiance, avec des figures musicales tutélaires (Mozart, Chopin) pour aboutir à quelques pages accessibles du maître franco-polonais : Polonaise en sol mineur, Valse en la mineur... (Voir CD : Chopin à Nanteuil... Récital d'Alexandre Sorel). Edith Weber L'Education musicale n°127 (sept-oct 2019)

Cette Méthode de Luth Baroque peut vous donner les bases techniques et musicales nécessaires à l’obtention d’une structure assez solide et complète du jeu du luth baroque. Et c’est là tout l’enjeu et le défi de l’écriture de cet ouvrage : donner, au plus grand nombre de passionnés, l’opportunité de s’exprimer à travers le luth baroque, et ce, indépendamment de leur niveau d’apprentissage. Notre livre est destiné non seulement à celui qui n’a jamais joué d’un instrument de musique, mais aussi au guitariste avisé qui veut s’initier aux mystères du luth baroque ! Mode d’emploi Notre Méthode de Luth Baroque est divisée en trois parties. La première partie, plutôt théorique, aidera à mieux comprendre la façon de jouer la musique écrite pour le luth baroque. Nous avons jugé indispensable d’avoir des connaissances élémentaires de solfège occidental mais aussi de la tablature (forme de notation musicale spécifique au luth). Ces connaissances, insuffisantes si étudiées de manière isolée, ont été enrichies d’un lexique des pièces instrumentales ainsi que de biographies de la plupart des compositeurs de musique pour luth baroque à 11 et 13 chœurs. En deuxième partie, nous avons dédié tout un chapitre à l’étude de la technique et de la production sonore du luth. Riche en photos et détails de toutes les étapes techniques que nous devrons franchir, ce chapitre est, sans aucun doute, le plus important de toute notre Méthode pour bien comprendre l’univers sonore du luth baroque ! Ensuite, nous vous proposons 21 exercices, tous d’un niveau élémentaire, mais progressifs, accompagnés de plusieurs pièces de musique. Vous allez d’abord jouer des mélodies pour ensuite ajouter les basses, et seulement après commencer à jouer les ornements. En troisième partie, nous avons choisi près de 250 pièces pour luth baroque à 11 et 13 chœurs. Ces pièces, divisées en trois niveaux, sont d’un degré de difficulté qui s’échelonne du niveau « débutant », « moyen » à « avancé ». Nous avons, tout comme à l’époque baroque, séparé ces pièces selon leurs tonalités et leur nom. Aussi, nous n’avons choisi que très peu de tonalités différentes, afin que le luthiste débutant puisse travailler l’essentiel de son instrument, au lieu de perdre son temps à essayer de s’accorder tout le temps et de jouer des morceaux bien trop complexes pour son niveau. Il n’y a pas de mauvaise musique mais, parfois, il y a de mauvais musiciens ! Faire de la musique n’est simplement pas jouer des notes et réaliser quelques acrobaties, souvent sans intérêt. Un musicien « mûr » se plaît le plus souvent à jouer une simple mélodie et à jouir des merveilles sonores de son instrument ! Nous espérons que cette méthode pourra aider ceux qui n’ont pas accès à un professeur (même si nous leur conseillons d’aller en voir un le plus régulièrement possible), mais aussi tous les professeurs n’ayant pas suffisamment de matériel pour faire travailler, d’une manière systématique, leurs élèves. Bon courage à tous ! Miguel Yisrael - formerly Miguel Serdoura, now carrying the surname of his mother - was born in Lisbon, where he began his musical and artistic career, earning his Diploma in Classical Guitar in 1994. In 1995, he moved to Paris, where he studied the lute with Claire Antonini in the Early Music Department of the Conservatoire Supérieur de Paris - CNR. He also took part in several master classes in his discipline, with Rolf Lislevand and other prestigious artists. From 1999 to 2004, he completed his musical education at the Schola Cantorum Basiliensis in Basel, Switzerland with the grand maestro Hopkinson Smith. As a soloist, Miguel Yisrael has given recitals in France, Portugal, United-Kingdom, Germany, Belgium, Switzerland, China and USA. In 2000, he took part in a television documentary devoted to the lutenist Hopkinson Smith, broadcast by Arte, Mezzo, Classica, RTBF and TSR. He currently lives and teaches baroque and renaissance lute in Paris, where he gives frequent concerts/lectures in the framework of the “Musicien au Musée” program of the Musée de la Musique - Cité de la Musique in Paris. Miguel Yisrael performs on lutes built by Cezar Mateus, Princeton, USA, and with strings from Mimmo Peruffo, Vicenza, Italy. He recorded his first solo CD for the Dutch Label Brilliant Classics in 2008.

Méthode de piano pour débutants
Ce volume rassemble des pièces qui ont été écrites pour mes élèves avec toujours le même objectif, susciter l'envie de jouer tout en bâtissant, l'air de rien, le socle le plus solide possible.
Pour les pages d'introduction, j'ai privilégié une approche par l'expérimentation plutôt que théorique. Les jeux de sons permettent d'explorer la mécanique du piano et ses possibilités expressives.La partition est laissée de côté pour se concentrer sur ce qui est acoustique et moteur : avant de lire, on apprend à écouter, à ressentir une pulsation, un élan musical et à y connecter un geste. Dès lors et avant tout autre chose, l'enfant considérera le piano comme un moyen d'expression, inscrira naturellement ce qu'il joue dans une pulsation et un flux musical. Il aura assimilé le lien entre la qualité du geste pianistique et le son qui en découle.
Les 92 pièces de la méthode suivent une progression qui tient compte de la physiologie de l'enfant, favorisant assurance, confort de jeu et stabilité rythmique : après le jeu du bras, on installe la main dans le clavier en se familiarisant avec le jeu des doigts : les plus tables d'abord, le pouce en dernier. Les difficultés ont été réparties de façon homogène, traitées une à une dans des morceaux simples, avant d'être développées dans des pièces plus complexes. Le parcours est également jalonné de morceaux de concert qui font la synthèse de tout ce qui a été abordé, permettant de mesurer les progrès et de valoriser les efforts.
J'espère que ce travail contribuera à former de jeunes pianistes au jeu assuré, souple et expressif, prenant plaisir à jouer, car c'est bien là que tout commence.
Mathilde Carré / Méthodes et pédagogie / Piano et instrument à clavier / Piano / HIT DIFFUSION

Destiné aux élèves de deuxième et troisième année d'instrument, il complète et renforce les connaissances musicales et techniquesacquises au cahier 1.Dans ce cahier la progression permet au guitariste de commencer à jouer des thèmes du répertoire classique adaptés à son niveau.Les techniques instrumentales se diversifient en intégrant le jeu en notes simultanées, le plaqué à 2 et 3 notes, la tenue posturaledes accords ou bien le déplacement dans le manche ou le pivot de la main gauche pour exécuter plusieurs notes sur une même case.Dans ce cahier la musicalité est au centre de l'apprentissage avec la diversification de styles à interpréter. / Guitare

Destiné aux élèves de deuxième et troisième année d'instrument, il complète et renforce les connaissances musicales et techniquesacquises au cahier 1.Dans ce cahier la progression permet au guitariste de commencer à jouer des thèmes du répertoire classique adaptés à son niveau.Les techniques instrumentales se diversifient en intégrant le jeu en notes simultanées, le plaqué à 2 et 3 notes, la tenue posturaledes accords ou bien le déplacement dans le manche ou le pivot de la main gauche pour exécuter plusieurs notes sur une même case.Dans ce cahier la musicalité est au centre de l'apprentissage avec la diversification de styles à interpréter. / Guitare