Morceau Symphonique

Morceau De Lecture For Trombone And Piano-Alexandre Guilmant was one of the greatest representatives of the French Romantic organ school and composed almost exclusively for his instrument.A rare exception is this “Morceau symphonique” written in1902 for the Paris Conservatoire’s annual trombone class competition. The charming piece soon found its way into the repertoire – as did Saint-Saëns’s “Cavatine” (HN 1119) – and is todayamong the essential standard works of trombone literature.The “Morceau symphonique” is here offered in its first-ever Urtext edition based on the autograph and the first edition. We also offer here aparticularly special treat – the sight-reading piece that Guilmant wrote for the same competition which had until now slumbered in the archives and is here published for the very first time.

Morceau Symphonique has become one of the absolute standard works for the Trombone. Its eight minutes of music manages to reveal many facets of the Trombone's musical character and it does this with a succinct tightly organised and satisfying musical logic. This edition also includes a solo part in treble clef.

Philippe Gaubert (1879-1941) was a distinguished performer on the Flute. It comes as no surprise therefore that his compositions for wind instruments are at the forefront of the repertoire  Morceau Symphonique for Tenor Trombone being no exception. After a prominent career as a flautist with the Paris Opéra Gaubert was appointed as professor of Flute at the Paris Conservatoire as well as principal conductor of leading orchestras. It was during this time that Gaubert composed including his Morceau Symphonique for Tenor Trombone and Piano. Addressing many technicalfeatures including flourishing semiquaver passages a wide range lyrical melodies unusual intervals chromaticism and complex rhythms  Morceau Symphonique is a challenging yet riveting and stirring piece for aspiring advanced Tenor Trombone players.

Felix-Alexandre Guilmant-Amédée (Boulogne-sur-Mer March 12 1837 - Meudon March 29 1911) was a French composer and organist. Like many other composers he was very talented on a young age he was 12 years when he was playing organ smoothly. He studied with Lemmens with Charles-Marie Widor and Gigout. Between 1871 and 1901 he the leading man in the Paris organ scenery along with his fellow students later on he teached at the Paris Conservatoire National Superieur de Musique inter alia Joseph Bonnet and Marcel Dupre. Known are his organ sonatas which are equivalent to the famous organ symphonies of Widor. His work was very popular. Also knownunder the title Morceau Symphonique Opus 88.

Felix-Alexandre Guilmant-Amédée (Boulogne-sur-Mer March 12 1837 - Meudon March 29 1911) was a French composer and organist. Like many other composers he was very talented on a young age he was 12 years when he was playing organ smoothly. He studied with Lemmens with Charles-Marie Widor and Gigout. Between 1871 and 1901 he the leading man in the Paris organ scenery along with his fellow students later on he teached at the Paris Conservatoire National Superieur de Musique inter alia Joseph Bonnet and Marcel Dupre. Known are his organ sonatas which are equivalent to the famous organ symphonies of Widor. His work was very popular. Also knownunder the title Morceau Symphonique Opus 88.

Hans Werner Henze, adhérant à l'äs de ses intentions, un compositeur et professeur, a déjà fait à disposition pour la participation par une, banda' de musiciens amateurs dans la version originale de son arrangement de Don Chisiotte de Giovanni Paisiello (1769), qui a reçu son premier spectacle en 1976 à la première Cantiere Internazionale d'Arte à Montepulciano. Les mouvements contenues dans l'opéra ont été combinées en une suite. Norbert Studnitzky a organisé les morceaux pour bande de l'orchestration qui est reconnue internationalement. Il est sonore, fraîchement conçue musique ancienne pour les bandes à bas niveau avancé. / Ensemble A Vent Symphonique

Alexandre Glazounov était aussi bien à l'aise pour composer des morceaux symphoniques dans un style romantique tardif que pour écrire de la musique de chambre. À l'instar de la Rêverie pour cor et piano, ses brèves pièces pour instruments solistes séduisent par leurs mélodies ravissantes et leur amour du détail. Glazounov était lui-même un bon corniste et joua, en tant que jeune étudiant, dans plusieurs orchestres. C'est de cette époque que date cette oeuvre hautement romantique, dans laquelle Glazounov fait admirablement valoir toutes les qualités sonores de l'instrument. Une pièce de concert qui fait son effet tout en étant déjà accessible aux élèves avancés et que nous présentons en exclusivité en édition Urtext - hormis la première édition, nous avons eu recours pour la première fois à l'autographe de Glazounov conservé à la Bibliothèque nationale de Saint-Pétersbourg. / Cor Et Piano

Par PUREN BRUNO / EMERY CECILE. Une nouvelle méthode de piano ' Oui mais ORIGINALE C\'est une méthode originale en deux volumes Le premier volume (bleu) s?adresse aux débutants et recommençant de la 1ère à la 4e année. Il comprend dix leçons. Le deuxième volume (orange) accompagne le pianiste dès sa 5e année. Il comprend six leçons. Méthode originale par sa démarche : C?est l?étude simultanée du piano, de l?harmonie pratique, de la lecture de partitions de tous styles et de l?improvisation. Chaque leçon est basée sur une chanson facile à mémoriser. Chanson extraite du répertoire populaire, de l?opérette ou chanson actuelle. On apprend à jouer cette chanson et à la chanter en s?accompagnant. La chanson, apprise par c?ur, permet d?étudier le phrasé, la respiration, le toucher (afin de rendre son caractère). Les figures de rythme se réalisent facilement et l?élève pourra s?y référer lorsqu?il jouera un autre morceau. L?étape suivante consiste à s?intéresser à ce qui accompagne la chanson : accords et/ou voix supplémentaires. On aborde alors les notions d?harmonie et de polyphonie. Méthode originale par son contenu : On y trouve : Des enchaînements et des cadences, à transposer pour développer l?oreille et la conscience harmonique Des pistes pour l?improvisation Des exercices qui permettent d?acquérir une technique réfléchie. On y apprend les différentes sortes de toucher, le phrasé, les accords, l?indépendance des mains, la polyphonie, le bon usage de la pédale ? Un répertoire particulièrement vaste, allant de Bach à Adèle, de Couperin à Indochine en passant par la comédie musicale et la musique symphonique dans des arrangements originaux. Méthode originale par son usage : A chaque chanson est associé un acquis technique et musical complet. Un débutant commence par le début de la méthode, mais un élève plus avancé peut choisir la leçon en fonction des notions qu?il souhaite approfondir. L?élève peut également, avant d?aborder un morceau nouveau, se familiariser avec sa tonalité grâce à des exercices, un apprentissage harmonique, des transpositions ou encore des improvisations. C?est un concentré de méthode qu?il faut compléter en choisissant des pièces en lien avec les sujets abordés. Le professeur peut garder sa méthode favorite tout en poursuivant la progression d ? »apprendre le piano par les chansons ». Une progression pas à pas, en respectant les goûts et le niveau des élèves. Quel que soit votre âge et le type de cours que vous prendrez (cours privé, association, conservatoire), cette manière d?apprendre va changer votre manière d?entendre et d?apprendre la musique. / Date parution : 2022-12-14/ Méthode / Piano

Maple Leaf Overture porte l?emblème du Canada (la feuille d?érable) jusque dans son titre? Ce morceau composé par Philip Sparke a été joué par l?Orchestre Symphonique du Lycée de Calgary dans le cadre de sa tournée en Angleterre. La pièce s?ouvre avec une fanfare maestoso puis un passage en tempo vivo introduit peu à peu des rythmes syncopés de style jazzy. Un motif plus doux nous conduira progressivement vers un apogée où le thème central réapparaît. Le morceau se termine par une brève référence à la fanfare d?ouverture suivie d?une rapide coda.

Par PAUSET BRICE. Cette pièce représente le premier moment d'un triptyque pour grand orchestre et y adjoint temporairement un piano principal. Ce morceau relativement court (environ vingt minutes) essaie de poser la question de la représentation de la musique par elle-même: on assiste, en sept grandes sections, à un renouvellement permanent de la fonction du soliste tour à tour sujet de la représentation et cartographe du monde orchestral qui l'entoure. Au-delà, pour poursuivre sur la même métaphore, j'ai imaginé un géographe plus particulièrement préoccupé par la représentation du monde souterrain, en faisant entendre la face cachée de l'orchestre symphonique, l'envers de ses codes et de ses 'bonnes manières'. Ce que je cherche à présent (et pour quelques années encore) est une musique qui abolirait la notion d'esquisse: une musique dont principes et expression soient, pour ainsi dire, en constante circulation - je pense surtout à une musique impossible qui, au-delà de la non-musique, écouterait notre propre culture et nous transmettrait, par moments, ses évidences inavouables - une musique qui, telle une carte trouée par endroits, superposerait son dessin à la réalité qu'elle est sensée représenter. Je rêve d'une musique qui briserait le confort des codes admis, ceux, en particulier, d'une culture moribonde, inaltérablement attachée à désirer ce qu'elle connaît déjà. Brice Pauset / contemporain / Répertoire / Piano et Orchestre

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Cet arrangement charmant de la vieille chanson populaire anglais 'Drink Me De tes yeux seulement' fournit jeunes groupes symphoniques avec la possibilité de jouer avec lyrisme tout en sonnant riche et mature. Beaucoup de variété dans la notation et certaines tournures harmoniques jazzy font de ce morceau parfait comme un beau changement de rythme pour votre prochain concert! (03:05) / Concert Band

Cet arrangement charmant de la vieille chanson populaire anglais 'Drink Me De tes yeux seulement' fournit jeunes groupes symphoniques avec la possibilité de jouer avec lyrisme tout en sonnant riche et mature. Beaucoup de variété dans la notation et certaines tournures harmoniques jazzy font de ce morceau parfait comme un beau changement de rythme pour votre prochain concert! / Concert Band

Par GUILMANT ALEXANDER. / Niveau : Difficile / Répertoire / Euphonium et Orchestre à vent