Progression - Clavecin

Par SIEGEL RICHARD. Richard Siegel won prizes for the Harpsichord and Chamber Music at the Paris Conservatoire before going on the win first prize in the 1977 International Harpsichord Competition. He has since recorded over 30 CDs and his passion for the instrument has been further apparent in his production of Apprendre à Toucher le Clavecin. As stated in the preface, the study of the Harpsichord has long been reserved, frequently dismissed as an 'old-fashioned' instrument. However, a recent rise in the popularity of early music has rekindled interest in the Harpsichord. In Apprendre à Toucher le Clavecin, volume 1 beingthe first of two helpful volumes to aid student's learning and progression, Siegel enables Harpsichord beginners to learn through repertoire pieces themselves, drawn from the Keyboard masters of the Baroque period. The pupil will be guided towards an understanding of technique and style suited to the Harpsichord. Furthermore, Apprendre à Toucher le Clavecin, which is accompanied by a CD, enables adults who learnt the instrument as a child to return to the instrument and have the instant feeling of making music./ Méthode / Clavecin

Date de publication : 01/06/2006 Difficulté : (1 à 2/8) Facile Format : 21 x 29,7 cm Matériel : Partition Instrumentation : Clavecin Caractéristiques : Classique  Ce recueil propose un choix de pièces destinées à la première année d'apprentissage du clavecin, L'ouvrage se divise en 20 leçons progressives rassemblant diverses pièces du 16ème au 20ème siècle, Celles-ci sont précédées chacune de quelques exercices abordant les difficultés techniques correspondantes, L'absence de conseils, commentaires ou remarques n'est pas fortuite, L'enseignant pourra ainsi ajouter à son gré des articulations, des agréments, proposer des doigtés anciens ou modernes afin d'adapter sa pédagogie aux pièces étudiées et au niveau de l'élève,

Cette œuvre pour accordéon seul a été créée à l’Opéra de Lille le 15 octobre 2014 par Vincent Lhermet dans le cadre du 250ème anniversaire de la mort de Jean-Philippe Rameau. Elle s’inspire librement d’une pièce pour clavecin, Le rappel des Oiseaux. Au début, un fragment y est exposé dont la tessiture a été dilatée. Ce fragment réapparaîtra à la fin de l’œuvre, dans une présentation se rapprochant de plus en plus de l’original. La note-pôle de cette œuvre est le Mi, autour duquel s’organise la trame harmonique (évoquant ainsi mi mineur, tonalité principale de la partition de Rameau). Dans la partie centrale, la note-pôle évolue vers le Sol (lointaine réminiscence de Sol Majeur, tonalité relative utilisée par Rameau). Enfin, elle retourne vers la note Mi (suivant ainsi le parcours tonal de l’œuvre originale). La trame harmonique s’élabore autour d’échelles mélodiques, ayant un ambitus de quinte et superposées l’une sur l’autre (en une sorte de « cycle des quintes », cher à Rameau). L’ornementation s’inspire ici également de celle exploitée par Rameau. L’idée principale de cette pièce est celle d’une progression des tempi et des nuances. La pièce part d’un tempo modéré, pour accélérer de plus en plus et atteindre peu à peu un tempo deux fois plus rapide. La dernière section tend à retrouver le caractère modéré du début, en une sorte de dernier rappel. Concernant les nuances, on retrouve cette même évolution : la pièce débute pianissimo et aboutit progressivement à fortissimo, point culminant de l’œuvre. On retrouvera, à la fin, les couleurs et les nuances du début. Cette progression s’accompagne d’une évolution parallèle des registres. Au début de l’œuvre, des registres extrêmes sont utilisés, ceux-ci vont se resserrer peu à peu, puis aboutir à une descente très progressive, présentant ainsi tout le spectre sonore de l’instrument. Enfin, cette pièce est une succession de sections développant chacune un caractère particulier et contrasté : dolce e lontano, legato e cantabile, rubato e flessibile, regolare e continuo, leggero e vivo, intenso e sostenuto, dolce e lontano. Florent Motsch Durée : 6'30

Ã?crite à lâ??origine pour le clavecin la Passacaglia de la suite n° 7 en Sol mineur de Hændel consiste en une série de variations accompagnées dâ??une progression harmonique de quatre mesures qui se répète. Dans cette transcription magistrale deRobert Longfield cette merveille baroque met en valeur les couleurs et les timbres de lâ??orchestre dâ??harmonie contemporain.

Il est bien connu que Brahms s?int?ressa activement ? la musique baroque tout au long de sa vie. Ainsi n?est-il donc pas surprenant qu?il ait choisi un th?me d?une suite pour clavecin de H?ndel pour en ?crire 25 variations. Brahms plonge les diff?rentes variations dans des cou-leurs et des atmosph?res toujours renouvel?es ? la mani?re des variations de caract?re de Beethoven. Conform?ment ? son mod?le l??uvre contient aussi des r?f?rences constantes ? la musique baroque ? ornements p?dales ? et s?ach?ve sur une grande fugue culminant en une progression finale triomphale. L?opus 24 doit certainement ?tre consid?r? comme le cycle de variations le plus important de Brahms.

Si la frontière entre un Concerto Grosso et un Concerto, une Sonate et une Forme-Sonate vous paraît incertaine, si les mots Suite ou Ondes Martenot se perdent dans le flou ou si vous prenez, en toute bonne foi et comme tant d?autres, le cor anglais et le saxophone pour des Cuivres, la solution est précisément entre vos mains: venez donc parcourir sans douleur 1000 ans de musique instrumentale en savourant les 208 extraits commentés qui sont là pour éclairer votre route.

Juste un petit mot de l'auteur :
A travers le Tome 1 et Tome 2 de ce guide d?écoute, je sais que vous avez, cher lecteur, compris à quel point la route avait été longue pour les compositeurs de musique dite « classique », et combien l?arrivée de chaque instrument avait été un facteur d?évolution pour l?écriture musicale en général : on n?écrit pas pour le piano comme pour le clavecin, ni pour la clarinette comme pour le hautbois.

C?est pourquoi, après avoir brossé une fresque générale des différentes époques musicales, tous genres confondus, et exploré en détail le domaine plus étroit de la Musique Vocale Sacrée, la plus ancienne de toutes, il m?a paru logique ?comme il a paru indispensable à plusieurs de mes lecteurs- d?approfondir de la même façon la musique instrumentale pure ; celle qui ne se sert plus du tout de cette voix humaine qui avait tenu pendant des siècles le haut du pavé, et pour cause : la musique vocale, profane ou sacrée, fut pendant plus de 5 siècles la seule à être notée, et donc à nous être parvenue !

Si l?on en croit Nietszche- « sans la Musique, l?Univers serait une erreur », et il est probable que Cro-Magnon a soufflé dans un roseau et frappé sur un tronc d?arbre dès qu?il a su se tenir debout (nous aurons l?occasion d?en reparler). Malheureusement, il ne nous a laissé aucune trace écrite de ses improvisations sauvages ; pas plus d?ailleurs que les Hébreux, les Étrusques, les Égyptiens, les Celtes, les Grecs, les Perses ou les Romains, peuples hautement civilisés pourtant, mais pour qui la musique était un art réservé aux seuls initiés -qu?elle mettait en prise directe avec les force supérieures- et qu?il ne fallait surtout pas vulgariser par une notation quelconque.

Il a même fallu attendre la fin du Moyen Age pour voir enfin apparaître, en Occident, les premières partitions de musique instrumentale pure, morceaux sur lesquels les gens dansaient d?ailleurs gaiement, au lieu de les écouter avec ce recueillement et cette déférence dont nous faisons preuve actuellement envers la musique « ancienne » ! Et le XVIIème siècle pour assister, dans les différentes cours d?Europe, à la naissance des premiers concerts purement instrumentaux que les gens aient écoutés, enfin assis !

Si elle a donc été appréciée relativement tard en Occident, la musique instrumentale a sans conteste connu à partir de l?époque baroque une très grande vogue qui n?a jamais cessé, car elle est intimement liée aux progrès de la technique : j?ai donc tenu, dans ce Tome 3, à clarifier l?organisation interne et l?apparition progressive de ses différentes formes -suite, musique de chambre, symphonie, concerto, ballet, poème symphonique- et surtout à y mettre en lumière le rôle capital joué par l?arrivée, au fil des siècles, de chaque nouvel « outil ».

Ici encore, de nombreuses illustrations sonores - choisies comme toujours après de cruelles hésitations, tant était large l?éventail des possibilités - vous feront mieux appréhender la manière dont les grands maîtres du lointain passé et de notre présent s?y sont pris, à partir de ces simples objets que sont les instruments de musique, pour dialoguer avec l?impalpable et faire vivre le plus abstrait des arts. / Classique / Livre 3 Cds /