10 Leçons De Solfège Op. 96

ADLER Samuel Etude de l'orchestration Discipline / Instrument : tous instruments Genre : Méthode - études Média : Livre Nombre de pages : 1136 (17,8 x 25,4 cm) Editeur : Lemoine Date de parution : 15/06/2011 ISBN / ISMN : 9790230982122 plus de 150 ans après Hector BERLIOZ, plus de 50 ans après Charles KOECHLIN ou Nikolaï RIMSKI-KORSAKOV, et quelques années après... un long travail, Les éditions Henry Lemoine ont le plaisir de vous présenter, enfin en langue française, de Samuel ADLER : Etude de l'orchestration TRAITE PRATIQUE Titre original : The Study of Orchestration, traité d'orchestration de réputation internationale Véritable défi éditorial, l'ouvrage est proposé ici sous la forme d'une édition française, augmentée de 280 pages (+33%) par rapport à la version traduite. En effet, le texte original, déjà riche, est complété : - par Gilbert Amy, d'un chapitre nous offrant son regard sur l'orchestre en musique contemporaine aujourd'hui, - par Bruno Gillet, de trois chapitres concernant la voix humaine, - de 60 pages de commentaires et annotations, à vocation pédagogique, du traducteur de l'ouvrage Philippe Vernier - enfin, d'un index complet et performant (accru de 150%) sans lequel une telle ampleur de contenu se révélerait assez rapidement vaine. Samuel Adler Compositeur et chef d'orchestre américain d'origine allemande parti très jeune aux états-unis, Samuel Adler a composé plus de quatre cents oeuvres publiées, dont cinq opéras, six symphonies, douze concerti, huit quatuors à cordes, quatre oratorios et bien d'autres pièces orchestrales, chorales, vocales ou pour band. Elève notamment de Paul Hindemith, Aaron Copland et Sergei Koussevitski, il enseigna à son tour à l'University of North Texas (1957-1966) puis à l'Eastman School of Music de l'university of Rochester (1966-1995), et depuis 1997 reste membre intervenant à la Juilliard School of Music au sein du département composition. Auteur d'autres ouvrages que celui-ci (Choral Conducting et Sight Singing), Samuel Adler a reçu plusieurs prix et distinctions pour sa contribution exceptionnelle au monde musical comme compositeur, chef d'orchestre et auteur - en 2001, il entre à l'American Academy of Arts and letters. En tant que chef, il s'est produit avec de nombreux orchestres prestigieux, aux états-unis ou ailleurs - plus d'une cinquantaine de ses oeuvres furent enregistrées et sont distribuées par des labels américains ou européens de premier plan. Gilbert Amy Elève de Milhaud et Messiaen au Conservatoire de Paris, Gilbert Amy est un compositeur dont le talent a été salué par de multiples prix et dont les oeuvres sont jouées dans les plus hauts lieux mondiaux de la création musicale. Succédant à Pierre Boulez à la direction des concerts du Domaine musical, Gilbert Amy a ensuite poursuivi une carrière de chef d'orchestre. Fondateur du Nouvel Orchestre Philharmonique de Radio-France, il en sera le premier chef et directeur artistique jusque dans les années 1980. Pédagogue reconnu, il a enseigné la composition et l'analyse musicale à l'Université de Yale puis occupé le poste de directeur du C.N.S.M. de Lyon de 1984 à 2000. Bruno Gillet Compositeur, Bruno Gillet a beaucoup écrit pour la voix, en formations de chambre, en duos avec divers instruments, en ensemble vocal, et avec orchestre. Au théâtre, il a collaboré, entre autres auteurs, avec Italo Calvino et Georges Perec. Au C.N.S.M. de Paris, il a inauguré la classe d'analyse et culture musicale spécialement destinée aux chanteurs, et assuré au C.N.A.D. la formation musicale des acteurs. Philippe Vernier Philippe Vernier se passionne très tôt pour les musiques orales dont il approfondit la connaissance d'abord en autodidacte (chanson, folk music...) puis sous l'impulsion du guitariste Alain Berkès (manouche, blues, jazz...). Après une expérience pop-rock, il étudie la théorie classique, suit l'enseignement des compositeurs Alain Roizenblat, Michel Decoust et Philippe Leroux - il reçoit alors plusieurs Premiers Prix (Orchestration, Composition...) et un D.E.M. en électro-acoustique. Compositeur de pièces pour bande, ensemble, chansons, musiques de film ou de scène, il a remporté le Prix de la Création Musicale au festival Paris-Tout-Court (2002).

Le collectionneur de vieux vinyles ou de CD primés, le choriste, l'amateur qui joue pour son plaisir seul chez lui ou qui participe à un petit ensemble, l'instrumentiste professionnel, le chef de choeur ou d'orchestre, le compositeur... Oui, sans doute, mais sont-ils tous de bons musiciens? En réalité, à l'expérience, on ne réserve ce qualifica¬tif qu'à un petit nombre de personnes. Si l'on essaye d'analyser les raisons de ce choix restreint, on finit par s'apercevoir d'une corrélation entre ce qualificatif et une qualité exceptionnelle d'écoute reconnue à ces personnes dans leurs comportements, leurs propos, leurs écrits...Tout l'intérêt du recueil de Pierre Chépélov et de Benoît Menut réside dans cette recherche du développement de l'écoute. De la même manière qu'il existe plusieurs niveaux de lecture, i y a plusieurs formes d'écoute. Elle peut être sélective, globale, analytique, structurelle, formelle... Loin d'une certaine facilité pédagogique, ce recueil allie l'attrait et la connaissance à une rigueur de progression dans l'élargissement de la capacité d'audition. La richesse des propositions musicales doit permettre de cerner et de travailler tous les paramètres du son. Ainsi, les élèves et les étudiants verront leur qualité d'écoute s'approfondir et s'enrichir pour dégager, au-delà de la simple réussite à un examen, le plaisir - à la fois intellectuel et sensuel - d'une audition musicale, au concert ou chez soi dans un fauteuil. Marguerite Labrousse La dictée reste incontournable dans la formation de l'oreille du musicien. Cet ouvrage propose des dictées tirées d'un large répertoire allant du Moyen Age à la musique d'aujourd'hui, utilisant des enregistrements de qualité. Sa division en six chapitres permet de développer l'écoute sous des angles différents - chaque chapitre possédant sa propre progression. Rythme: Dictées mono et polyrythmiques. Mélodie: Dictées monodiques et polymélodiques. Ces deux chapitres demandent à l'élève de percevoir les articulations de la phrase musicale. Harmonie: Différents aspects harmoniques sont abordés dans ce chapitre: écoute intervallique verticale, reconnaissance des accords comme couleurs (chiffrages), et ressenti de la logique fonctionnelle et cadentielle du système tonal. Timbres: A partir d'une réduction ou d'une partition d'orchestre, l'élève est invité à reconnaître les couleurs des instruments, seuls ou mélangés à d'autres. Mélanges: Ils réunissent, sur le modèle de l'habituelle dictée à parties manquantes, les notions des quatre parties précédentes. Dépistages de fautes: Ce travail demande à l'élève d'entendre intérieurement ce qui est écrit, pour pouvoir le comparer avec la version sans erreur exprimée par le disque. C'est le quotidien de l'interprète amené à corriger des partitions parfois truffées d'erreurs... Le CD fourni permet à l'élève de réécouter les dictées traitées en cours, et/ou d'en faire de manière autonome. Ce recueil s'adresse aussi à l'élève désireux de s'entraîner en dehors du cours, à l'étudiant en musicologie, ainsi qu'à l'amateur averti - il est aussi un matériau pratique et efficace pour un cours de soutien, une remise à niveau en vue d'un examen, et peut faire office de cahier de vacances. Bien entendu, ces textes doivent être mémorisés, chantés, joués à l'instrument... Ainsi, l'élève réalise le lien indispensable de l'écrit obtenu à la production musicale individuelle et collective. Benoît Menut - Pierre Chépélov Compositeur/Auteur : CHEPELOV Pierre / MENUT Benoit Discipline/Instrument : dictées musicales Support : Partition Style/Genre : méthode - études Date de parution : août-06

Lorsque nous aurons réussi à donner à l'enfant une base auditive sensorielle et que nous l'aurons amené à réagir affectivement aux divers éléments sonores, nous pourrons entreprendre le développement musical sans risquer de faire un faux travail. Gamme, sens tonal, intonation, lecture et écriture se révéleront tour à tour comme un épanouissement normal, comme une prise de conscience qui vient à son heure.

Edgar Willems (1)


L'idée d'une base auditive sensorielle représentant un préalable indispensable à toute éducation musicale est sans doute le point commun le plus marquant reliant les courants pédagogiques musicaux du XXe siècle. De Kodály à Willems, de Martenot à Dalcroze, en passant par Orff, toutes ces pédagogies, aux sensibilités pourtant bien différentes, se rejoignent en effet lorsque se pose la question du sens donné à l'enseignement de la musique. C'est bien par le ressenti que l'enfant peut discerner, mémoriser, reproduire pour ensuite analyser, comprendre et même transmettre. Puisque, comme l'écrivait si justement Maria Montessori L'enfant nous demande de l'aider à agir tout seul , nous nous sommes posé, lors de la conception de cet ouvrage, la question suivante : comment proposer à l'enfant, et ce dès le début de son éducation musicale, une méthodologie l'amenant à être le plus autonome possible, à s'ouvrir sans inhibition aux différents paramètres sonores, à découvrir de vastes répertoires, à appréhender de manière ludique l'acte musical, sa lecture, son écriture, pour faire sienne cette maxime de Guillaume de Machaut : Et Musique est une science qui veut qu'on rie et chante et danse ?
Nous avons choisi de structurer cette méthode en chapitres se composant chacun d'une partie rythmique et d'une partie mélodique.

1. Par rythme, nous entendons tout d'abord l'éveil à la pulsation et à la durée, au sentiment mesuré et à la battue de mesure, à la carrure et à la conscience des phrases musicales et de la forme. En ce sens, nous proposons un éveil rythmique axé autour des longues et des brèves ( courtes ) permettant ainsi à l'enfant d'asseoir sa pulsation tout en ancrant les notions de binaire et de ternaire. Cela permet aussi d'éveiller son sens de la prosodie et des métriques dites irrégulières, proches notamment des répertoires populaires de l'Europe de l'Est.
Bien entendu, toutes les formules rythmiques constituant le programme usuel d'une première année sont abordées. Nous tenons à ce que l'élève s'imprègne ainsi du système rythmique au sens large du terme et développe en conséquence une réelle autonomie de jeu et de lecture. Les rythmes sont abordés avec des exemples variés issus de nombreux répertoires. En changeant ainsi les contextes, l'enfant dissocie les notions essentielles du rythme et du tempo qui lui est associé.

2. Les chapitres mélodiques ont pour vocation d'éveiller la vocalité et de développer l'écoute intérieure. Une attention toute particulière est donnée aux textes vocaux, issus notamment des répertoires traditionnels (chansons, comptines...).
La découverte de l'échelle musicale se fait en partant du La du diapason, dont on ne saurait trop encourager l'usage. La lecture se fait en lien direct avec le son : on doit entendre et chanter ce qui est lu. Nous proposons pour cela une écriture ludique constituée de cubes permettant de relier l'oeil à l'oreille de façon plus immédiate. Ne voulant pas bloquer l'enfant dans un seul système de lecture, nous proposons d'axer le travail autour de la lecture relative, qui permet d'être tout de suite à l'aise dans les clés les plus usuelles, tout en montrant l'importance du ressenti de l'échelle diatonique composée de tons et de demi-tons. A ce titre, l'éveil aux différentes modalités nous paraît essentiel - ainsi l'on trouvera nombre de textes issus du répertoire ancien, et grégorien en particulier. Partant de la construction de la portée, ligne par ligne, nous pensons aider l'enfant à se familiariser avec les hauteurs et à comprendre et mieux maîtriser la construction de l'écriture musicale.
La conscience des intervalles est éveillée par la technique de la note imaginaire , qui permet à l'élève de construire l'écart entre les notes, de fixer les hauteurs et de développer une empreinte sonore préalable à l'acte vocal comme à l'acte instrumental.
Des travaux d'écriture sont d'ailleurs proposés tout le long de l'ouvrage : petites dictées, écriture en clés de Sol et de Fa, transpositions... L'oreille harmonique est aussi développée par des jeux autour des cadences qui représentent la ponctuation du langage tonal. Il en va de même pour la conscience des timbres instrumentaux.

Le solfège proprement dit consiste à chanter en nommant les notes et en battant la mesure , écrivait Albert Lavignac ()2. Bien qu'un peu réductrice, cette phrase démontre que la question d'un solfège relié directement à la musique se posait déjà au XIXe siècle, reprenant aussi les idées pédagogiques déjà présentes dès la Renaissance. Nous avons souhaité inclure dans l'ouvrage les données théoriques essentielles, tout en les reliant directement à l'événement sonore. Ainsi, elles prennent du sens et la théorie devient vraiment musicale .
Fruit de notre expérience, de l'étude des courants pédagogiques et d'une recherche de répertoires tant variés qu'appropriés, L'Ouverture à la musique propose au professeur et à l'élève, enfant ou adulte, de débuter son apprentissage musical en se plongeant d'emblée dans la matière sonore, en goûtant au plaisir de la découverte et de l'expérimentation.

Benoît Menut, Pierre Chépélov

(1) Edgar Willems, L'Oreille musicale, tome 1 La préparation auditive de l'enfant, Fribourg, Editions Pro Musica, 1977, p.136.
(2) Albert Lavignac, L'Education Musicale, Paris, Charles Delagrave, 1902, p.24. / Partition CD /

' Le jazz, ce n'est pas ce que vous faites, mais la manière dont vous le faites ', selon l'excellent mot de Fats Waller. Jazz vocal vous propose d'appréhender cette ' manière de faire ' sous un double angle.- Sous un angle technique d'une part, avec de nombreux exemples et exercices permettant de développer son sens du rythme, son oreille harmonique, son imagination mélodique, sa liberté d'interprétation, sa technique vocale. Car aussi ' naturelle ' qu'elle soit, la voix ne saurait s'exonérer de l'apprentissage et de la maîtrise de codes, pour mieux libérer l'émotion. Les Parties I - Rythme et II - Harmonie/Mélodie se proposent de développer votre musicalité et votre autonomie, en se rapprochant de ce que réalisent les instrumentistes - La Partie III - Improvisation s'appuie sur le travail des deux premières parties pour expérimenter l'improvisation dans un cadre harmo-rythmique - elle évoque également l'improvisation modale et l'improvisation ' libre ' - La Partie IV - Interprétation aborde l'acquisition d'un répertoire, le lien au texte et ce qui en découle en terme de phrasé - La Partie V - Jazz et Techniques traite de la technique vocale et de la lecture de partitions - La Partie VI - La scène évoque la question du choix des musiciens, l'organisation d'une répétition, l'arrangement des morceaux, la présence scénique, etc. - La Partie VII s'adresse aux enseignants avec des exercices collectifs et des conseils sur la façon de transmettre cette musique. - Sous un angle ' poétique ' d'autre part, au travers de pages de réflexions qui cherchent à exprimer ' l'esprit ' de cette musique. Cet ouvrage s'adresse : - à tous ceux qui veulent chanter du jazz (du débutant au chanteur confirmé), et qui cherchent des outils pour travailler cette musique - - aux enseignants en jazz vocal, qui trouveront de quoi construire leur cours, ainsi qu'une réflexion sur la musique qu'ils enseignent - - aux chanteurs professionnels ou semi-professionnels, qui y puiseront de quoi aller plus loin dans leur maîtrise, ainsi que des conseils sur la scène - - aux musiciens de jazz (instrumentistes) qui se demandent ' comment ça marche un chanteur '... ' Ouvrir la voi(x)e à plus d'une voix ' - comme l'écrit David Linx dans sa préface -, tel est le propos, telle est l'ambition de cet ouvrage qui s'efforce, par son caractère très complet, d'aborder toutes les facettes du jazz vocal soliste. Un CD (play-backs et exemples chantés) accompagne l'ouvrage pour expérimenter les propositions au fil des pages. / Voix / Partition Cd

Véritable défi éditorial, l'ouvrage est proposé ici sous forme d'une édition française augmentée de 280 pages par rapport à la version traduite.


En effet, le texte original, déjà riche, est complété :

- par Gilbert Amy, d'un chapitre nous offrant son regard sur l'orchestre en musique contemporaine aujourd'hui.
- par Bruno Gillet, de trois chapitres concernant la voix humaine
- de 60 pages de commentaires et annotations, à vocation pédagogiques, du traducteur de l'ouvrage Philippe Vernier
- d'un index complet et performant sans lequel une telle ampleur de contenu se révèlerait assez rapidement vaine. / [Etude de l'Orchestration - Traité Pratique] / Livre /

Collectif d'auteurs dirigé par Janine Delahaye : Olivier Deshayes, Frédéric Ducros, Sophie Guillin, Danielle Lecoq et Anne-Marie Pialloux

Principalement destiné aux professeurs des classes de 3e, Regards est une somme d'exemples d'enseignement transversal au collège, dans le but de concilier les exigences de l'enseignement disciplinaire et les thématiques du programme d'histoire des arts.
Des professeurs d'arts plastiques, d'éducation musicale, d'histoire et de lettres ont croisé leurs regards autour de 12 objets d'études pour illustrer les 6 thématiques du programme d'histoire des arts au collège.

Arts - Créations - Culture
Arts - Espace - Temps
Arts - Etat - Pouvoir
Arts - Mythes - Religions
Arts - Techniques - Expressions
Arts - Ruptures - Continuités

Explorant un vaste champ artistique et dans un souci constant de rester en résonance avec les programmes disciplinaires, les auteurs interrogent aussi bien les oeuvres les plus connues que celles dont la notoriété est plus confidentielle.
Ce choix, non exhaustif, a pour ambition d'inviter les professeurs à une lecture plurielle des oeuvres d'art dont ils sont familiers comme à s'aventurer sur des terrains moins connus. Il s'agit d'offrir des outils pour mieux comprendre les convergences artistiques aux XXe-XXIe siècles, ainsi que les enjeux de la création artistique de cette époque.
Cet ouvrage intéressera également tout lecteur curieux qui souhaite réfléchir aux correspondances entre les arts. / Partition /

Partition pour voix moyenne et élevée et piano Collection : Bonnardot Jacqueline Nombre de pages : 44 Cette édition s'adresse aux chanteurs mais également à tous les musiciens qui aiment le chant et veulent avoir facilement un large éventail de musique convenant à des voix peu exercées (formation musicale, par exemple). Tous les morceaux ont été choisis non seulement pour leurs qualités musicales, mais aussi pour leur efficacité pédagogique, favorisant ainsi le bon développement des jeunes voix. Les morceaux de chaque recueil sont choisis pour un niveau donné, et conviennent à des voix moyennes ou élevées, qui chanteront avec profit ces pièces ne sollicitant pas leur aigu, mais ne nécessitant jamais un grave ou un medium appuyé. Nous avons cherché à respecter scrupuleusement le texte original des morceaux choisis. Et c'est ce texte, fidèle, que nous avons parfois transposé, et pour lequel Irène Assayag et Bruno Gousset, selon leurs compétences respectives, ont réalisé les basses chiffrées. C'est ainsi que nous avons retranscrit les signes de mesure, et les ornements originaux, sans les adapter à l'usage du 19e siècle, laissant aux musiciens, la liberté de les interpréter avec goût. Il est possible, bien sûr, de faire travailler certaines pièces en vocalise, si la langue pose des problèmes, ou comme travail préliminaire pour installer le legato. Contenu : Berlioz: Villanelle (Les Nuits d'été) - Bodin de Boismortier: Quand le silence et le mystère... - Brahms: Der Gang zum Liebchen - Fauré: Au bord de l'eau - Frescobaldi: Se l'aura spira - Haendel: Ch'io mai vi possa... (Siroe) - Lambert: Ombre de mon amant - Lully: Plainte italienne (Psyché) - Monteverdi: Si dolce é 'l tormento - Morley: It was a lover and his lasse - Purcell : Mystery (The Fairy Queen) - Rodrigo: Con qué la lavaré ? - Schubert: Seligkeit - Schumann: Erstes Grün - Stölzel: Bist du bei mir - Stradell: i, amor, mi fai languir - Se nel ben...