Jazz à l'âme

Par ESCHLIMAN TED. N\'est plus limitée aux genres folkloriques base, toute mandoliniste aspirant à une compréhension plus large de la musique, y compris le swing, blues, pop, choro, broadway et même classique peut étendre son jeu et grâce à une connaissance des fondamentaux de jazz. Cette approche de percée en pédagogie de la mandoline prend quatre patrons idéogramme non compliqué (FFcP) et perce une familiarité physique dans les doigts du joueur, adoucissant la peur des frettes supérieures et se prépare pour les altérations harmoniques nécessaires pour jouer de la musique contemporaine plus complexe d\'efficace et intuitive. Une brève introduction en modes, le joueur est assoupli en brouillage avec accompagnement audio (CD) et, éventuellement, une initiation à la progression d\'accords jazz plus fondamentale de tous, le \' ii V7 I\' pattern. De l\'horizontal (mélodie) à la verticale (accords) et retour, les résultats sont une compréhension instinctive et physique des centres tonales et l\'improvisation fourrage de compter exécutant. Mettant l\'accent sur la force de la MINUS, fing... / Niveau : Débutant à Intermédiaire / Jazz - Methods / Recueil / Mandoline

12 outstanding arrangements for the beginning jazz ensemble written by experienced educational arrangers and composers. A variety of styles and tempos are included: swing ballads rock pop holiday Latin and a great warm-up chart titled 'Loosen Up.' This collection of charts is written for full instrumentation of 5 saxophones 3 trumpets 3 trombones and 4 rhythm but designed to sound full and complete with reduced instrumentation of just nine players - 2 Alto Saxes Tenor Sax 2 Trumpets Trombone Piano Bass and Drums. Optional parts are available for C Flute Tuba (doubles Bass part) Horn in F (doubles 1st Trombone) and Baritone Horn T.C. (doubles 1st Trombone).Rhythm section parts offer suggestions for voicings and rhythms and guitar chord frames are included to assist young guitarists. Solos are written out for improvised sections and there is plenty of full sounding ensemble. Conductor's book includes a full length CD recording. Titles are: Chattanooga Choo Choo * El Gato Gordo * James Bond Theme * A Jazzy Merry Christmas * The Judge * Li'l Darlin' * Loosen Up * One O'Clock Jump * Over the Rainbow * Peter Gunn Theme * The Pink Panther * Rock This Town.

3rd Trombone parts for this collection of jazz charts arranged for mixed ensemble. 12 outstanding arrangements for the beginning jazz ensemble written by experienced educational arrangers and composers. A variety of styles and tempos are included: swing ballads rock pop holiday Latin and a great warm-up chart titled 'Loosen Up.' This collection of charts is written for full instrumentation of 5 saxophones 3 trumpets 3 trombones and 4 rhythm but designed to sound full and complete with reduced instrumentation of just nine players - 2 Alto Saxes Tenor Sax 2 Trumpets Trombone Piano Bass and Drums. Optional parts are available for C Flute Tuba (doubles Bass part) Horn in F (doubles 1st Trombone) and Baritone Horn T.C. (doubles 1st Trombone). Rhythm section parts offer suggestions for voicings and rhythms and guitar chord frames are included to assist young guitarists. Solos are written out for improvised sections and there is plenty of full sounding ensemble. Conductor's book includes a full length CD recording. Titles are: Chattanooga Choo Choo * El Gato Gordo * James Bond Theme * A Jazzy Merry Christmas * The Judge * Li'l Darlin' * Loosen Up * One O'Clock Jump * Over the Rainbow * Peter Gunn Theme * The Pink Panther * Rock This Town.

Transcriptions et analyses par Armand Reynaud et Jérémy Brun

Je suis honoré d'écrire quelques mots à propos d'un des plus grands pianistes, Kenny Barron. Il a été une figure importante de la scène New Yorkaise durant quarante ans et il fait partie de l'élite des pianistes de jazz dans le monde.
J'ai tout d'abord rencontré Mr Barron en 1977 dans un haut lieu du duo piano/basse, au Bradley's, dans Greenwich Village. Je l'ai entendu à Cincinnati (dans la ville où j'habitais) en 1974 avec le Quartette de Yusef Lateef et fus très impressionné. Au Bradley's, il était chaleureux et a été très encourageant avec moi, pianiste de 21 ans récemment arrivé à Big Apple (New York). Le moment venu, il me laissa m'asseoir avec son bassiste, le grand Buster Williams - ce fut un réel plaisir.
Lorsque j'ai commencé à réaliser des CD pour le bénéfice de Classical Action : Performing Arts Against AIDS, dans le début des années 90, je lui ai demandé de participer au second enregistrement Fred Hersch and Friends : The Duo Album en jouant un duo avec moi. Cette organisation collecte des fonds vraiment nécessaires pour les services de personnes atteintes du Sida et la prévention. Kenny, sans attendre, donna de son temps et joua magnifiquement. Il apparaît aussi sur le disque suivant, The Richard Rodgers Centennial Solo Jazz Piano Album .
Nous avons également joué à deux pianos à New York au Town Hall et deux fois au Jazz Standard, pour mon plus grand plaisir. C'est un partenaire merveilleux et compréhensif, disposé à tout essayer. Bien qu'il soit difficile de l'identifier, et je ne veux le mettre dans aucune sorte de boîtes, je perçois son style comme étant en grande partie influencé par McCoy Tyner (les lignes longues et claires) et Tommy Flanagan (le phrasé et l'utilisation de l'espace). Il a réussi à obtenir le statut rare de maître du jazz par la vertu de sa longévité, sa profondeur et sa musicalité. Nous partageons tous les deux une passion pour la musique de Monk, Strayhorn et de l'American Popular Songbook et nous sommes tous les deux de grands partisans de l'idée de rendre ce que nous avons absorbé en enseignant aux jeunes pianistes et en devenant leurs mentors.
En plus, il a une personnalité chaleureuse et engageante - il est d'un grand soutien, a un grand sens de l'humour et une attitude posée. Je suis très heureux que ce livre puisse apporter un éclairage sur le parcours du pianiste Kenny Barron - je suis sûr que cela sera d'une grande valeur musicale et historique pour tous ceux qui suivent l'évolution du piano jazz. / Jazz / Partition /

La France, fille aînée du jazz?? C'est ce qui se pense, se dit parfois, souvent. L'histoire du jazz en France est en tout cas longue et très riche, de musiques, de musiciens, d'événements, de textes, de pensées, de passions, de conflits. Le projet de cette histoire du jazz en France se conforme à un déroulement chronologique, depuis les débuts jusqu'à 1990. Les volumes suivants couvriront respectivement les périodes 1930-1944, 1945-1959 et 1960-1990. Où faire remonter les débuts?? A l'arrivée en France des Harlem Hellfighters de James Reese Europe dans les derniers jours de 1917?? A la première apparition écrite du mot 'jazz' à l'aube de 1918?? La réponse est donnée par le parti pris par l'auteur?: celui de ne pas raconter seulement l'histoire des musiques et des musiciens, mais de placer celle-ci dans le contexte général de la société française, de ses tendances conservatrices ou progressistes, de ses blocages et de ses évolutions. C'est ainsi qu'on en est amené à remonter aussi loin que le milieu du XIXe, quand des musiciens (faussement ou réellement) noirs apparaissent sur des scènes parisiennes. On parvient de la sorte à retracer une lente maturation, jusqu'à une première articulation placée en 1929, quand s'observe la convergence de mutations sociétales et musicales. Quand, donc, a vraiment commencé le jazz en France ? Et d'abord, que signifie le mot en 1918, quand il est imprimé pour la première fois dans Le Gaulois et Le Figaro?? Est-il arrivé déjà formé des Etats-Unis?? Qui en furent les acteurs, français, étatsuniens, originaires d'autres pays, musiciens, médiateurs de toutes sortes?? Quels mouvements traversaient les sociétés françaises qu'il a rencontrées?? Quels cadres de pensée ont pu permettre qu'il s'implante, durablement comme on le sait?? Telles sont les questions auxquelles se confronte le volume d'ouverture de cette première histoire générale du jazz en France. / Livre

Hugues Panassié premier et plus grand critique de jazz francophone '

Gardien paranoïaque d?un temple du jazz « authentique » imaginaire '

En tout état de cause, acteur central et fondateur de l?historiographie du jazz en France et dans le monde.

Le présent ouvrage tente de retrouver des équilibres et des vérités qu?il est encore aujourd?hui malaisé d?établir, tant le personnage a soulevé les passions et suscité la polémique.

Cette entreprise s?appuie sur une analyse rapprochée de trois textes extraits d?une bibliographie immense :
1. Le tout premier article sur le jazz, paru en 1930 ;
2. Le Jazz Hot, premier opus majeur, paru en 1934, traduit et publié dès 1936 aux États-Unis ;
3. Les actualisations parues en 1946 et 1952 sous le titre La Véritable musique de jazz.

On tente ainsi de reconstituer ce qu?a vraiment été la doctrine panassiéenne, souvent réduite à quelques idées (dont certaines fausses), de même que l?évolution de ce corps théorique.

Sont également examinées les positions et attitudes de l?auteur au-delà de la musique, notamment pendant la Seconde Guerre mondiale. En effet, un lien entre l?idéologie de l?auteur et ses positions musicales a couramment été établi de façon univoque (et parfois condamnatoire) alors qu?il se révèle à l?examen plus complexe.

Enfin, sont scrutées la réception et les multiples réverbérations suscitées par une ?uvre encore discutée de nos jours, souvent passionnément, à l?image d?un personnage hors normes. Laurent Cugny est musicien, pianiste et arrangeur. Il a créé le big band Lumière, joué et enregistré avec Gil Evans et dirigé l?Orchestre National de Jazz. Aujourd?hui professeur à Sorbonne Université, auteur de nombreux articles et ouvrages, il est actuellement engagé dans l?écriture d?une histoire générale du jazz en France, dont le premier tome a paru en 2014. / Livre / Agrafé /

Analyser le jazz, c?est d?abord savoir ce qu?on analyse. Qu?est qu?une ?uvre de jazz ' L?expression a-t-elle un sens ' Comment faut-il la comprendre, la définir ' C?est ensuite en pénétrer la matière, examiner à la loupe ses composants, l?harmonie, le rythme, la forme, la mélodie, le son. Mais c?est aussi faire l?histoire des façons dont l?a abordée, des théories qui ont vu le jour dans le même temps où la musique se développait. C?est encore s?interroger sur les rapports au milieu, aux mondes dans lesquels le jazz s?est épanoui.

À travers ces examens méticuleux, c?est finalement une réflexion d?ensemble qui se dessine, sur un objet plus vivace que jamais, aux formes toujours renouvelés, aux contours plus changeants qu?ils ne le furent jamais.

Tel est l?ambitieux pari de cet ouvrage, où l?analyse musicologique la plus rigoureuse succède à des considérations historiques et générales, accessibles aussi bien aux amateurs du jazz, qu?à ses praticiens et à ses analystes.

Laurent Cugny propose ainsi plusieurs outils pratiques pour les pédagogues du jazz : une grammaire des progressions harmoniques tonales, un système de repérage des polyrythmies, une classification des types d?analyse du solo improvisé et un protocole d?analyse de l??uvre de jazz, outil synthétique et d?une utilisation très simple, fondé sur un socle théorique lui-même très explicite. / Livre / Agrafé /

In Tempo, sur l'album du big band Lumière Yesternow était la deuxième partie d'un arrangement que j'avais écrit sur un thème signé Miles Davis, Tout de suite. J'ai eu par la suite le désir de faire cette partie une pièce autonome. C'est ainsi qu'elle est devenue In Tempo. Elle est presque entièrement écrite. Le conducteur est ainsi pratiquement une partie de piano dont il est difficile de s'éloigner, de même qu'il l'est de juxtaposer plusieurs instruments harmoniques. J'ai employé ici une technique de composition que j'utilise rarement, en tout cas de façon aussi systématique. La trame harmonique consiste en une suite d'accords de trois ou quatre sons à basse étrangère, qui s'enchaînent le plus souvent de façon arbitraire. On ne trouvera donc aucune logique tonale ou modale. Le solo (par Philippe Sellam au saxophone alto sur Yesternow et Flavio Boltro sur In Tempo) est rendu assez ardu par ce système. C'est pourquoi la partie de soliste reproduit purement et simplement le conducteur. Il ne faut surtout pas essayer de coller à chaque accord, mais tâcher de jouer le plus librement possible sur ces fonds un peu complexes. (Laurent Cugny) / Big Band / Partition

ADLER Samuel Etude de l'orchestration Discipline / Instrument : tous instruments Genre : Méthode - études Média : Livre Nombre de pages : 1136 (17,8 x 25,4 cm) Editeur : Lemoine Date de parution : 15/06/2011 ISBN / ISMN : 9790230982122 plus de 150 ans après Hector BERLIOZ, plus de 50 ans après Charles KOECHLIN ou Nikolaï RIMSKI-KORSAKOV, et quelques années après... un long travail, Les éditions Henry Lemoine ont le plaisir de vous présenter, enfin en langue française, de Samuel ADLER : Etude de l'orchestration TRAITE PRATIQUE Titre original : The Study of Orchestration, traité d'orchestration de réputation internationale Véritable défi éditorial, l'ouvrage est proposé ici sous la forme d'une édition française, augmentée de 280 pages ( 33%) par rapport à la version traduite. En effet, le texte original, déjà riche, est complété : - par Gilbert Amy, d'un chapitre nous offrant son regard sur l'orchestre en musique contemporaine aujourd'hui, - par Bruno Gillet, de trois chapitres concernant la voix humaine, - de 60 pages de commentaires et annotations, à vocation pédagogique, du traducteur de l'ouvrage Philippe Vernier - enfin, d'un index complet et performant (accru de 150%) sans lequel une telle ampleur de contenu se révélerait assez rapidement vaine. Samuel Adler Compositeur et chef d'orchestre américain d'origine allemande parti très jeune aux états-unis, Samuel Adler a composé plus de quatre cents oeuvres publiées, dont cinq opéras, six symphonies, douze concerti, huit quatuors à cordes, quatre oratorios et bien d'autres pièces orchestrales, chorales, vocales ou pour band. Elève notamment de Paul Hindemith, Aaron Copland et Sergei Koussevitski, il enseigna à son tour à l'University of North Texas (1957-1966) puis à l'Eastman School of Music de l'university of Rochester (1966-1995), et depuis 1997 reste membre intervenant à la Juilliard School of Music au sein du département composition. Auteur d'autres ouvrages que celui-ci (Choral Conducting et Sight Singing), Samuel Adler a reçu plusieurs prix et distinctions pour sa contribution exceptionnelle au monde musical comme compositeur, chef d'orchestre et auteur - en 2001, il entre à l'American Academy of Arts and letters. En tant que chef, il s'est produit avec de nombreux orchestres prestigieux, aux états-unis ou ailleurs - plus d'une cinquantaine de ses oeuvres furent enregistrées et sont distribuées par des labels américains ou européens de premier plan. Gilbert Amy Elève de Milhaud et Messiaen au Conservatoire de Paris, Gilbert Amy est un compositeur dont le talent a été salué par de multiples prix et dont les oeuvres sont jouées dans les plus hauts lieux mondiaux de la création musicale. Succédant à Pierre Boulez à la direction des concerts du Domaine musical, Gilbert Amy a ensuite poursuivi une carrière de chef d'orchestre. Fondateur du Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France, il en sera le premier chef et directeur artistique jusque dans les années 1980. Pédagogue reconnu, il a enseigné la composition et l'analyse musicale à l'Université de Yale puis occupé le poste de directeur du C.N.S.M. de Lyon de 1984 à 2000. Bruno Gillet Compositeur, Bruno Gillet a beaucoup écrit pour la voix, en formations de chambre, en duos avec divers instruments, en ensemble vocal, et avec orchestre. Au théâtre, il a collaboré, entre autres auteurs, avec Italo Calvino et Georges Perec. Au C.N.S.M. de Paris, il a inauguré la classe d'analyse et culture musicale spécialement destinée aux chanteurs, et assuré au C.N.A.D. la formation musicale des acteurs. Philippe Vernier Philippe Vernier se passionne très tôt pour les musiques orales dont il approfondit la connaissance d'abord en autodidacte (chanson, folk music...) puis sous l'impulsion du guitariste Alain Berkès (manouche, blues, jazz...). Après une expérience pop-rock, il étudie la théorie classique, suit l'enseignement des compositeurs Alain Roizenblat, Michel Decoust et Philippe Leroux - il reçoit alors plusieurs Premiers Prix (Orchestration, Composition...) et un D.E.M. en électro-acoustique. Compositeur de pièces pour bande , ensemble, chansons, musiques de film ou de scène, il a remporté le Prix de la Création Musicale au festival Paris-Tout-Court (2002).