Arrgt: Michel Hanon. Par PIERPONT JAMES. Formation : Musique de Chambre, Trio - Instrumentation :Trio à Vent : 1 Hautbois 1 Clarinette Sib 1 Basson - Niveau de Difficulté : 2/6 - Facile - Durée : 0 mn 55 s - Style Musical : Classique - Catégorie : Arrangement - Compositeur : James PIERPONT - Arrangeur : Michel HANON / Niveau : Facile / Classique / Répertoire / Hautbois 1 Clarinette en Sib 1 Basson

The worldwide Christmas favourite that requires no introduction originally written in 1973 by James Pierpont.

Au milieu du XIXe siècle le compositeur américain James Pierpont compose l?un des plus célèbres noëls de tous les temps : Jingle Bells (Vive le Vent). Sur le long chemin blanc de neige un traîneau glisse joyeusement au son des grelots à travers les paysages infinis de glace scintillante?

Le parti pris de ce livre ébouriffant est d'envisager l'histoire contemporaine de la jazzosphère du point de vue de ce que l'on y trouve de plus « vif » au fil des dernières décennies. Ouvrage polyphonique, il présente et commente, sans fantasme d'exhaustivité encyclopédique, des phases, mouvements et personnalités représentatifs, initiateurs et/ou catalyseurs de transitions entre l'histoire monumentale et l'infini des actualités. Soit un récit plutôt pluriel qui commence là où d'autres s'arrêtent ou s'enlisent? D'où un ensemble en forme de travelling panoramique sur les années 1970-2015, finalement les moins discutées, au grand dommage de toute mémoire d'attaque qui se doit d'intégrer les étapes contemporaines à ses perspectives.

Free Jazz Black Power de Carles et Comolli en 1971 puis Le Champ jazzistique de Pierrepont en 2002 avaient respectivement marqué une volonté de donner toute leur profondeur, esthétique, sociale et politique, aux musiques de ce champ. Cette fois-ci, afin de rendre compte de la phénoménale, et formidablement enchevêtrée, diversité des directions prises par ces musiques, un équipage de tous les horizons et de lames parmi les plus affûtées dans chacun des domaines abordés, a été réuni. Domaine enchanté du jazz et du possible (dé)couvert en quatre archipels. Comme tout inventaire, celui-ci est incomplet. Il démontre que les musiques du champ jazzistique et d'ailleurs tiennent à la multiplicité de leurs directions, orientations et désorientations. Ce faisant, Polyfree rappelle que le « jazz » est non seulement objet de désir mais mode de penser, permettant d'interroger le monde dans lequel nous vivons et d'en sonder d'autres. Il ne rabat pas la musique sur elle-même, mais voit et entend la société s'y déployer.

29 contributeurs Bernard Aimé, Franpi Barriaux, Nader Beizaei, Christian Béthune, Frédéric Bisson, Philippe Carles, Marc Chemillier, Yves Citton, Jean-Louis Comolli, Guy Darol, Xavier Daverat, Ludovic Florin, Bertrand Gastaut, Michel Henritzi, Francis Hofstein, Édouard Hubert, Denis-Constant Martin, Bertrand Ogilvie, Alexandre Pierrepont, Xavier Prévost, Jean-Paul Ricard, Jean Rochard, Lorraine Roubertie Soliman, Gérard Rouy, Matthieu Saladin, Pierre Sauvanet, Yannick Séité, François-René Simon, Daniel Soutif. / Livre / Agrafé /

Unique en son genre, la méthode Écouter, lire & jouer se distingue, entre autres, par des publications supplémentaires contenant des morceaux parfaitement adaptés aux trois volumes de base. Les Chants de Noël, un recueil de chansons festives comprenant au moins un chant correspondant chaque leçon, s'ajoute aux livres existants pour instrument solo (Les Chansons célèbres, Les Solos et Les Styles musicaux) ainsi qu'aux éditions pour petits ensembles (Les Duos et Les Trios). Outre de nombreux chants bien connus choisis et arrangés un niveau approprié, ce recueil contient bon nombre de chansons plus faciles spécialement composées pour convenir aux premières leçons de Écouter, lire & jouer. Des accompagnements festifs disponibles sur le CD joint au livre, mais aussi en ligne en format MP3, permettront même aux débutants au saxophone alto de présenter un beau concert de fête après quelques leçons seulement. Vivement Noël !1. Flocons de neige [Markus Schenk]2. Sapin de Noël [Markus Schenk]3. La plus belle des fêtes [Markus Schenk]4. Vive le vent [James Pierpont]5. Au marché de Noël [Markus Schenk]6. Gâteaux de Noël [Markus Schenk]7. Le calendrier de l'Avent [Markus Schenk]8. Venez les enfants [Johann Abraham Peter Schulz]9. Mon beau sapin [Markus Schenk]10. Noël nouvelet [Markus Schenk]11. We Wish You a Merry Christmas [Markus Schenk]12. Peuple fidèle [Markus Schenk]13. In dulci jubilo [Markus Schenk]14. Un flambeau, Jeannette, Isabelle [Markus Schenk]15. Away in a Manger [William J. Kirkpatrick]16. Deck the Halls [Markus Schenk]17. Dans une étable obscure [Markus Schenk]18. Entre le boeuf et l'âne gris [Markus Schenk]19. Trois anges sont venus ce soir [Augusta Holmès]20. Les anges dans nos campagnes [Markus Schenk]21. Quelle est cette odeur agréable [Markus Schenk]23. Hark! The Herald Angels Sing [Felix Mendelssohn Bartholdy]24. Douce nuit, sainte nuit [Franz Xaver Gruber] / Clarinette / Dehaske

Mozart's 'Rondo alla Turca' is the basis for this innovative twist on 'Jingle Bells!' Your audience will love catching the rapid text as the familiar and sequential melody is volleyed through the choir. Pierpont's rarely-heard third verse is a hoot. 'Oh, what fun it is!' / Choeur SSA

Mozart's 'Rondo alla Turca' is the basis for this innovative twist on 'Jingle Bells!' Your audience will love catching the rapid text as the familiar and sequential melody is volleyed through the choir. Pierpont's rarely-heard third verse is a hoot. 'Oh, what fun it is!' / Choeur SAB

Mozart's 'Rondo alla Turca' is the basis for this innovative twist on 'Jingle Bells!' Your audience will love catching the rapid text as the familiar and sequential melody is volleyed through the choir. Pierpont's rarely-heard third verse is a hoot. 'Oh, what fun it is!' / Choeur Mixte (SATB)

Doug Andrews has composed a beautiful new melody using the beloved Folliot Pierpoint text. His unique writing style that includes a touch of jazz along with a floating violin obbligato and a pensive closing amen makes this astrong addition to any choral library. Violin part included. BonusTrax CD available. Performance Time: Approx. 2:40.

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

Compilation de 25 thèmes de films spécialement arrangés pour piano, voix, guitare (symboles d'accords). Cet ouvrage est le 2ème volume. Titres : Mamma Mia (Mamma Mia); My Heart Will Go On (Titanic); Now We Are Free (Gladiator); Profondo Rosso (Profondo Rosso); The Mission (The Mission); Unchained Melody (Ghost); Anonimo Veneziano (Anonimo Veneziano); Chariots Of Fire (Chariots Of Fire); Dos Gardenias (Buena Vista Social Club); Ebb Tide (Ebb Tide); Eye Of The Tiger (Rocky III); Footloose (Footloose); Halleluya (Shrek); I Will Always Love You (The Bodyguard); Il Postino (Il Postino); La Dolce Vita (La Dolce Vita); Love Is A Many Splendored Thing (Love Is A Many Splendored Thing); Maple Leaf Rag (The Sting); Moon River (Breakfast At Tiffany’s); Otto E Mezzo (8 E ½); Over The Rainbow (The Wizard Of Oz); Singin’ In The Rain (Singin’ In The Rain); The never Ending Story (The Never Ending Story); The Untouchables (The Untouchables); Up Where We Belong (An Officer And A Gentleman)