Toiles de sons

Le jeu à plusieurs oblige à écouter, à réagir et à répondre à d'autres sons. Avec Les Trios 1

Le jeu à plusieurs oblige à écouter, à réagir et à répondre à d'autres sons. Avec Les Trios 1

Le jeu à plusieurs oblige à écouter, à réagir et à répondre à d'autres sons. Avec Les Trios 1 & 2 , vous aurez à votre disposition de nombreuses compositions simples et originales classées dans l'ordre croissant de difficulté. Les Trios sont idéaux pour faire du jeu à trois un véritable plaisir musical. / 3 Cors En Fa / niveau : Facile/Elémentaire / Partition

Le jeu à plusieurs oblige à écouter, à réagir et à répondre à d'autres sons. Avec Les Trios 1 & 2 , vous aurez à votre disposition de nombreuses compositions simples et originales classées dans l'ordre croissant de difficulté. Les Trios sont idéaux pour faire du jeu à trois un véritable plaisir musical. / 3 Flûtes Traversières / niveau : Facile/Elémentaire / Partition

A Graded Anthology for Piano. This three-volume series of piano music by women composers is a progressive compendium of educational literature with a broad repertoire from the 17th century to the present day. For each piece, the editor has written short instructions with rehearsal tips as well as biographical notes on the women composers. Suitable for intermediate and advanced pianists, volume 3 is an indispensable addition to lessons and concerts.

Par LESVENAN HERVE. Ar mor... la mer... Armorica... l'Armorique... Toutes les musiques de cet ouvrage sont nées dans ce lieu magnifique du Finistère nord : Meneham. Créées pour les spectacles « Sons et lumières » d'Ar Vro Bagan, ces mélodies ont résonné au fil des nombreuses soirées d'été, devant des milliers de spectateurs bercés par les étoiles, les lumières, les récits, et le chant de la mer. Depuis l'aube de ce XXIe siècle, le musicien, qu'il soit mélomane, amateur ou professionnel, autodidacte ou étudiant en conservatoire, renoue de plus en plus avec son histoire par le chant, le jeu et l'improvisation. Développer des réflexes de lecture sans omettre le potentiel créatif de chacun, telle est la démarche artistique que propose ce recueil de mélodies./ Recueil / Chant et Piano

Dedicated to Gemeinde Pregarten-Les sons enchanteurs d?une fanfare provenant des hauteurs résonnent dans la vallée. Un promeneur fait une halte pour contempler la beauté de la montagne. Mais ce splendide paysage appelle aussi à la prudence ; beaucoup de randonneurs se sont perdus sur ces chemins de montagne.Misterioso : par une nuit claire les étoiles semblent à portée de main. Seuls le vent et les murmures de la nature rompent le silence.Andante : un nouveau jour se lève. Le promeneur trouve la force et le courage de regagner la vallée.

Par LESVENAN HERVE. Ar mor... la mer... Armorica... l'Armorique... Toutes les musiques de ce recueil sont nées dans ce lieu magnifique du Finistère nord : Meneham. Créées pour les spectacles « Sons et lumières » d'Ar Vro Bagan, ces mélodies ont résonné au fil des nombreuses soirées d'été, devant des milliers de spectateurs, bercés par les étoiles, les lumières, les récits, et le chant de la mer. 16 pièces pour piano solo. Composées par Hervé Lesvenan / Date parution : 2013-07-01/ Recueil / Piano Solo

?crite pour le Stadtharmonie Zurich Oerlikon-Seebach pour la conf?rence mondiale WASBE 2005 ? Singapour? Il Cantico ? s?inspire du ? Cantico di Frate Sole ? (Cantique de Fr?re Soleil) ?crit par St Fran?ois d?Assise. Dans ce c?l?bre po?me mystique St Fran?ois exprime ? Dieu sa gratitude pour la cr?ation de la nature du soleil de la terre et des ?tres vivants. L??uvre ? Il Cantico ? se base sur des parties sp?cifiques du po?me de St Fran?ois. Une longue chanson onirique ? la fl?te m?ne peu ? peu ? l?apparition du soleil dont l??nergie lumineuse s?exprime par une musique puissante et rayonnante dans les cuivres. La partie suivante plus lente est d?di?e ? la lune (soraluna) une sorte de miroir du soleil et aux ?toiles (le stelle). La musique devient plus m?ditative menant ? des sons calmes dans les bois et ensuite ? un solo de cor mystique. Toujours pendant la partie lente plusieurs fragments de cordes se font bri?vement entendre annon?ant la derni?re partie rapide de l??uvre. Cette partie parle du feu (frate focu) illuminant la nuit une sorte de satrape du soleil sur terre. Vers la fin de l??uvre la ? musique du soleil ? se combine ? la ? musique du feu ?.Outre ces images une structure purement musicale guide le d?veloppement de ? Il Cantico ?. Presque toute la pi?ce ?volue ? partir d?une cellule de base de quatre tons qui appara?t dans les cors et les fl?tes au d?but. En ce sens l??uvre est principalement monoth?matique et est structur?e sous forme de m?tamorphose. La cellule de base m?ne progressivement ? une m?lodie riche et ? un d?veloppement harmonique. De nouveaux instruments ? cordes appartenant ? la ? musique du feu ? viennent ensuite compl?ter ce mat?riel de base. La fin combine les deux approches.

Création
16/05/2019 - Echirolles, La Rampe - Orchestre National de Lyon, Leonard Slatkin (direction)
Commanditaire
Orchestre National de Lyon
Lorsque l'on m'a demandé d'écrire une ouverture pour la série Roulement de timbales , j'ai immédiatement eu à l'esprit quelque chose de vaste et puissant. J'ai alors pensé à la récente découverte de Laniakea, ce superamas de galaxies comptant parmi les plus grandes structures de l'Univers. Découvert en 2014 par Hélène Courtois (1), Laniakea signifie paradis céleste incommensurable en hawaïen. A l'intérieur de ce superamas, les galaxies sont en mouvement et convergent vers un même point appelé le Grand Attracteur. Il faut imaginer des courants de galaxies dont toute la matière se déverse au même endroit - comme au coeur d'une vallée - à une vitesse folle de 630 km/s.
Immensité, mouvement, vitesse, lumière... ont été les mots qui m'ont guidée en composant. Ce scénario d'un horizon céleste si grand est une source d'inspiration foisonnante de couleurs pour mon imaginaire d'orchestratrice ! J'ai donc eu l'envie de trouver des résonances musicales à ce monde fascinant de l'infiniment grand.
Comme la Symphonie n°103 de Haydn, Laniakea s'ouvre sur un roulement de timbales. Il reviendra durant la pièce sous différents formes : parfois à nu , parfois en fond sonore ou encore en relais avec la grosse caisse.
Laniakea se présente comme une fresque cosmique articulée en trois épisodes précédés d'une introduction et achevés par une coda.
Puissante et majestueuse, l'introduction présente un thème aux cuivres et aux cloches sur un roulement de timbales. Les cordes constituent un mur du son résonnant et vibrant. La matière se transforme progressivement. Les bois se fondent dans les cordes et deviennent liquides. Le thème de cuivres se déployant sur cette texture miroitante devient de plus en plus doux, finit par se dissoudre et laisse place à la lumière.
La première grande partie commence par un motif de hautbois, glockenspiel et harmoniques de cordes aiguës : autant de particules lumineuses tentant de percer dans ce ciel immense. Le vibraphone et les bois créent une nappe réverbérante et contribuent à donner à ce passage une couleur céleste et scintillante.
La texture devient plus rythmique avec la naissance d'un motif tournoyant et répétitif aux altos. Dans cet épisode hypnotique, le thème de l'introduction est rappelé aux cloches et aux cors. Il s'intensifie. La matière se répand. Glockenspiel et harmoniques - touches lumineuses - sont nimbés de vent stellaire avec le roulement de cymbale suspendue. Un thème plus lyrique et envoûtant apparaît aux violoncelles. Il sera présenté avec différentes couleurs en passant aux violons puis aux altos. L'apparition du glissando mib-ré aux trombones est un signal : nous passons progressivement dans la seconde partie. Le motif rythmique s'éteint et la matière devient de plus en plus nébuleuse.
Dans cette partie plus sombre, ce demi-ton est omniprésent : glissé aux cors, en harmoniques chez les cordes, plaintif chez les bois. Ici, j'ai voulu exprimer le mystère de ce Grand Attracteur, de ce glissement vertigineux de matière happée par le vide. Les amas en apesanteur deviennent de plus en plus épais et s'enrichissent. La matière finit par gronder et donne naissance à un passage flottant, brumeux et plus lyrique. Une quinte grave et mystérieuse aux trombones annonce la fin de cette partie. Les trompettes nous rappellent le thème de cuivres de l'introduction. A leurs impulsions correspondent des échos dans les bois - comme la queue d'une étoile filante qui brille encore après son passage.
Le dernier épisode est une danse cosmique lumineuse et festive, teintée de couleurs célestes. J'ai imaginé un ballet hypnotique de nuées d'étoiles nimbées de poussière stellaire. Pour créer ce halo lumineux, j'ai animé les fonds par des croches répétées en guise de tenues et de légers soufflets pour leur donner de la vie. En composant, j'ai également eu à l'esprit certaines textures des jeux d'orgue. Cette danse est basée sur un motif rythmique en boucle qui voyage entre les groupes : un ballet étourdissant et hypnotique d'étoiles se déplaçant à des vitesses hallucinantes. Il aboutit à un premier climax lyrique et flamboyant. Un dernier pas de deux d'étoiles se poursuit et exulte en s'embrasant dans un grand crescendo de lumière.
Un roulement de timbales soudain nous ramène à l'immensité et la puissance initiales. Cette grande coda nous rappelle que Laniakea est un horizon céleste immense que nous ne pouvons appréhender. Au loin, la lumière s'éteint progressivement. La matière se désagrège et finit par se perdre dans l'espace.
Camille Pepin
/ Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / JOBERT

Par HESS NIGEL. To the Stars!' est le fruit d'une collaboration unique entre Nigel Hess et les enfants de plusieurs écoles de Bedfordshire qui ont été invités à contribuer des idées pour un livret basé sur les thèmes de l'exploration et le voyage dans l'espace. Le travail a été exécuté puis lors d'un concert au Royal Albert Hall présentant les oeuvres de Services de musique County Bedfordshire. La combinaison inhabituelle et des enfants Choeur symphonique fanfare est merveilleusement excitante et pour les étoiles ! fournit un incomparable effectuant une expérience de bande et de la chorale, est aussi techniquement exigeants et difficiles. Après une introduction enlevante, nous entendons un compte à rebours de 'blast off' la fusée de notre, et soudain nous nous dirigeons vers hors de planètes où nous rencontrons des étrangers et des yeux bleus et des oreilles roses ! Après une brève mais terrifiante escarmouche avec un trou noir, nous partez à un ' monde de nombreuses merveilles ', et que nous laissons notre système solaire, derrière, la pièce se termine avec un cri spectaculaire de ' La mouche avec nous - aux étoiles! './ Répertoire / Orchestre D'Harmonie

Par DUFOURT HUGUES. Dawn Flight est le titre d'une toile que le graveur et peintre britannique Stanley William Hayter (1901-1988) réalisa en 1959. Sa formation scientifique - chimie, géologie - son habileté mathématique furent un atout considérable dans ses recherches de matières et de couleurs, qui peuvent atteindre des tons fluorescents. Hayter, qui fut l'une des premières figures du mouvement surréaliste, s'engagea à New York sur les voies de l'abstraction, aux côtés de Pollock, Rothko, Baziotes, Matta, Motherwell, De Kooning, Riopelle. Il est reconnu comme celui qui a révolutionné les techniques de la gravure au cours du XXe siècle. Il inventa le procédé qui permet d'obtenir plusieurs couleurs sur une même plaque en un seul passage. Rentré en 1950 à Paris, il expérimente de nouvelles techniques de gravure: empreintes, utilisation de l'acide sur le métal et surtout le burin multipointe. Il poursuit une recherche sur l'émergence des formes, sur la transparence, l'interférence, la vibration, les moires. Ses toiles intensifient la couleur, le dynamisme gestuel, et s'attachent sur la fin à capter les jeux de lumière à la surface de l'eau. Dawn Flight est construit sur un éventail d'obliques divergentes, remontant la diagonale, illustrant ainsi le paradoxe d'un flux ascendant, aspiré par le haut. La forme étirée et allongée des stries, la torsion intime de la trame, la tension paradoxale des entrelacs donnent le sentiment d'une réalité élémentaire, de l'aurore d'un monde. La production de Hayter à cette époque - Perseïdes, Poissons volants, Vague, Ixion, Cascade, Mérou, Méduse, Night - montre d'étranges associations de bleu et de noir, d'orange, de jaune transparent, de bleu et de vert. Frank Stella et Donald Judd comptent parmi les artistes qui ont le plus radicalement récusé l'idée d'un procès formateur de l'art, évacuant l'idée même de nécessité intérieure, voire de composition formelle. Transparence, profondeur, épaisseur, rayonnement ne seraient que des catégories factices tirées d'une illusion d'intériorité et l'idée même de progression structurée ne serait que l'effet d'une tyrannie du dedans. Qu'en est-il du quatuor qui fut la construction par excellence de l'intériorité, l'exemple même d'une logique compositionnelle épurée et réduite à la forme essentielle d'un développement ? Ecrire un quatuor après Donald Judd est-il encore possible ? Car il ne suffit pas de se confronter à l'histoire d'un genre, mais à la question de sa possibilité. L'idée même d'un dynamisme des voix a-t-elle encore un sens ? Et celle d'un tout dont les parties sont solidaires ? On n'osera même plus parler de texture, car il s'agit encore d'une forme interne, de l'expression d'une cohérence intérieure. Ecrire un quatuor pourrait signifier le retour à une réflexion sur les formes fondamentales du mouvement - comme l'attraction, la répulsion, l'inclusion ou la pénétration. Ou encore sur ce que signifient des gestes comme briser, couper, déchirer ou fendre. Ce serait aussi revenir sur ce qu'est une interférence de fluctuations, sur la plasticité, ou au contraire la tension désordonnée. A moins de supprimer le quatuor, il faut bien convenir qu'il est à l'image du tissu, d'une continuité ininterrompue, d'un entrelacs de fils et qu'il s'agit de l'oeuvre humaine par excellence: écrire un quatuor c'est renouer le fil. Froisser, tordre, déplier, déployer, dérouler, tels sont les exigences primordiales du quatuor, que l'on dit parfois soyeux ou moiré. Judd et ses contemporains ont rendu caduque l'idée qu'une oeuvre puisse formuler et suivre des règles explicites, assurer la conservation d'une forme dans une certaine série de transformations. Dans cette vue, la pensée musicale serait alors rendue à un état d'instabilité, de glissement perpétuel. Mais elle pourrait alors trouver peut-être de nouveaux schémas de connexion, et attribuer un sens original à l'idée de processus orienté, en lui donnant la forme d'un devenir global et unique, sans répétitions. La musique récente sait susciter l'émergence de propriétés inédites et s'absorber dans la réalité supérieure qu'elle suscite: elle n'est pas tant l'imagination des possibles que l'articulation des moments de l'expérience. Revenir à Hayter, ce serait se concentrer sur une topologie concrète d'intervalles et de liaisons, penser la musique comme flux, modulation, émergence perpétuelle, lumière illocalisable, masse en essor ou tournoiement sans prise. Ce sont là quelques bonnes raisons d'écrire un quatuor. Hugues Dufourt / contemporain / Répertoire / Quatuor à Cordes