Minuetto and Finale, Op. 87

Par STRAVINSKY IGOR. This transcription of Suite italienne is the first full-scale composition by Igor Stravinsky to enter the double bass solo repertoire. Brian Powell, Associate Professor of Double Bass at the Frost School of Music, University of Miami, has adapted the versions of Suite italienne for violin and for cello as best suits the double bass. Moreover, he has widened the selection of movements, thus continuing a practice Stravinsky established with his instrumental collaborators (Dushkin and Piatigorsky) of allowing the performers to select material from the ballet Pulcinella. In this case the movements comprise Introduzione, Serenata, Aria, Vivo, Tarantella, Gavotta con due variazione, Scherzino and Minuetto e Finale. The Vivo movement is derived directly from the orchestral Pulcinella Suite: widely recognised by classical bassists as one of the most significant solos in the orchestral repertoire, the bass part is faithfully reproduced as in the original score. Suite italienne has music that will appeal to bassists of various performance levels – solo, chamber and orchestral bassists alike will appreciate different aspects of this music. The suite also possesses an abundance of flare and technical virtuosity that will excite audiences./ Répertoire / Contrebasse

Par TCHAIKOVSKI PIOTR ILITCH. Arrangement de Yoshiki Miyamoto du ballet du Tschaikowsky ' The Sleeping Beauty ' pour deux pianos est 3 en 1: c'est un livre de musique d'une part, c'est un livre d'images coloré en revanche et ainsi, c'est un livre d'histoire, qui raconte le conte de fées de Princess Aurora, qui est maudite par une fée à s'endormir pendant 100 ans.Cet ouvrage est construit de nombreuses scènes différentes. Chaque scène a des images colorées qui montrent la scène et un thème à être joué à souligner l'humeur de la scène. L'histoire commence avec les pièces simples. Comme le degré de difficulté augmente de pièce à pièce, les enfants sont désireuses d'améliorer leurs compétences pour découvrir comment l'histoire continue. Les deux parties sont égaux concernant le degré de difficulté./ Répertoire / Piano 4 Mains

Partition pour piano Collection : Les Classiques favoris Nombre de pages : 106 Niveau : 1 Contenu : Adam: Sonatine - Bach: Marche - Menuet - Musette - Beethoven: Bagatelle - Danse villageoise - Valse - Clementi: Allegretto - Rondo - Couperin: Les Tricoteuses - Cramer: Impromptu hongrois - Czerny: Alla Polacca - Menuet - Romance - Diabelli: Sonatine - Dussek: Sonatine - Haydn: 23e Sonate - Minuetto - Horsley: Andantino - Finale de la 2e sonatine - Hummel: Minuetto - Rondino - Scherzetto - Kozeluch: Air cosaque - Pastorale - Kuhlau: Sonatine - Moscheles: Sonatine - Mozart: 10e Sonate - Pleyel: Menuet - Purcell: Pièce de clavecin - Schumann: Chant du berceau - Chant du moissonneur - Des pays étranges - Pauvre petite orpheline - Petite chanson - Premier chagrin - Sicilienne - Steibelt: Air écossais - Sonatine - Weber: Thème

BACH : Gavotte en Sol min. - Prélude n°3 - BEETHOVEN : Bagatelle en Mi b - Minuetto (Sonate n°18) - Rondo en Ut - CHOPIN : Mazurka en Sib maj. Op.7 - Mazurka en La min. Op. posthume - COUPERIN : Les Petits moulins à vent - DAQUIN : Le Coucou - FIELD : 5e Nocturne - HAENDEL : Prélude en Sol maj. - HAYDN : Ariette et variations en La maj. - Finale (Sonate n°16) - MENDELSSOHN : Romance en Mib - MOZART : Finale (Sonate n°12 en Fa maj.) - Menuet en Sib maj. - REISSIGER : Dernière pensée musicale de Weber - SCARLATTI : Pastorale - SCHUBERT : Impromptu hongrois - Scherzo en Sib maj.

Partition pour piano Collection : Les Classiques favoris Nombre de pages : 84 Contenu : Beethoven: Bagatelle - Danse villageoise - Sonatine en Fa Majeur - Sonatine en Sol Majeur - Clementi: Air suisse - Rondo en Sol Majeur - Rondo en Ut Majeur - Sonatine en Ut Majeur - Cramer: Ariette - Diabelli: Sonatine en Sol Majeur - Dussek: Minuetto - Haydn: Finale - Hummel: Ecossaise - Kozeluch: Bernoise - Romance - Kuhlau: Rondo vivace - Sonatine en Ut Majeur - Mozart: Ariette - Sonate en Ut Majeur - Valse favorite - Schumann: Le Gai laboureur - Le Petit cavalier - Marche militaire - Mélodie - Steibelt: Ländler - Rondo élégant

BEETHOVEN : Bagatelle - Danse villageoise - Sonatine en Fa maj. - Sonatine en Sol maj. - CLEMENTI : Air suisse - Rondo en Sol maj. - Rondo en Ut maj. - Sonatine en Ut maj. - CRAMER : Ariette - DIABELLI : Sonatine en Sol maj. - DUSSEK : Minuetto - HAYDN : Finale - HUMMEL : Ecossaise - KOZELUCH : Bernoise - Romance - KUHLAU : Rondo vivace - Sonatine en Ut maj. - MOZART : Ariette - Sonate en Ut maj. - Valse favorite - SCHUMANN : Le Gai laboureur - Le Petit cavalier - Marche militaire - Mélodie - STEIBELT : Ländler - Rondo élégant

Description Widely regarded as the culmination of French romanticism on the organ, Widor's symphonies include some of the most frequently performed and recorded works in the modern organ repertoire. Most of these symphonies - so called to emphasise the orchestral wealth of timbres offered by the new French organs - were written specifically to exploit the capacities of the modern Cavaille-Coll organ, especially the rich-toned five-keyboard instrument at St-Sulpice in Paris. Presented here in two inexpensive (this being the first), well-made volumes they offer a splendid resource for organists and all music lovers. Songlist Adagio Allegro Allegro Cantabile Allegro Vivace Andante (Sonata G.1) [Torelli, Giuseppe] Andante Cantabile Andantino Quasi Allegretto Finale Fugue Intermezzo Op.1 No.2 [Borodin, Aljeksandr Porfirjevic] Marche Pontificale Marcia Meditation Minuetto Pastorale [Pace] Prelude Scherzo [Goldschmidt, Berthold] Symphony No. 1 In C Minor, Op. 13, No. 1: Symphony No. 2 In D Major Op. 13, No. 2: Symphony No. 3 In E Minor, Op. 13, No. 3: Symphony No. 4 In F Minor, Op. 13, No. 4: Symphony No. 5 In F Minor, Op. 42, No. 1: Toccata

Treasury of piano music by great Norwegian composer, including the perennial favorites, Peer Gynt Suites Nos. 1 and 2 and the Holberg Suite, as well as a rich selection of other pieces: Vier Stucke, Op. 1, Humoresker, Op. 6, Sonata in E Minor, Op. 7, and many others. Content : Four Pieces [Vier Stücke], Op. 1 (dedicated to E. F. Wenzel) I. Allegro con leggerezza II. Non Allegro e molto espressivo III. Mazurka IV. Allegretto con moto Poetic Tone-Pictures [Poetiske tonebilleder], Op. 3 (dedicated to Benjamin Feddersen) I. Allegro, ma non troppo II. Allegro cantabile III. Con moto IV. Andante con sentimento V. Allegro moderato VI Allegro scherzando Humoresques [Humoresker], Op. 6 (dedicated to Rikard Nordraak) I. Tempo di Valse II. Tempo di Menuetto ed energico III. Allegretto con grazia IV. Allegro alla burla Sonata in E Minor, Op. 7 (dedicated to Niels W. Gade) Allegro moderato Andante molto Alla Menuetto, ma pocco più lento Finale Concerto in A Minor, Op. 16, Arranged for Solo Piano (dedicated to Edmund Neupert) Allegro molto moderato Adagio Allegro moderato e molto marcato Four Album Leaves [Fire albumblade], Op. 28 (dedicated to Minna Petersen) I. Allegro con moto II. Allegretto espressivo III. Vivace IV. Andantino serioso Two Elegiac Melodies [Zwei elegische Melodien], Op. 34 (dedicated to Heinrich von Herzogenberg; arrangement of a work for string orchestra based on the songs Op. 33, nos. 3 and 2) I. Heart's Wounds [Herzwunden] II. Last Spring [Letzter Frühling] From Holberg's Time [Fra Holbergs tid; Holberg Suite], Op. 40 (dedicated to Erika Lie-Nissen) I. Praeludium II. Sarabande III. Gavotte IV. Air V. Rigaudon Piano Pieces after His Own Songs [Klavierstücke nach eigenen Liedern] (I), Op. 41 I. Lullaby [Wiegenlied] II. Little Haakon [Klein Haakon] III. I Love Thee [Ich liebe dich] IV. She Is So White [Wenn einst sie lag an meiner Brust/Sie ist so weiss] V. The Princess [Die Prinzessin] VI. To Springtime [An den Lenz] Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46 (arrangement of orchestral work) I. Morning Mood [Morgenstimmung] II. Åse's Death [Åses Tod] III. Anitra's Dance [Anitras Tanz] IV. In the Hall of the Mountain King [In der Halle des Bergkönigs] Piano Pieces after His Own Songs [Klavierstücke nach eigenen Liedern] (II), Op. 52 I. A Mother's Grief [Mutterschmerz] II. The First Meeting [Erstes Begegnen] III. The Poet's Heart [Des Dichters Herz] IV. Solvejg's Song [Solvejgs Lied] V. Love [Liebe] VI. The Old Mother [Die alte Mutter] Two Melodies [Zwei Melodien], Op. 53 (dedicated to Franz Neruda; arrangement of a work for string orchestra based on the songs Op. 33, no. 12, and Op. 21, no I. Norwegian [Norwegisch] II. The First Meeting [Erstes Begegnen] Peer Gynt Suite No.2, Op 55 (arrangement of orchestral work) I. Ingrid's Lament [Ingrids Klage] II. Arabian Dance [Arabischer Tanz] III. Peer Gynt's Return Home [Peer Gynts Heimkehr] IV. Solvejg's Song [Solvejgs Lied] Moods [Stimmungen], Op. 73 I. Resignation II. Scherzo-Impromptu III. Night Ride [Natligtridt] IV. Folksong [Folketone] V. Study [Studie] (Hommage à Chopin) VI. Students' Serenade [Studenternes serenade] VII. The Mountaineer's Song [Lual?t] Nordraak's Funeral March [Sörgemarsch over Rikard Nordraak], WoOp. Three Piano Pieces [Drei Klavierstückel], WoOp. I. White Clouds [Hvide skyer] II. Gnomes' Tune [Tusselsl?t] III. The Dance Goes On [Dansen går]

Sur le monument aux morts du village néerlandais de Wons est gravée une liste de noms en hommage aux soldats tombés lors de la Seconde Guerre mondiale. Ce monument a inspiré le titre de cette composition. Mais celle-ci a aussi été écrite pour toutes les personnes qui ont donné à Wons son caractère d?aujourd?hui : un joli village proche du lac d?IJssel où il fait bon vivre. La pièce débute par une introduction festive qui présente le village à l?auditeur. S?ensuit un thème allègre et délicieusement rythmique qui reflète l?ambiance joyeuse naïve et optimiste de l?avant-guerre. Puis nous entendons un motif sombre et fragmenté représentant les fusillades ciblant les soldats. Cettepartie se termine par un faisceau de sons dissonants traduisant le caractère tragique de la guerre. Le calme revient avec un passage tranquille en mineur qui évoque à la fois la frustration et l?apaisement. Le tempo du début est repris cette fois sous la forme d?une marche victorieuse. Puis résonnent les accents premiers de gaieté d?innocence et d?insouciance invoquant la célébration de la liberté. Un thème martial et festif en hommage au village nous mène à un pétillant finale.

Par JARRELL MICHAEL. De la nature... du musical Michael Jarrell, né en 1958, est l'un des compositeurs les plus en vue de sa génération. Dans une démarche toute personnelle, qui ne s'est inféodée à aucun mouvement, et dans une quête intérieure inlassablement poursuivie, il a opéré une synthèse de l'héritage des musiques d'après-guerre dont il a extrait certaines caractéristiques techniques pour les mettre au service d'une véritable poétique musicale. En effet, contrairement à ses aînés, il explore moins le langage pour lui-même, faisant des nouvelles techniques le lieu d'une mutation dans la pensée musicale, qu'il ne cherche à le mettre au service de l'expression. Aussi se méfie-t-il d'une conceptualisation excessive, et de l'utopie dont l'oeuvre serait porteuse, préférant mettre en valeur les vertus d'un artisanat qu'il enseigne par ailleurs à Vienne et à Genève, ainsi que lors de nombreux séminaires à travers l'Europe. Ses oeuvres, facilement identifiables dans l'abondante production contemporaine, sont toutes liées les unes aux autres, non seulement par une certaine forme de sensibilité, leur tonalité propre, mais aussi par la récurrence de certains traits que Jarrell retravaille dans des contextes différents. Il s'est ainsi très tôt constitué un univers qu'il ne cesse de remodeler, visant moins l'originalité apparente de chacune des pièces qu'un déplacement constant des perspectives dans lesquelles les mêmes idées, en elles, peuvent être appréhendées. 'Cent fois sur le métier...' voilà quelle pourrait être sa devise. On trouve ainsi dans chacune de ses oeuvres quelque chose de familier qui acquiert en même temps une certaine étrangeté, sentiment qui constitue peut-être un élément essentiel de son expressivité. La musique de Jarrell arpente les régions du rêve et de l'irréalité, à la recherche de son moment de vérité, souvent situé dans les sonorités les plus graves et tes plus lentes, là où le temps, ailleurs agité, s'immobilise. C'est peut-être ce qui confère à sa musique une forme de tendresse inséparable de la beauté sonore, allant jusqu'à un esthétisme raffiné, loin des recherches extrêmes et des formulations autoritaires. Chez lui, même les techniques instrumentales les plus inhabituelles, ou les sonorités électroniques, auxquelles il a souvent recours, sont rapatriées dans un monde sensible emprunt de pureté où ce sont les qualités expressives qui dominent. Celles-ci ne renvoient pas forcément au moi du compositeur, qui tend au contraire à s'effacer, mais davantage à l'essence même du musical, au phénomène en soi, porteur d'une présence singulière au monde. On retrouve de telles qualités dans sa dernière oeuvre, ...Le ciel, tout à l'heure si limpide, soudain se trouble horriblement..., commandée par l'Orchestre de la Suisse Romande. Elle fait appel à un grand orchestre symphonique standard: 3 flûtes (dont alto et piccolo, 2 hautbois et cor anglais, 2 clarinettes et clarinette basse, 2 bassons et contrebasson, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, harpe, timbales, 4 percussions (vibraphone, glockenspiel, cloches tubes, cymbales, bongos, tam-tam, grosse caisse, temple blocks, tom grave, spring coils, triangle, mark tree) et cordes. Malgré un titre qui pourrait sous-entendre un élément programmatique, l'oeuvre appartient à la catégorie de la musique pure. L'orchestre y est traité de façon conventionnelle, mais avec une virtuosité d'écriture, un raffinement dans la sonorité qui exige beaucoup de ses interprètes. D'un seul tenant, l'oeuvre se divise en quatre parties principales d'inégale longueur, les deux premières étant plus importantes que les deux suivantes: la première est constituée d'un continuum de notes rapides réparties entre les cordes et Les bois, tandis que les trompettes, doublées par différents instruments, lancent une figure d'appel incisive qui s'allonge progressivement. L'écriture est d'une grande virtuosité, les figurations en triples croches passant d'un instrument ou d'un groupe à un autre. Les notes rapides se figent une première fois dans des oscillations jouées notamment par les cordes divisées, puis à travers des notes répétées qui traversent toute la texture orchestrale. Après un passage intermédiaire privilégiant les sons graves, l'écriture vive reprend jusqu'à un sommet dramatique marqué par des trilles, aussitôt suivi d'une désintégration qui mène à la seconde partie. Celle-ci débute avec des quintes jouées par les cordes graves divisées et colorées par les percussions (les contrebasses, qui doivent modifier leur accord, jouent des sons harmoniques). La musique semble vouloir repartir d'un point originel, elle se réinvente à partir d'une structure élémentaire, dans une extrême douceur. L'impétuosité du début laisse place à une grande délicatesse des sonorités. C'est un trait que l'on retrouve dans de nombreuses pièces de Jarrell: après l'effervescence d'une écriture brillante, agitée, nerveuse, que l'auditeur suit dans sa course folle, vient un moment réflexif et profond, qui nécessite une réorientation de l'écoule, une plongée dans la nature même du phénomène sonore. La trame qui se déploie dans un tempo lent offre ainsi une autre image de la sonorité orchestrale, comme si une musique des origines, au caractère de litanie, était soudain dévoilée sous la couche éclatante du début. Elle donne le sentiment d'avoir commencé bien avant son moment d'apparition, comme si elle provenait des couches profondes de la conscience, d'une mémoire archaïque. D'ailleurs, Jarrell réélabore ici un passage d'une pièce antérieure, Music for a While, lui reprenant son matériau de base. Le sentiment de profondeur est dû au formidable ralentissement du temps, qui nous met soudainement en apesanteur, mais aussi à une forme en spirale, qui tranche avec la musique directionnelle qui précédait. L'effet que provoque la distance sensible entre de tels contrastes est onirique: on ne sait plus si la première partie, qui nous échappe en se projetant vers l'avant, n'était qu'une forme illusoire, ou si nous entrons, avec la partie lente, dans une sorte de rêve éveillé. Un passage central, dans cette seconde partie, s'organise autour de guirlandes sonores à la harpe et aux cloches que tout l'orchestre remplit de sonorités suaves. Les arpèges descendants des vents doublés par des pizzicatos de cordes, que transpercent des notes répétées aux trompettes et aux cors, dans un climat encore doux, annoncent la reprise du mouvement frénétique. Mais cette fois, ce sont moins des figures virevoltantes qui passent à travers les pupitres que des blocs de notes joués par la masse des instruments: des figures qui s'élancent vers le haut aboutissent à des notes répétées, en une forme d'antiphonie, et mènent à un sommet d'intensité. Après quoi, en guise de coda, une quatrième partie nous conduit à une fin mourante: l'harmonie se fige, les polyrythmes annulent toute sensation de mesure, les longues tenues des instruments graves chutent chromatiquement, les percussions jouant des figures rituelles, en résonance, jusqu'à l'immobilité finale. Le titre de la pièce provient de Lucrèce (De la nature). Il n'a pas de signification structurelle immédiate, comme souvent chez Jarrell, mais exprime en quelques mots l'idée qui avait présidé au morceau. Le trouble s'apparente ici à une forme d'étrangeté, à quelque chose d'inquiétant qui n'apparaît pas de façon narrative, tel un vent d'orage dans un ciel serein, mais comme l'essence même de l'articulation formelle entre deux types d'écriture, deux types d'expression qui exigent des temporalités opposées l'une à l'autre. La soudaineté, c'est le renversement entre les deux. Pourtant, on retrouve un même noyau entre les parties vives et les parties lentes, la quinte jouant dans les deux cas un rôle structurel, et le mib apparaissant comme une note polaire (toute la musique de Jarrell est aimantée par des pôles qui orientent l'écoute). Si le passage du limpide au trouble se traduit par la sonorité orchestrale, par le maniement très sensible des timbres qui provient en grande part de la tradition orchestrale française, il se manifeste aussi par des figures qui évitent tout profil thématique, toute forme mélodique au sens traditionnel du terme, et qui composent la texture. L'auditeur a directement à faire avec la matière sonore. Et celle-ci est composée de part en part. L'adjectif poétique vient à l'esprit pour définir une invention qui s'écarte aussi bien des formes illustratives que des constructions schématiques, et qui repose essentiellement sur l'organisation des hauteurs au détriment des effets, des sonorités bruiteuses ou des gestes iconoclastes. Et malgré les passages brillants, malgré les explosions sonores toujours maîtrisées et un maniement virtuose de l'orchestre, cette poétique révèle un caractère fondamental plutôt intimiste. Philippe Albèra / contemporain / Répertoire / Orchestre

String Quartet D major, Celebrated Largo, op. 76/5 Hob. III: 79 I. Allegretto II. Largo. Cantabile e mesto III. Menuetto. Allegro IV. Finale. Presto

London No. 7-The Symphony No. 104 in D Major is Joseph Haydn's final symphony and is known as the London symphony. It was composed and premiered by the composer in London in 1795 and consists of four movements: Adagio Allegro Andante Menuetto Allegro Trio Finale Spiritoso. It is the best-known of Haydn’s works and epitomises the classical style and structure of the symphonic form. Joseph Haydn (1732-1809) was an Austrian composer who became the figurehead of the classical movement. He formed a close and mutually respectful relationship with Mozart and later taught Beethoven but it was his compositions that left an indelible markon the musical landscape of Western Europe.

Symphonie londonienne n° 11 Content : Revisionsbericht - I. Adagio-Presto - II. Andante - III. Menuetto. Allegretto - IV. Finale. Vivace