Musica Festiva

En 1950 à l'occasion de l'Année Sainte le Pape Pie XII décida que la Marche pontificale du compositeur français Charles Gounod (1818-1893) deviendrait l'hymne officiel de l'État de la Cité du Vatican. La Marche pontificale comme l'avait appelée son auteur prit alors le nom d?Hymne pontifical remplaçant ainsi l?ancien hymne (Musica Festiva) composé par Vittorino Hallmayr en 1857.Animé d?une foi profonde Charles Gounod avait composé cette marche en 1869 pour le jubilé sacerdotal du Pape Pie IX. La création eut lieu la même année sur le parvis de la Basilique Saint-Pierre par sept fanfares militaires. L?œuvre connut un succès immédiat.Elle est toujours appréciée de nos jours.Wil van der Beek en a réalisé un excellent arrangement.

For SATB choir. First performed by the Estonian Philharmonic Chamber Choir conducted by Daniel Reuss 'Dias da Musica Festival' Lisbon. Centro Cultural de Belem Pequeno Auditorio 28th April 2012.

The Música Latina para Dos series by Wynn-Anne Rossi introduces students to the rhythms, styles, and musical characteristics of Latin American music. Each duet includes a short rhythm exercise to prepare students for the rhythm patterns featured in the piece, as well as a brief description to spark the performers' imaginations. The captivating rhythms and musical variety found in these duets will provide students with the opportunity to discover and celebrate Latin music---Música Latina. Book 1 contains duets written for piano students at the late elementary level. / Piano

Related Rocks for two pianos two percussionists and electronics was commissioned by Ircam and the Musica Festival Strasbourg. The world premiere took place on 24th June 1997.Magnus Lindberg wrote this work with theIctus piano-percussion quartet in mind a group he met in Brussels at a concert devoted to his music in 1996.

Par MUNDE ALAN. Alan Munde est l'un des meilleurs joueurs de toujours chercher au banjo à cinq cordes. Dès ses premiers jours avec Jimmy Martin par le biais de son mandat avec Gazette du pays, Alan a constamment élargi la portée de sa vision. Tirée d'une série d'enregistrements, sorti sur le label de crête Runner de Richey Slim dans le début des années 1980, cette compilation contient un incroyable étalage de musicalité banjo. Chaque découpe combine la logique, la beauté et la propulsion rythmique. L'éclat des airs avec fraîcheur comme l'ancienne est faite de nouveau. Les mélodies sont présentés dans la tablature seulement. / Niveau : Intermédiaire / Bluegrass - Transcribed Solos / Tablatures / Banjo Tablatures à 5 Cordes

Création
30/07/2018 - La Grave, Festival Messiaen au Pays de la Meije, Eglise - Fiona McGown (mezzo), Yan Levionnois (violoncelle), Anne Le Bozec (piano)
Commanditaire
Festival Messiaen au pays de la Meije
Dédicace
à Anne Le Bozec, Yan Levionnois et Fiona McGown
Notice
Il s'agit d'un cycle de mélodies pour mezzo-soprano, violoncelle et piano - commande de l'Association Olivier Messiaen au pays de la Meije - dédié à Anne Le Bozec, Yan Levionnois et Fiona McGown.
Ce choix autour de la danse m'est venu à la lecture de cette phrase du poète américain Ezra Pound (1885-1972) - chef de file du mouvement imagiste et moderniste - dans son ABC of Reading : Music begins to atrophy when it departs too far from the dance... poetry begins to atrophy when it goes too far from music ( La musique commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la danse... La poésie commence à s'atrophier lorsqu'elle s'éloigne trop de la musique ). C'est cette phrase qui m'a inspirée pour les Dancing Poems.
Les quatre mélodies de ce cycle ont été composées d'après les poèmes At the still-point de Thomas Stearns Eliot (1888-1965), Slow Movement de William Carlos Williams (1883-1963), To a child dancing in the wind et Those dancing days are gone de William Butler Yeats (1865-1939).
Véritablement pensée avec un rapport au corps, ma façon de concevoir le rythme est plus spontanée qu'intellectualisée. J'ai besoin de sentir intérieurement une rythmique - corporellement - avant de la coucher sur le papier. Musique et danse sont ainsi intimement liées. Pour moi, composer, c'est quelque part le point de rencontre entre la musique, la danse et la poésie ; le point où chacune de ces disciplines est indissociable l'une de l'autre. Aussi, mon choix s'est porté sur la littérature anglo-saxonne, que Fiona McGown pratique à merveille et qui en fait ressortir toute la musique des mots. J'ai alors imaginé son timbre magnifique entremêlé à celui du violoncelle - instrument que j'aime tout particulièrement. Dans tout le cycle, l'enjeu a été de créer une ambiance intime et lumineuse. Les couleurs et les timbres se mélangent de manière à créer un halo sonore résonnant et flottant autour ces trois instruments. Ainsi, le halo contribue à recréer ce point particulier de rencontre entre la musique, la danse et la poésie ; un point hors du temps libéré des tensions du monde. Le cycle est également imprégné de rythmes répétitifs et dansants, et les mélodies sont construites sur des formes simples utilisant des refrains. Cela confère à l'ensemble une couleur populaire, propre à l'expression de la danse.
La première mélodie, At the still-point, cherche à retranscrire cet état de transe par un accompagnement répétitif où piano et violoncelle se mélangent pour créer une texture planante.
Il est conçu comme un moteur essentiel au sein duquel le mouvement est toujours présent. Sa répétition permet toutefois de conserver une immobilité apparente. La voix, sensuelle, se déploie sur ce tapis sonore brumeux et flottant. Point d'équilibre fragile, ce still point n'est donc ni en suspens, ni en mouvement : il est les deux à la fois. C'est le moment où le temps s'arrête et où nous nous retrouvons immergés dans nos propres mondes. J'ai imaginé certains vers comme un refrain, rappelant régulièrement l'équilibre subtil et délicat de ce still point.
La seconde mélodie, Slow Movement, est le mouvement lent du cycle et évoque les souvenirs - ces trésors que l'on peut enfermer une boîte. J'ai donc choisi d'utiliser la voix parlée. Seuls le début et la fin sont fredonnés (éteint, sans timbrer) comme un écho au thème de violoncelle. Violoncelle et piano prennent tour à tour la parole pour chanter l'expression des mots déclamés dans ce numéro.
Les deux dernières mélodies évoquent successivement l'enfance et la vieillesse. To a child dancing in the wind décrit un enfant dansant sur le rivage, insouciant des sons menaçants qui l'entourent. Le fracas incessant des vagues, les hurlements du vent, ou encore les gouttes d'eau salée qui perlent de ses cheveux sont autant d'images des évènements de la vie qui nous assaillent. Le rugissement du vent et le déferlement des vagues semblent être une allusion aux injustices et au désordre de la vie ( L'amour est perdu aussitôt qu'il est gagné et l'imbécile triomphe ). Toutefois, l'imbécile peut être une personne motivée par l'amour et ne se souciant pas du reste. Le meilleur ouvrier est mort , mais il était peut-être le meilleur parce qu'il a travaillé avec amour. Ce poème parle donc à la fois de l'insouciance de l'enfance, et de l'expérience de la maturité. J'ai choisi de transcrire en musique cette insouciance de l'enfant qui danse, cette incarnation de la vie dans le moment présent, en un véritable moment vif et dansant. De plus en plus apaisée, la danse s'achève et nous ramène à la réalité du monde adulte avec la dernière mélodie du cycle.
Ici, Yeats fait allusion aux moments heureux qui ont pris fin. Les jours dansants sont terminés. L'épouse et les enfants ont disparu. Un corps enveloppé dans un haillon sale évoque aussi bien la mort que l'éclat de vie perdu. La boucle rythmique utilisée traduit avec mélancolie et sensualité les heureux jours disparus. Les vers I carry the sun in a golden cup, the moon in a silver bag à la fin de chaque strophe sont utilisés comme un refrain. Ils portent à la fois l'idée du rayonnement du soleil comme éclat de vie et de l'ombre de la lune qui tombe délicatement dessus comme un voile mystérieux. Mais peu importe que la mort arrive car l'on peut toujours danser et chanter. Jusqu'à notre dernier souffle.
Camille Pepin / Partitions classique / Ensemble et orchestre / Conducteur / Editions musicales Rubin

Pied Piper Of Hamelin arranged for Tenor and Bass soloists SATB. Words by Robert Browning. First performed at the Norfolk and Norwich Musical Festival 1905.

George Dyson's Agincourt for SATB Chorus and Orchestra.This piece was written for the jubilee of the Petersfield Musical Festival 1956. It incorporates words from Shakespeare's Henry V and from the early 15th century folk song 'Hymn After Agincourt'.

C. Lee Williams' The Lord's Prayer for SSAATTBB Choir and Organ accompaniment.  Composed for the Gloucester Musical Festival 1910 (Revised in 1922).

Musical Impressions was written to provide pianists with the experience of playing in a variety of styles. Capturing the essence of different styles is an important aspect of pianistic development. Jazz styles, romantic ballads, mysterious sounds, and more are found in this series, providing pianists of any age with pieces in many moods. / Piano

‘Toccata Festiva’ was commissioned in 1994 by the Dutch Brass Band Championships. The wind band version was made a year later by the composer himself. Historically speaking the toccata is considered to be one of the first independent instrumental forms for keyboard instruments. Originally the toccata was typically more or less improvised later this musical form was given a more regulated structure. Both elements are used in the ‘Toccata Festiva’: on the one hand the different themes are developed freely on the other the piece has an orderly structure. It is in a three part form (quick-slow-quick) and includes both strong rhythmical figures and broad melodic lines. Partof the composition is written in a more or less archaic tone idiom referring to the period from which the toccata form originates (16th century).

‘Toccata Festiva’ was commissioned in 1994 by the Dutch Brass Band Championships. The wind band version was made a year later by the composer himself. Historically speaking the toccata is considered to be one of the first independent instrumental forms for keyboard instruments. Originally the toccata was typically more or less improvised later this musical form was given a more regulated structure. Both elements are used in the ‘Toccata Festiva’: on the one hand the different themes are developed freely on the other the piece has an orderly structure. It is in a three part form (quick-slow-quick) and includes both strong rhythmical figures and broad melodic lines. Partof the composition is written in a more or less archaic tone idiom referring to the period from which the toccata form originates (16th century).