Rythmes De Danse Vol.1

Apprendre la clarinette par le klezmerChaque instrumentiste peut découvrir par étape les principes typiques de la musique Klezmer, comme par exemple : mélodies and rythmes simples, alternance des tonalités majeures and mineures, ornementations et petites notes, glissandi, quarts de ton, accélération vers une danse, effets de rire, improvisation? Les Etudes Klezmer en 4 parties [ Débutant, Moyen, Fin... d'Etude, Supérieur and Virtuosité ] se jouent avec accompagnement CD, un outil permettant une immersion directe dans cette magnifique musique d'Europe de l'Est, et procurant une nouvelle ouverture sur le parcours des clarinettistes.ETUDES KLEZMER, volume 1 pour débutantSamuel Berthod'' Un des meilleurs clarinettistes Français ' : France 3' Surdoué de la musique ' : Europe 1' Concertiste-né' : DiapasonEn voyageur infatigable et insasiable au travers de divers mondes musicaux, Samuel BERTHOD s'est forgé un profil unique au sein des clarinettistes concertistes, en abordant avec un égal bonheur des domaines aussi divers que ceux de la musique classique, de la musique contemporaine, du jazz, des musiques klezmer and tzigane, de l'électro, de l'arrangement et de la composition.De très nombreux concerts à succès en France et à travers le monde en résultent.Il se produit en Klezmer au Grand Théâtre d'Angers ( ouverture de la saison 2010 / 2011 ), au Jazznica Festival en Slovaquie (terre du klezmer), à l'Institut Français de Prague, au Festival Mondial de Montmagny au Canada, etc.Professeur de Klezmer au Conservatoire Russe de Paris Serge Rachmaninoff de 2003 à 2006, il enseigne actuellement au conservatoire du Xème arrondissement de Paris.Masterclass Klezmer à l'Australian National University, Canberra / Australie.Son album Djoïka a été récompensé par 2 ' Coups de Coeur ' Virgin et MCM. / Clarinette

Acquérir aisément les connaissances nécessaires à la pratique de la musique, écouter, lire et inventer de petites pièces musicales, s'exercer efficacement à travers des jeux stimulant la compréhension et la musicalité de chacun (les premiers adaptés aux enfants dès 6-7 ans), voici quelques-unes des potentialités de ce duo: livre + cédérom. Cette formule, jusqu'alors inédite, offre l'avantage d'ouvrir des voies d'accès multiples au praticien: étude traditionnelle à l'aide d'exemples tirés des oeuvres les plus significatives d'une part, découverte intuitive et ludique grâce aux outils du multimédia d'autre part. version PC uniquement La partie livre du volume 1 synthétise les premiers chapitres du Guide de la théorie de la musique, ouvrage déjà salué par l ensemble de la profession pour la richesse et la modernité de son contenu. Le cédérom, organisé en ateliers progressifs, propose quant à lui une pédagogie musicale interactive conçue pour guider l apprenti musicien comme le mélomane, tout au long de son parcours, de la découverte à la maîtrise des bases de la musique. APERÇU DES NOTIONS ET DES OUTILS VOLUME I / LES BASES (de l'initiation à l'interprétation) Écoute et reconnaissance des hauteurs .Visualiser l'aigu et le grave, les demi-tons et les altérations .Traduire le nom des notes en anglais et en allemand .Noter les sons sur une portée dans les sept clés Exécution et notation des rythmes .Découvrir progressivement l'échelle des valeurs .Sélectionner directement les figures de notes et silences .Visualiser les durées de façon intuitive .Comprendre les valeurs pointées, liées... Développement du sens de la mesure et du tempo .Utiliser un métronome .Tester les indications de mouvement (allegro, presto, adagio...) .Changer de mesure d'un simple clic .Entrer des triolets, des duolets... Découverte de la tonalité .Se familiariser avec les intervalles .Repérer l'emplacement des demi-tons sur une gamme .Changer de tonique, de mode ou d'armure .Voyager dans le cycle des quintes... Consultation de tableaux, schémas et lexiques .Indications de mouvement et de caractère .Notation des attaques, dynamiques et ornements .Schémas des chiffrages de mesure .Lexique multilingue du vocabulaire essentiel... Mise en pratique intuitive et musicale .Exercer son oreille .Jouer et sauvegarder ses propres phrases musicales .Saisir la musique à la souris ou avec un instrument MIDI Claude Abromont enseigne l'analyse musicale au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris. Il est également co-auteur avec Eugène de Montalembert du Guide de la théorie de la musique paru dans la même collection.

Lorsque nous aurons réussi à donner à l'enfant une base auditive sensorielle et que nous l'aurons amené à réagir affectivement aux divers éléments sonores, nous pourrons entreprendre le développement musical sans risquer de faire un faux travail. Gamme, sens tonal, intonation, lecture et écriture se révéleront tour à tour comme un épanouissement normal, comme une prise de conscience qui vient à son heure.

Edgar Willems (1)


L'idée d'une base auditive sensorielle représentant un préalable indispensable à toute éducation musicale est sans doute le point commun le plus marquant reliant les courants pédagogiques musicaux du XXe siècle. De Kodály à Willems, de Martenot à Dalcroze, en passant par Orff, toutes ces pédagogies, aux sensibilités pourtant bien différentes, se rejoignent en effet lorsque se pose la question du sens donné à l'enseignement de la musique. C'est bien par le ressenti que l'enfant peut discerner, mémoriser, reproduire pour ensuite analyser, comprendre et même transmettre. Puisque, comme l'écrivait si justement Maria Montessori L'enfant nous demande de l'aider à agir tout seul , nous nous sommes posé, lors de la conception de cet ouvrage, la question suivante : comment proposer à l'enfant, et ce dès le début de son éducation musicale, une méthodologie l'amenant à être le plus autonome possible, à s'ouvrir sans inhibition aux différents paramètres sonores, à découvrir de vastes répertoires, à appréhender de manière ludique l'acte musical, sa lecture, son écriture, pour faire sienne cette maxime de Guillaume de Machaut : Et Musique est une science qui veut qu'on rie et chante et danse ?
Nous avons choisi de structurer cette méthode en chapitres se composant chacun d'une partie rythmique et d'une partie mélodique.

1. Par rythme, nous entendons tout d'abord l'éveil à la pulsation et à la durée, au sentiment mesuré et à la battue de mesure, à la carrure et à la conscience des phrases musicales et de la forme. En ce sens, nous proposons un éveil rythmique axé autour des longues et des brèves ( courtes ) permettant ainsi à l'enfant d'asseoir sa pulsation tout en ancrant les notions de binaire et de ternaire. Cela permet aussi d'éveiller son sens de la prosodie et des métriques dites irrégulières, proches notamment des répertoires populaires de l'Europe de l'Est.
Bien entendu, toutes les formules rythmiques constituant le programme usuel d'une première année sont abordées. Nous tenons à ce que l'élève s'imprègne ainsi du système rythmique au sens large du terme et développe en conséquence une réelle autonomie de jeu et de lecture. Les rythmes sont abordés avec des exemples variés issus de nombreux répertoires. En changeant ainsi les contextes, l'enfant dissocie les notions essentielles du rythme et du tempo qui lui est associé.

2. Les chapitres mélodiques ont pour vocation d'éveiller la vocalité et de développer l'écoute intérieure. Une attention toute particulière est donnée aux textes vocaux, issus notamment des répertoires traditionnels (chansons, comptines...).
La découverte de l'échelle musicale se fait en partant du La du diapason, dont on ne saurait trop encourager l'usage. La lecture se fait en lien direct avec le son : on doit entendre et chanter ce qui est lu. Nous proposons pour cela une écriture ludique constituée de cubes permettant de relier l'oeil à l'oreille de façon plus immédiate. Ne voulant pas bloquer l'enfant dans un seul système de lecture, nous proposons d'axer le travail autour de la lecture relative, qui permet d'être tout de suite à l'aise dans les clés les plus usuelles, tout en montrant l'importance du ressenti de l'échelle diatonique composée de tons et de demi-tons. A ce titre, l'éveil aux différentes modalités nous paraît essentiel - ainsi l'on trouvera nombre de textes issus du répertoire ancien, et grégorien en particulier. Partant de la construction de la portée, ligne par ligne, nous pensons aider l'enfant à se familiariser avec les hauteurs et à comprendre et mieux maîtriser la construction de l'écriture musicale.
La conscience des intervalles est éveillée par la technique de la note imaginaire , qui permet à l'élève de construire l'écart entre les notes, de fixer les hauteurs et de développer une empreinte sonore préalable à l'acte vocal comme à l'acte instrumental.
Des travaux d'écriture sont d'ailleurs proposés tout le long de l'ouvrage : petites dictées, écriture en clés de Sol et de Fa, transpositions... L'oreille harmonique est aussi développée par des jeux autour des cadences qui représentent la ponctuation du langage tonal. Il en va de même pour la conscience des timbres instrumentaux.

Le solfège proprement dit consiste à chanter en nommant les notes et en battant la mesure , écrivait Albert Lavignac ()2. Bien qu'un peu réductrice, cette phrase démontre que la question d'un solfège relié directement à la musique se posait déjà au XIXe siècle, reprenant aussi les idées pédagogiques déjà présentes dès la Renaissance. Nous avons souhaité inclure dans l'ouvrage les données théoriques essentielles, tout en les reliant directement à l'événement sonore. Ainsi, elles prennent du sens et la théorie devient vraiment musicale .
Fruit de notre expérience, de l'étude des courants pédagogiques et d'une recherche de répertoires tant variés qu'appropriés, L'Ouverture à la musique propose au professeur et à l'élève, enfant ou adulte, de débuter son apprentissage musical en se plongeant d'emblée dans la matière sonore, en goûtant au plaisir de la découverte et de l'expérimentation.

Benoît Menut, Pierre Chépélov

(1) Edgar Willems, L'Oreille musicale, tome 1 La préparation auditive de l'enfant, Fribourg, Editions Pro Musica, 1977, p.136.
(2) Albert Lavignac, L'Education Musicale, Paris, Charles Delagrave, 1902, p.24. / Partition CD /

Par PELLEGRINO MICHEL. Volume 2 : Le mélange des genres Ce 2e volume présente des pièces caractéristiques de compositeurs brésiliens qui, depuis le milieu du XIXe jusqu\'au milieu du XXe siècle, ont enrichi le répertoire en étant les précurseurs de la Samba, née au début du XXe siècle, ou de la Bossa nova, née dans les années 50. Presse Ces deux volumes sont une invitation à approfondir ses connaissances sur la foisonnante musique brésilienne : apprendre à distinguer ses racines européennes, africaines ou amérindiennes, à connaître ses genres fondateurs et découvrir l\'apport des compositeurs - Chiquinha Gonzaga, Joachim Callado, Ernesto Nazareth, Viriaro Figueira, Patapio Silva, Zequinha de Abreu, Joa Pernanbuco etc. - qui amalgamèrent cette mosaïque de styles et de traditions musicales et créèrent ainsi une musique aux rami?cations multiples d\'une richesse et d\'une complexité uniques. Dans le volume 1, après avoir donné plusieurs exemples musicaux - chants des indiens d\'Amazonie, chants de vaqueíros (vachers), premiers chants de carnaval, la danse Lundu dont le lascif déhanché scandalisait les âmes bien pensantes - M. Pellegrino cite les premières formes musicales fondatrices : la Modinha, la Maxixe (le tango brésilien), le Choro, le Sertanejo, le Forro, le Baiao. Le volume 2 réunit des pièces caractéristiques des compositeurs qui enrichirent cette musique en amalgamant les premières in?uences - amérindiennes, africaines, européennes - aux rythmes des danses venues d\'Europe telles que les polkas, mazurkas, valses ou scot?sh. Ces deux ouvrages contiennent beaucoup d\'informations musicologiques ainsi que des biographies succinctes des compositeurs et des textes musicaux harmonisés - de quoi aiguiser votre désir d\'en savoir plus sur cette musique et de mieux connaître les ?uvres de ces compositeurs qui sont les précurseurs dela samba et de la bossa nova. (Texte : français) Traversière Magasines n°139 / Date parution : 2022-01-14/ Recueil / Instrument en Ut

Par GRABOWSKI ELSA / LOUIS HELENE. Ma Boîte à Musiques est un ouvrage complet pour une première année d'enseignement musical. Il aborde toutes les notions par l'apprentissage de chansons traditionnelles ou originales et la découverte d'un répertoire varié. Afin de permettre à l'enfant de s'immerger dans un contexte musical vivant et d'assimiler durablement les notions, tous les textes proposés ont un support audio. Les accompagnements des chansons sont disponibles sur l'espace éducation du site des Editions Billaudot et les musiques du répertoire sur la plateforme Deezer. L'ouvrage, en 20 leçons, comporte les rubriques suivantes: je chante/je danse, j'écoute, je lis et une partie à la maison pour le travail personnel. Le lien étroit entre chansons, ordonnances, reconnaissances et déchiffrages permet à l'enfant de conscientiser durablement les relations mélodiques. La lecture est abordée de manière relative dans les premières leçons.Les rythmes proposés se jouent avec un support sonore. Cette approche permet de rendre le rythme vivant, en lien avec une réalité musicale (phrasé, articulation, perception du mouvement sonore)./ Méthode / Formation Musicale

Ces ouvrages s'adressent à des enfants, adolescents ou adultes instrumentistes, chanteurs, danseurs,? et permettent sur 2 ans de travailler de façon plus autonome, notamment grâce à un CD sur lequel sont enregistrés un support rythmique d'accompagnement et un play-back des morceaux du répertoire.
Ces livres proposent un apprentissage du rythme plus ludique, proche du travail des percussionnistes, permettant ensuite une adaptation plus facile à l'instrument. L'approche se fait autour de courtes cellules mises en boucle corporellement, vocalement, instrumentalement, qui permettent dans leur agencement et leur répétition d'aller véritablement jusqu'à un ressenti complet et circulaire (geste - audition - lecture) du rythme étudié.
Chaque leçon s'articule en différentes séquences très progressives (installation, polyrythmie, improvisation, variations, composition) débouchant sur un morceau du répertoire. / Solfège / Recueil /

En 1975 une nouvelle forme de danse faisait fureur parmi la jeunesse latinoaméricaine des quartiers sud du Bronx. Après avoir observé la frénésie des danseurs Van McCoy compose une mélodie crépitante qui évolue sur des éléments de musique latine et de R

En 32 Cartes postales réparties en 2 recueils, Jean-françois Verdier nous invite à un voyage autour du monde en parcourant de nombreux styles musicaux, caractéristiques des pays évoqués au fil des pages de ses compositions pour violon et piano.Du Blues (Chicago) au Tango (Buenos Aires), des danses des pays de l'Est (Goulash, Danse hongroise, Troika... ) aux rythmiques latines (Copacabana, Habanera) ou aux couleurs modales de l'Orient (Les chameaux, Berceuse de Chine), autant de rythmes, de mélodies, et de sonorités singulières rendus accessibles grâce à un format et une écriture adaptées aux premières années d'instrument.Grâce aux supports sonores inclus avec chaque recueil (CD et fichiers AUDIO sur Internet) l'apprenti violoniste s'inspirera d'un modèle de grande qualité servi par des interprètes de premier plan, tout en lui permettant de jouer avec les accompagnements piano seul.Si l'on dit que les voyages forment la jeunesse, les violonistes en herbe trouveront avec ces 32 petites études faciles une occasion idéale de combiner le plaisir de répertoires variés avec l'apprentissage de techniques instrumentales et ce, dans une progression adaptée à leur niveau.Classifications catalogue : Violon et pianoNb. total de pages : 32Cycle / Niveau : Facile (cycle 1)Public concerné : Enfants, Jeunes, AdultesAnnée copyright : 2021 / Violon / Billaudot

Expérimentateur de génie en rupture avec la tradition tanguera virtuose du bandonéon Astor Piazzolla (1921-1992) révolutionne le langage du tango en le dissociant de la danse. Le tango fait désormais son entrée dans le domaine de la musique de concert. Un soir de 1959 Piazzolla apprend le décès de son père. Il compose un tango pour bandonéon aux caractéristiques inhabituelles : Adíos Nonino. Une œuvre intimiste aux harmonies éthérées qui rompt avec les rythmes traditionnels du tango.

Expérimentateur de génie en rupture avec la tradition tanguera virtuose du bandonéon Astor Piazzolla (1921-1992) révolutionne le langage du tango en le dissociant de la danse. Le tango fait désormais son entrée dans le domaine de la musique de concert. Un soir de 1959 Piazzolla apprend le décès de son père. Il compose un tango pour bandonéon aux caractéristiques inhabituelles : Adíos Nonino Une œuvre intimiste aux harmonies éthérées qui rompt avec les rythmes traditionnels du tango.

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